Calaveras, guiños futboleros, sneakers y símbolos de la cultura urbana también pueden convertirse en piezas de joyería: ese es el universo que construyó Juan del Beats a través de sus diseños personalizados.<h2>La propuesta argentina que une joyería, streetwear y deporte: así es Juan del Beats</h2>Dentro de la escena urbana argentina, una de las propuestas que logró hacerse un lugar a través de diseños personalizados y una estética propia es Juan del Beats.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2fa7f50fcd.png" alt=""><figcaption>Nucleo Aka Tintasucia vistiendo piezas de Juan del Beats (Juan del Beats).</figcaption></figure>La joyería ubicada en la ciudad de Buenos Aires trabaja con piezas elaboradas en plata 925 y oro de 18 quilates, y desarrolla diseños que combinan referencias del streetwear, el deporte y la cultura urbana. A lo largo de su recorrido, las creaciones de Juan del Beats llegaron a manos de artistas como Luck Ra, Duki, C.R.O, Rels B e, incluso, a figuras internacionales del cine como Johnny Depp.<h2>Plata, oro y piezas personalizadas: el universo de Juan del Beats</h2>La propuesta de Juan del Beats reúne una amplia variedad de joyas personalizadas y piezas de autor pensadas para quienes buscan llevar accesorios con identidad propia.<ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Aros</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Dijes</li></ul><ul><li>Coleccionables</li></ul><ul><li>Colaboraciones especiales</li></ul>Cada colección desarrolla una estética muy marcada, con referencias que van desde calaveras, armas y elementos del imaginario urbano hasta homenajes al mundo del fútbol, los sneakers y distintos símbolos deportivos<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbuC1IdNzWc/"></oembed></figure>También aparecen diseños inspirados en botines, dorsales y siluetas icónicas, construyendo un catálogo que mezcla joyería tradicional con códigos contemporáneos.Además, el proyecto ubicado en Buenos Aires realizó colaboraciones especiales, entre ellas una junto al trapero uruguayo Falke 912, ampliando todavía más un universo creativo donde la personalización y el diseño ocupan un lugar protagonista<h2>De Duki a C.R.O: los artistas que llevaron piezas de Juan del Beats</h2>La joyería logró posicionarse dentro de la escena musical y urbana gracias a distintas colaboraciones y trabajos realizados para reconocidas personalidades.<ul><li>Luck Ra</li></ul><ul><li>Duki</li></ul><ul><li>C.R.O</li></ul><ul><li>Núcleo</li></ul><ul><li>Nucleo Aka Tintasucia</li></ul><ul><li>Rels B</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZqPoBRt8xC/"></oembed></figure>Con una identidad visual atravesada por la cultura urbana, el deporte y el diseño personalizado, Juan del Beats continúa consolidándose como una de las propuestas argentinas de joyería que encontró en los accesorios una nueva forma de expresión artística.

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Noticias

Juan del Beats, la joyería que llevó el diseño urbano a otro nivel

En la industria textil mexicana existen distintos perfiles que encontraron en la moda una forma de expresar identidad, cultura y creatividad, y uno de los nombres que más destaca dentro de ese universo es Mauro Garfias.Con más de quince años de trayectoria, el diseñador llevó su particular mirada sobre el streetwear, la mezclilla y el diseño a marcas, clubes deportivos y figuras internacionales.<h2>Un emblema del diseño mexicano: Mauro Garfias</h2>La industria del diseño en México ha encontrado en Mauro Garfias uno de sus nombres más destacados. Egresado del Instituto de Estudios Superiores de Moda en Casa de Francia, con una licenciatura en Diseño y Confección, una especialización en mezclilla y formación como diseñador gráfico, Garfias se convirtió en uno de los nombres vinculados al diseño y la moda urbana mexicana más importantes de la última década.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4cba5ec703.png" alt=""><figcaption>El estilo de Mauro Garfias x Vans (Instagram/Mauro Garfias).</figcaption></figure>Con una propuesta que combina la cultura streetwear con prendas de identidad propia y una mirada enfocada en la reutilización y el consumo responsable, el diseñador mexicano logró trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, además de desarrollar proyectos vinculados al mundo del fútbol y la cultura urbana.<h2>12crew, una firma que apuesta por la identidad</h2>Uno de los principales proyectos de Garfias dentro del streetwear es 12crew, una firma de construcción textil que busca crear prendas únicas y transformar la manera en la que se visten los mexicanos.La propuesta se sostiene sobre tres pilares principales:<ul><li>Calidad.</li></ul><ul><li>Diseño.</li></ul><ul><li>Tendencia.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e8444ad0a.png" alt=""><figcaption>Mauro Garfias visitando prendas de 12crew (12crew).</figcaption></figure>La marca también incorpora técnicas de upcycling y reworking, con las que busca reutilizar y transformar prendas y materiales como una contrapropuesta frente al consumo masivo.La mezclilla ocupa un lugar central dentro de su universo, acompañada por referencias del arte japonés, la cultura urbana y una búsqueda constante de piezas únicas y exclusivas.<h2>De México al mundo: las figuras que vistieron sus diseños</h2>El trabajo de Garfias también trascendió las fronteras de México y llegó a figuras reconocidas internacionalmente.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DBOpLIAuqdq/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>Además de trabajar con marcas como PUMA y Lacoste, el diseñador mexicano realizó prendas especiales y únicas para jugadores como Javier “Chicharito” Hernández, Andrés Guardado y Shaquille O&#x27;Neal.Su trayectoria también incluye colaboraciones con referentes del hip hop y el graffiti como Aczino y Tote King, llevando su propuesta desde el streetwear mexicano hacia diferentes escenarios de la cultura urbana internacional.

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El diseño mexicano bajo la mirada de Mauro Garfias

A la hora de observar los tatuajes de un futbolista, gran parte de la atención suele centrarse en el diseño que luce sobre su piel. Sin embargo, pocas veces la mirada se posa sobre el artista responsable de convertir esa idea en una obra permanente.Y durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el defensor mexicano Jorge Sánchez volvió a llamar la atención por sus tatuajes. Detrás de buena parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, uno de los referentes del tatuaje realista en México.<h2>Edd Flores, el artista detrás de la piel de Jorge Sánchez</h2>Desde hace tiempo que el futbolista dejó de ser un referente únicamente dentro del terreno de juego para convertirse también en un ícono estético puertas para afuera de los estadios.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_409b766e15.png" alt=""><figcaption>Edd Flores tatuando la piel del futbolista mexicano Jorge Sánchez (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure>A los looks protagonizados por marcas de lujo, diseñadores y firmas de streetwear se sumó otra expresión artística que ganó cada vez más protagonismo: el tatuaje. Una práctica que décadas atrás era prácticamente impensada dentro del fútbol profesional y que hoy forma parte de la identidad de buena parte de las grandes figuras del deporte.Y en el marco de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá, el arte del tatuaje volvió a ocupar un lugar destacado. Desde promesas de inmortalizar el título con una nueva pieza hasta retratos futuristas y diseños inspirados en el torneo, varios futbolistas llamaron la atención por las obras que lucieron sobre su piel. Entre ellos apareció el defensor mexicano Jorge Sánchez, uno de los jugadores que más comentarios generó por sus tatuajes durante la competencia.Detrás de gran parte de esas piezas se encuentra Edd Flores, tatuador mexicano oriundo de Aguascalientes y artista principal de Flowers Tattoo Studio, ubicado en Plaza Arcos Campestre. Reconocido por sus trabajos de gran nivel técnico, el artista construyó una identidad basada en el realismo, los retratos y composiciones de alto nivel de detalle, convirtiéndose en uno de los nombres más destacados de la escena del tatuaje en México.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUbnCICD-af/?hl=es"></oembed></figure>Entre las piezas que Edd Flores realizó para Jorge Sánchez se destacan distintos tatuajes de estilo hiperrealista, donde el defensor mexicano decidió inmortalizar a sus hijos y a su esposa mediante retratos de gran nivel.Pero más allá de haber encontrado en Jorge Sánchez uno de sus clientes más reconocidos, el vínculo con el futbolista mexicano representa apenas una parte de una trayectoria que lo llevó a consolidarse como uno de los artistas más reconocidos de Aguascalientes y del panorama del tatuaje realista en el país.<h2>El estilo de Edd Flores: retratos hiperrealistas y una identidad marcada por el detalle</h2>Más allá de su trabajo junto a Jorge Sánchez, Edd Flores construyó una identidad artística que lo posicionó como uno de los referentes del tatuaje realista en México. Su portfolio reúne piezas de gran formato donde el nivel de detalle se convierte en el principal protagonista, con composiciones que buscan trasladar fotografías, emociones y escenas completas a la piel de cada cliente.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DMiivRUx6Mn/?hl=es"></oembed></figure>Dentro de sus diseños aparecen retratos de familiares, figuras religiosas como Jesucristo y distintas advocaciones de la Virgen, animales como leones y rinocerontes, además de personajes de la cultura pop como Spider-Man y Buzz Lightyear. A ese abanico de temáticas se suman composiciones con elementos naturales, símbolos y piezas personalizadas, todas atravesadas por un marcado trabajo de luces, sombras y texturas que potencian el efecto tridimensional de cada tatuaje.Si bien el blanco y negro ocupa un lugar central en buena parte de sus obras, el artista también incorpora color en distintas piezas para reforzar el impacto visual de los diseños. El resultado es una galería donde el hiperrealismo convive con composiciones de gran complejidad técnica, una combinación que terminó convirtiendo a Edd Flores en uno de los tatuadores más destacados de Aguascalientes y en una referencia para quienes buscan obras de alto nivel artístico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7dd9bbe0fe.png" alt=""><figcaption>Diseño de Edd Flores (Instagram/Edd Flores).</figcaption></figure>El trabajo de Edd Flores demuestra cómo el tatuaje también encontró un espacio dentro del fútbol moderno. En una Copa del Mundo donde la moda, las colaboraciones y la estética ocuparon un rol protagónico, artistas como el mexicano dejaron en claro que detrás de cada pieza también existe una historia, una identidad y un autor que muchas veces permanece fuera del foco, pero cuya huella termina acompañando a algunas de las grandes figuras del deporte.

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Conocé a Edd Flores, el tatuador detrás de los impactantes diseños de Jorge Sánchez

La joyería también es parte de la identidad de un look, y Bass Joyas lo llevó a otro nivel.Desde Buenos Aires, el proyecto de joyería personalizada y prendas de autor construyó una propuesta propia dentro de la escena urbana y creó piezas elegidas por artistas de la talla de Nicki Nicole y Milo J.<h2>Anillos, cadenas y piezas de autor: conocé Bass Joyas, la joyería elegida por artistas</h2>Más allá de las prendas y los sneakers, los accesorios ganaron un lugar cada vez más importante dentro de la moda y se convirtieron en piezas fundamentales para completar y potenciar cada look.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZN_nf8hHLf/"></oembed></figure>Y en la ciudad de Buenos Aires aparece Bass Joyas, un proyecto dedicado a la joyería personalizada y las piezas de autor que logró hacerse un lugar dentro de la escena urbana y musical, con diseños elegidos por artistas como Nicki Nicole, Luck Ra, Knak, Pedrito VM y Milo J, entre otros.<h2>Oro, plata y diseños de autor: la propuesta de Bass Joyas</h2>La propuesta de Bass Joyas se caracteriza por trabajar con distintos materiales y formatos, con piezas que van desde diseños clásicos hasta alternativas más llamativas y personalizadas.<ul><li>Oro</li></ul><ul><li>Plata 925</li></ul><ul><li>Cubic</li></ul><ul><li>Bronce</li></ul><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Colgantes</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36fc30d683.png" alt=""><figcaption>Joyería by Bass Joyas (Instagram/Bass Joyas).</figcaption></figure>Entre sus diseños aparecen cruces góticas, flores de lis, flores cúbicas, cruces de alquimia, números personalizados, símbolos de infinito, iniciales y estrellas, además de otras piezas pensadas para quienes buscan darle una identidad particular a sus accesorios.Con precios que van desde los $50.000 hasta los $400.000 pesos argentinos, Bass Joyas cuenta con envíos a todo el país y permite adquirir sus piezas a través de su página web.

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La joyería que llegó a los looks de Nicki Nicole, Luck Ra y Milo J: así es Bass Joyas

Para Lidia Gómez, el arte no siempre necesita un marco o un museo cerrado. Su incursión en el arte efímero, que incluye dibujos gigantes en la arena y esculturas de agua, responde a una conexión espiritual con el entorno de San Antonio Oeste, Río Negro. Aunque la marea borre sus trazos, la tecnología se encarga de que el impacto permanezca en la memoria colectiva a través de la fotografía y el video.&quot;Mi obra es algo versátil que te emociona para siempre&quot;, define. Esta práctica funciona como una ofrenda a la naturaleza donde el desapego es parte del proceso creativo. Ella prioriza la vivencia y el mensaje ecológico por sobre la comercialización del objeto artístico tradicional.<h3>De la Patagonia al mundo</h3>Uno de los hitos más recientes en su carrera es la nominación de su mural &quot;Polen del Futuro&quot; al ranking mundial de la plataforma Street Art Cities. La obra muestra a una abeja con una máscara antigás, lo que representa una crítica directa al uso de los agroquímicos. En julio del año pasado, esta pieza logró posicionarse entre las 10 mejores del planeta.&quot;Esa obra marcó un antes y un después por su repercusión significativa&quot;, afirma Lidia sobre el reconocimiento. Para ella, el muralismo es un lenguaje complejo que narra historias y requiere una planificación técnica que va mucho más allá de un simple dibujo en la pared.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27b394946f.png" alt=""><figcaption>&quot;Polen del Futuro&quot;.</figcaption></figure><h3>La mentoría francesa que rompió el bastidor</h3>La artista pintaba cuadros pequeños hasta que un gestor cultural del Museo de Aquitania en Burdeos descubrió su trabajo en las redes sociales. Este encuentro cambió su perspectiva de la escala. El desafío de pintar los barcos pesqueros en formatos monumentales la empujó a salir del taller y conquistar la vía pública.&quot;El gran formato impacta al espectador porque la obra es gigante&quot;, explica la autora sobre su transición al muralismo. Esta etapa le permitió realizar residencias artísticas en Europa y sumarse al Movimiento Internacional de Muralistas Italo-Graci, lo cual conectó su identidad patagónica con los circuitos internacionales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_46b589d777.png" alt=""><figcaption>Crear desde el territorio y dialogar con el mundo.</figcaption></figure><h3>Esculturas bajo el agua y fe de cemento</h3>El hecho de ser versátil la llevó a crear la Virgen Stella Maris, una escultura de casi una tonelada que descansa en el fondo del mar en Las Grutas. El desafío técnico fue extremo, ya que utilizó cemento de pH neutro para no dañar el ecosistema marino y diseñó una estructura capaz de resistir las mareas patagónicas más violentas.&quot;Me consagré como escultora el día que pasó la primera tormenta y la obra siguió ahí&quot;, recuerda con orgullo. Esta pieza no solo es un icono religioso, sino un arrecife artificial que interactúa con la fauna local, lo que logra fusionar el arte con la biología.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/?hl=es-la"></oembed></figure><h3>El artista como científico y albañil</h3>Lidia defiende una visión de la profesión como un trabajo multifacético. En un entorno con escasez de materiales, ella aprendió a ser su propia gestora cultural y a dominar herramientas que van desde la motosierra hasta el software de edición. Su formación técnica le otorga una mirada pragmática sobre la producción de la obra.&quot;Los artistas somos un poco científicos, electricistas y albañiles&quot;, sostiene para describir la complejidad de su oficio. Para ella, el arte urbano en Latinoamérica hoy se equipara con el resto del mundo gracias a esta capacidad de adaptación y a una identidad visual muy marcada por el paisaje del sur.<h3>La nueva galería global</h3>La tecnología no es un accesorio, sino una herramienta central en su labor diaria. Sus dibujos de Lionel Messi y el Papa Francisco durante el Mundial de Qatar se volvieron virales y transformó sus intervenciones en la playa en un clásico esperado por la comunidad digital.&quot;Las redes influyen y a veces direccionan todo el trabajo artístico&quot;, reflexiona sobre la visibilidad que ofrecen las pantallas. Lidia entiende que el impacto hoy es doble, se busca emocionar al vecino que camina por la calle y al espectador que observa desde un celular en cualquier parte del mundo.TAGSENTREVISTAARGENTINAARTE EFÍMERO

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Muralismo y esculturas submarinas, por Lidia Gómez

Ilustración, animación 2D y 3D, moda y diseño de personajes forman parte del universo de Artsy Kars, una artista mexicana que convirtió la creación de mundos en su sello personal.<h2>Color, personajes y fantasía: la identidad de Artsy Kars</h2>Hay artistas que crean obras y otros que construyen universos enteros alrededor de ellas. Y en México, Artsy Kars convirtió la ilustración, la animación y el diseño de personajes en su propia forma de crear mundos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9266ab1ced.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Artsy Kars (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure>La artista mexicana Karen Sofía Vega Moreno, conocida artísticamente como Artsy Kars, construyó una identidad visual propia a partir de la combinación de animación, ilustración, diseño de personajes y creación de mundos. Su propuesta se caracteriza por una estética vibrante inspirada en el arte pop, el color y la narrativa, con piezas que mezclan elementos 2D y 3D para desarrollar universos cargados de personajes, emociones y simbolismo.Su proceso creativo le permite moverse entre diferentes disciplinas y técnicas, utilizando ilustraciones digitales y animaciones dinámicas para explorar nuevas dimensiones y darle vida a mundos imaginarios. A esto se suma una fuerte influencia de la moda, que aparece tanto en sus personajes como en prendas y artículos que forman parte de su universo artístico.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/?img_index=1"></oembed></figure>Uno de los proyectos centrales dentro de su obra es ArtsyWorld, un mundo ficticio en expansión poblado por personajes, criaturas y narrativas mágicas. A través de este espacio, Artsy Kars explora conceptos como la identidad queer, la transformación, la moda, la mitología, la sensualidad y la belleza surrealista de la vida cotidiana, combinando referencias del anime, el arte pop, la cultura urbana y el arte digital contemporáneo.Su trabajo también trascendió el ámbito personal para llegar a algunas de las principales industrias del entretenimiento, la música y la moda.<ul><li>Sony Music</li></ul><ul><li>Matisse</li></ul><ul><li>Yeri Mua</li></ul><ul><li>Disney</li></ul><ul><li>Adidas</li></ul><ul><li>Natura</li></ul><ul><li>Tecate Emblema</li></ul>Dentro de estos proyectos, la mexicana participó en la creación de promocionales animados, key visuals, portadas ilustradas, diseño de personajes y dirección visual integral, llevando su particular lenguaje artístico a diferentes formatos y plataformas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_84eb601541.png" alt=""><figcaption>Karen Sofía Vega Moreno junto a uno de los personajes de su universo artístico (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure>La propuesta de Artsy Kars encuentra así uno de sus principales atractivos en la capacidad de construir personajes que funcionan como protagonistas de sus propios mundos: obras combinan color, identidad, moda y narrativa para crear una estética lúdica y expresiva, donde lo cotidiano puede transformarse en escenarios cargados de fantasía.Radicada en Ciudad de México, la artista continúa expandiendo su lenguaje a través de la animación, la ilustración, la dirección de arte y la creación de mundos, consolidando una visión artística donde el color y la imaginación funcionan como herramientas para contar historias.

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Artsy Kars, la artista mexicana que creó su propio universo de color

El stencil es una de las técnicas más reconocibles del arte urbano y una forma sencilla de llevar una imagen, palabra o diseño a una superficie.A diferencia de otras disciplinas, no requiere grandes conocimientos para dar los primeros pasos: con una plantilla, pintura y algunos materiales básicos es posible crear una intervención sobre una superficie permitida.<h2>¿Qué es un stencil y qué materiales se necesitan?</h2>El stencil consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una imagen o diseño sobre una superficie. Al aplicar pintura sobre las zonas recortadas, el material atraviesa esos espacios y genera la figura elegida.Para comenzar, se pueden utilizar materiales relativamente fáciles de conseguir:<ul><li>Una hoja de papel o cartulina para realizar el diseño.</li></ul><ul><li>Un material más resistente para crear la plantilla, como acetato, plástico fino o cartón.</li></ul><ul><li>Lápiz y regla.</li></ul><ul><li>Cutter o herramienta de corte.</li></ul><ul><li>Pintura en aerosol o pintura aplicada con rodillo o pincel.</li></ul><ul><li>Una superficie permitida sobre la que realizar el diseño.</li></ul><ul><li>Guantes y, si se utiliza aerosol, protección respiratoria adecuada y buena ventilación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0345934320.png" alt=""><figcaption>Plantilla de stencil (Ana Fernandes).</figcaption></figure><h2>Del diseño hasta la pintura: el paso a paso para hacer un stencil</h2><h3>Elegí el diseño</h3>El primer paso es definir qué imagen, palabra o ilustración querés convertir en stencil. Para empezar, lo recomendable es utilizar una figura sencilla, con pocos detalles y formas fácilmente reconocibles.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artistas pintando sobre un stencil en Chile (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h3>Prepará la plantilla</h3>Dibujá o imprimí el diseño sobre el material que vas a utilizar como plantilla. Si la imagen tiene diferentes zonas de color, podés preparar una plantilla independiente para cada capa.<h3>Identificá las zonas que vas a recortar</h3>Antes de utilizar el cutter, definí qué partes de la imagen deben quedar abiertas para permitir el paso de la pintura. Es importante mantener pequeños puentes de material para que las diferentes partes de la plantilla permanezcan conectadas.<h3>Recortá el stencil</h3>Con cuidado, recortá las zonas previamente marcadas. Este paso define gran parte del resultado final, por lo que conviene trabajar lentamente y mantener los bordes lo más limpios posible.<h3>Fijá la plantilla</h3>Colocá el stencil sobre una superficie limpia y permitida y asegurate de que quede bien sujeto. Cuanto menos se mueva durante la aplicación, más definidos quedarán los bordes del diseño.<h3>Aplicá la pintura</h3>Aplicá una capa fina y uniforme de pintura sobre las zonas abiertas de la plantilla. Si utilizás aerosol, evitá cargar demasiado una misma zona para reducir el riesgo de que la pintura se filtre por debajo del stencil.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce7aa6c5e9.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil finalizada en las calles (Hugo L. Casanova).</figcaption></figure><h3>Retirá la plantilla</h3>Una vez aplicada la pintura, retirala con cuidado antes de que se acumule demasiado material en los bordes. De esta manera podrás descubrir el resultado final del diseño.<h3>Experimentá con capas y colores</h3>Cuando ya tengas práctica, podés combinar diferentes plantillas, colores y capas para crear diseños más complejos. Esta técnica permite pasar de una imagen simple a composiciones mucho más elaboradas.El stencil demuestra que el arte urbano también puede construirse a partir de procesos simples: una buena idea, una plantilla bien diseñada y el control de la pintura pueden ser suficientes para transformar una imagen en una pieza visual.

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Cómo hacer un stencil: paso a paso para crear tu propia plantilla

Desde hace ya un puñado de años, la movida streetwear en Argentina ha dejado de ser considerada un nicho para convertirse en uno de los pilares de la industria textil, y marcas como Samples Studios, Bomba Project o Rotten Future lo demuestran a la perfección.<h2>Samples Studios</h2>Fundada en el año 2021, Samples Studios se consolidó como una de las marcas que forman parte de la escena del streetwear argentino, con una propuesta que combina creatividad, minimalismo y una identidad urbana.Su catálogo reúne prendas y accesorios pensados para distintos estilos, aunque mantiene una identidad visual marcada por una estética urbana y una paleta que combina tonalidades clásicas como blanco y negro con colores como azul, rojo y verde.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6777b225a7.png" alt=""><figcaption>Modelo de Samples Studios (Samples Studios).</figcaption></figure><ul><li>Hoodies</li></ul><ul><li>Jeans</li></ul><ul><li>Zip hoodies</li></ul><ul><li>Playeras</li></ul><ul><li>Polos</li></ul><ul><li>Sweaters</li></ul><ul><li>Chombas</li></ul><ul><li>Camisetas manga largas</li></ul><ul><li>Camisas</li></ul><ul><li>Bermudas</li></ul><ul><li>Joggings</li></ul><ul><li>Accesorios como gorras</li></ul>El crecimiento de Samples Studios temporada tras temporada la convirtió en uno de los nombres destacados del streetwear argentino, con una propuesta que encontró en la combinación entre diseño, minimalismo y cultura urbana una identidad propia.Con locales en Palermo Soho (Gorriti 4799) y Palermo Queens (Gurruchaga 934), la firma también llevó su propuesta a escenarios internacionales, con presencia en la Semana de la Moda de Nueva York, un hito que refuerza aún más su carácter de emblema a nivel local.<h2>Rotten Future</h2>Bajo una estética llevada a lo oscuro, con diseños donde predominan tonalidades como el negro y estampados cargados, Rotten Future llevó su nombre a lo más alto del streetwear en Argentina, estableciéndose como un pilar a nivel nacional.Las prendas de Rotten Future se caracterizan por una fuerte presencia visual y una estética urbana que combina siluetas amplias, lavados gastados y referencias al universo militar, deportivo y underground. Entre camperas, jerseys, remeras y pantalones aparecen diseños que juegan con diferentes texturas, tonos y recursos gráficos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9e72528ee.png" alt=""><figcaption>Modelo de Rotten Future (Rotten Future).</figcaption></figure>El catálogo de la marca argentina también apuesta por piezas que se alejan de lo tradicional, con prendas pensadas para convertirse en protagonistas del outfit. Camperas en tonos ceniza, negro y gris, jerseys, cinturones y diseños waffle conviven con propuestas más experimentales, manteniendo una identidad marcada por lo crudo, lo urbano y una estética de inspiración underground.Personalidades de las redes sociales y la música como Mernuel, Milo J, Unicornio y Seven Keyne han sido vistos con prendas de Rotten Future, que también logró dejar una huella en Scrapworld, una de las ferias más reconocidas de la moda urbana en Europa, siendo la primera marca argentina capaz de llegar a dicho escenario.<h2>Bomba Project</h2>Otra de las firmas que ha conseguido hacerse de un nombre dentro del streetwear argentino es Bomba Project, marca urbana genderless creada en el año 2021.Con una comunidad que alcanza los 200 mil seguidores en redes sociales y una impronta basada en la argentinidad, Bomba Project presenta un perchero de prendas que abarca sweaters, camperas, hoodies, remeras, polos, jeans y accesorios como gorras, medias, ropa interior y collares bajo una paleta de diseños tanto minimalistas, donde simplemente destaca el logo de la marca, como estampados o inscripciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1b187fdb92.png" alt=""><figcaption>Modelos de Bomba Project (Bomba Project).</figcaption></figure>Entre sus logros, la marca argentina logró colaborar con McDonald’s y, hasta incluso, llegar a estrellas del fútbol local como Alexis Mac Allister, actual jugador de Liverpool y campeón del mundo en el Mundial de Qatar con la Selección argentina.

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Tres marcas de streetwear argentino que marcan tendencia

José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/"></oembed></figure>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/"></oembed></figure>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/"></oembed></figure>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/"></oembed></figure>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.

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Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como doodle grid, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.<h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure>Conocida como doodle grid o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el doodle grid propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.

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La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.<h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/"></oembed></figure>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.<h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.<ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.

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El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

Con más de 270 mil seguidores en redes sociales, el artista chileno Emilio Álvarez se convirtió en uno de los referentes de la customización en Latinoamérica, llevando su arte desde prendas de vestir y zapatillas hasta autos, skates y objetos cotidianos.<h2>Emilio Álvarez y el arte de convertir cualquier objeto en una pieza única</h2>La customización se convirtió en una de las ramas más interesantes dentro de la moda y la cultura urbana. En Latinoamérica, distintos artistas encontraron en la personalización una manera de intervenir prendas, accesorios y objetos cotidianos para transformarlos en piezas únicas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_03ebd6b973.png" alt=""><figcaption>Emilio Álvarez customizando una chaqueta de jean (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure>Y en Chile, uno de los nombres que más se destaca dentro de esta escena es Emilio Álvarez. Con una comunidad de más de 270 mil seguidores, el artista construyó una identidad propia a partir de la customización y llevó su trabajo mucho más allá de las zapatillas, convirtiendo prácticamente cualquier superficie en un nuevo lienzo.Su universo atraviesa el streetwear y la indumentaria, con intervenciones sobre sneakers, camisetas, hoodies, gorras, bolsos, billeteras y botines de fútbol, pero también alcanza objetos mucho menos habituales como botellas de whisky, billetes, tablas de skate, automóviles, termos, joysticks de consolas y valijas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZqdE5YucVo/"></oembed></figure>Uno de los principales rasgos de su obra es la presencia del anime, una fuente de inspiración que aparece constantemente en sus diseños. Entre las franquicias y universos que llevó a sus piezas se encuentran:<ul><li>Hunter x Hunter</li></ul><ul><li>One Piece</li></ul><ul><li>Dragon Ball Z</li></ul><ul><li>Sailor Moon</li></ul><ul><li>Naruto</li></ul><ul><li>Los Caballeros del Zodiaco</li></ul><ul><li>One Punch Man</li></ul><ul><li>Pokemon</li></ul>Pero su trabajo no se queda únicamente en el anime. Álvarez también incorpora referencias a la cultura pop, el fútbol y personajes icónicos, con diseños inspirados en figuras como Tony Montana, Arturo Vidal, Neymar y Cristiano Ronaldo.A lo largo de su trayectoria, además, sus customizaciones lo llevaron a trabajar junto a distintas figuras reconocidas de la música y el deporte. Entre algunas de sus colaboraciones aparecen:<ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Yandel</li></ul><ul><li>Cristián Zavala</li></ul><ul><li>Eduardo Vargas</li></ul><ul><li>Anuel</li></ul><ul><li>Michael Vadulli</li></ul><ul><li>Igor Lichnovsky</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5a238b9420.png" alt=""><figcaption>El futbolista Cristián Zavala con sus botines customizados by Emilio Álvarez (Instagram/Emilio Álvarez).</figcaption></figure>Así, Emilio Álvarez convirtió la customización en mucho más que una técnica aplicada a la moda: la transformó en una forma de llevar sus referencias, personajes e identidad artística a prácticamente cualquier objeto que pueda convertirse en un lienzo.

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Emilio Álvarez, el artista chileno que no deja ningún objeto sin customizar

La tarjeta gráfica es uno de los componentes fundamentales de cualquier computadora, pero no todas funcionan de la misma manera: conocé las diferencias entre una GPU integrada y una dedicada.<h2>Tarjeta gráfica dedicada: más rendimiento, memoria propia y mayor consumo</h2>Una tarjeta gráfica dedicada, también conocida como GPU dedicada, es un componente independiente del procesador que está diseñado específicamente para procesar gráficos y ofrecer un mayor nivel de rendimiento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4b2774a235.png" alt=""><figcaption>La tarjeta gráfica dedicada GeForce RTX 2080 Ti de NVIDIA (NVIDIA).</figcaption></figure>A diferencia de una GPU integrada, cuenta con sus propios recursos de memoria de video (VRAM), lo que le permite trabajar de manera más eficiente con videojuegos, programas de edición, renderizado, modelado 3D y otras tareas que demandan una gran cantidad de procesamiento gráfico.Por eso, las tarjetas gráficas dedicadas suelen ser la opción elegida por gamers, creadores de contenido y profesionales que utilizan programas pesados. A cambio de ese mayor rendimiento, requieren más energía y suelen elevar el costo final de una computadora.<h2>Tarjeta gráfica integrada: menor consumo, precio accesible y tareas cotidianas</h2>Una tarjeta gráfica integrada es una GPU que se encuentra incorporada dentro del procesador o, en algunos casos, dentro del mismo sistema de procesamiento de la computadora.Al compartir recursos con el sistema, generalmente ofrece un rendimiento gráfico menor que una tarjeta dedicada, pero también tiene una ventaja importante: consume menos energía y permite construir equipos más económicos y compactos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8f3e56bb2e.png" alt=""><figcaption>AMD Ryzen 9 7950X, un ejemplo de tarjeta gráfica integrada (AMD).</figcaption></figure>Las GPU integradas son suficientes para tareas cotidianas como navegar por internet, estudiar, utilizar programas de oficina, reproducir contenido multimedia y ejecutar determinados videojuegos poco exigentes.Esto no significa que todas las gráficas integradas tengan el mismo rendimiento. Su capacidad depende del procesador y de la arquitectura utilizada, por lo que existen modelos capaces de afrontar tareas gráficas considerablemente más exigentes.<h2>Tarjeta gráfica dedicada o integrada: ¿cuál conviene elegir?</h2>Aunque ambas cumplen la misma función general —procesar y generar los gráficos que vemos en pantalla—, existen diferencias importantes entre una GPU integrada y una dedicada.La tarjeta gráfica integrada forma parte del procesador o del sistema y comparte recursos con el equipo. Por eso, generalmente tiene un menor rendimiento gráfico, aunque también consume menos energía, genera menos calor y permite construir computadoras más económicas y compactas.En cambio, la tarjeta gráfica dedicada es un componente independiente que cuenta con su propia memoria de video (VRAM). Esto le permite ofrecer un mayor rendimiento en videojuegos, edición de video, renderizado, diseño 3D y otras tareas que requieren una mayor capacidad gráfica.Otra diferencia importante aparece en el consumo energético. Las GPU integradas están pensadas para priorizar la eficiencia, mientras que las dedicadas requieren una mayor cantidad de energía para alcanzar niveles superiores de rendimiento.También existe una diferencia en el precio. Una computadora con gráficos integrados suele ser más económica, mientras que incorporar una GPU dedicada puede aumentar considerablemente el costo final del equipo.<ul><li>GPU integrada: menor consumo, menor precio y suficiente para navegar, estudiar, trabajar con programas de oficina y consumir contenido multimedia.</li></ul><ul><li>GPU dedicada: mayor potencia, VRAM propia y mejor rendimiento para videojuegos modernos, edición, renderizado y diseño 3D.</li></ul><ul><li>GPU integrada: ideal para quienes buscan un equipo económico, eficiente y destinado principalmente a tareas cotidianas.</li></ul><ul><li>GPU dedicada: recomendada para usuarios que necesitan potencia gráfica y buscan mejores niveles de resolución, calidad visual y rendimiento.</li></ul>

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Tarjeta gráfica dedicada o integrada: diferencias, ventajas y cuál elegir

En los últimos años, el streetwear argentino construyó una escena cada vez más amplia, con marcas que apostaron por diferentes formas de entender la moda urbana, y Anhelo Studios es una de las que logró hacerse un lugar dentro de este movimiento.<h2>Anhelo Studios, la marca que conquistó el streetwear argentino</h2>Dentro del crecimiento que atravesó el streetwear en Argentina, distintas marcas lograron construir una identidad propia y convertirse en protagonistas de la escena nacional.Nombres como TwoHip, King of the Kongo, Bullbenny, Beyond y Samples forman parte de un movimiento que llevó la moda urbana a nuevos espacios y públicos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b57f215b9c.png" alt=""><figcaption>Anhelo Studios, referente del streetwear en Argentina (Anhelo Studios).</figcaption></figure>Y dentro de ese universo aparece Anhelo Studios, una marca que consiguió hacerse un lugar dentro de la escena y que ya supera las 15 mil prendas vendidas. Bajo una propuesta que apuesta por combinar diferentes códigos de la moda urbana y por llegar tanto a quienes buscan piezas básicas como a quienes prefieren outfits más cargados y llamativos, el sello logró convertirse en uno de los abanderados de la movida a nivel nacional.<h2>El ADN de Anhelo Studios: una marca que mezcla distintos universos</h2>Una de las principales características de Anhelo Studios está en la variedad de estilos que conviven dentro de su catálogo, donde cuenta con prendas que van desde remeras, hoodies, zip hoodies y polos hasta bermudas, jerseys deportivos, shorts, pantalones cargo y diferentes modelos de joggers.La propuesta también se refleja en los recursos utilizados para construir cada pieza: estampados, camuflados, detalles desgastados, costuras rotas, tachas y diferentes tratamientos textiles aparecen junto a prendas más limpias y minimalistas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8747a66353.png" alt=""><figcaption>Slimesanti vistiendo una zip-hoodie de Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure>A esto se suma una amplia paleta de colores que recorre el negro, blanco y beige, pero también tonos como celeste, rosa, verde, amarillo, rojo, violeta y marrón.El resultado es una marca capaz de moverse entre diferentes universos de la moda urbana. Desde una estética trap y oscura hasta prendas deportivas, diseños más clásicos o piezas cargadas de estampados y detalles, Anhelo Studios construye un catálogo pensado para distintos perfiles dentro del streetwear.<h2>De Tiago PZK a Emilia Mernes: las figuras que eligieron Anhelo Studios</h2>El crecimiento de Anhelo Studios también puede verse en la presencia de sus prendas en los looks de diferentes figuras de la música y la escena urbana argentina. La marca consiguió llegar al guardarropa de artistas y personalidades que representan distintas generaciones y estilos.<ul><li>Luli González</li></ul><ul><li>Zell</li></ul><ul><li>Turrobaby</li></ul><ul><li>Carrera</li></ul><ul><li>Khea</li></ul><ul><li>Tiago PZK</li></ul><ul><li>Acru</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_259e865399.png" alt=""><figcaption>Khea vestido por Anhelo Studios (Anhelo Studios).</figcaption></figure>La presencia de estas figuras funciona como otro reflejo del alcance que consiguió la marca dentro de la escena nacional: una propuesta que, sin limitarse a una única estética, logró encontrar un espacio entre distintos exponentes de la música y la cultura urbana.

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El streetwear argentino tiene una nueva protagonista: Anhelo Studios

El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.<h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.<h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.<ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.<h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.<h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.

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¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

Después de conquistar generaciones dentro del mundo de los videojuegos, Street Fighter vuelve a ser noticia, aunque esta vez lejos de las consolas. La histórica franquicia de Capcom protagoniza una nueva colaboración junto a PUMA, que transformó a sus personajes más emblemáticos en una colección de sneakers.<h2>PUMA lleva el universo de Street Fighter a las icónicas Suede</h2>Cada vez es más común ver cómo la cultura pop, entiéndase por películas, series, videojuegos o libros, gana terreno dentro del mundo de los sneakers. Y uno de los últimos casos que vuelve a confirmar esta tendencia es la colaboración entre PUMA y Capcom, que lleva a algunos de los personajes más icónicos de Street Fighter al universo del calzado.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1c7f05bfb1.png" alt=""><figcaption>Chun-Li de Street Fighter hecha sneaker por PUMA (PUMA).</figcaption></figure>En el marco del 58° aniversario de las PUMA Suede, una de las siluetas más emblemáticas de la firma alemana y un verdadero ícono de la moda urbana, la marca presentó la colección &quot;Street Fighter x Puma Suede Pack&quot;.La colaboración está compuesta por tres modelos exclusivos inspirados en la histórica franquicia de videojuegos y, según trascendió, llegará a la tienda oficial de Puma y a puntos de venta seleccionados hacia finales de este año.<h2>Así luce la colección Street Fighter x PUMA Suede</h2>La cápsula está integrada por tres pares de zapatillas que toman como inspiración a algunos de los luchadores más emblemáticos de Street Fighter. Cada diseño adapta los colores, ataques y detalles característicos de su personaje para trasladarlos a la clásica silueta PUMA Suede.<ul><li>Chun-Li: combina cuero de primera calidad con tachas metálicas plateadas y detalles dorados, en referencia a los brazaletes y a la tradicional vestimenta de la luchadora china.</li></ul><ul><li>Ryu: apuesta por una base blanca con la clásica Formstrip de Puma en rojo y detalles que simulan salpicaduras de pintura negra. Además, incorpora una ilustración del Hadouken, el legendario ataque de energía del personaje.</li></ul><ul><li>Ken Masters: presenta un diseño inverso al de Ryu, con una base roja, la Formstrip en blanco y el mismo efecto de pintura negra. En este caso, el homenaje llega a través de una ilustración del Shoryuken, su icónico puñetazo ascendente.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7badbdd99.png" alt=""><figcaption>La suela de las zapatillas de PUMA inspiradas en el universo de Street Fighter (PUMA).</figcaption></figure>Como detalle adicional, cada uno de los pares incorpora una etiqueta con la inscripción &quot;World Warrior Tournament&quot; (Torneo Mundial de Guerreros), la competencia ficticia donde se desarrolla Street Fighter, además del nombre del personaje correspondiente impreso sobre la suela, reforzando el vínculo entre la colección y una de las franquicias más importantes de la historia de los videojuegos.

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Ryu, Ken y Chun-Li de Street Fighter llegan a los sneakers con PUMA

Si alguna vez viste a estrellas como Duki, Little Boogie o el Kun Agüero con una gorra particular, es posible que te hayas cruzado con algún modelo de 88 Caps, la marca argentina que se convirtió en una de las novedades del streetwear y los accesorios.<h2>La marca de gorras que pisa fuerte en el streetwear argentino: 88 Caps</h2>Cuando se habla de streetwear, muchas veces el concepto queda asociado exclusivamente a prendas como hoodies, camisetas, jeans o bermudas. Sin embargo, la cultura urbana también se extiende hacia otros terrenos, desde el mundo de los sneakers hasta los accesorios.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c779ed86f9.png" alt=""><figcaption>88 Caps, la marca de gorras sensación en el streetwear argentino (88 Caps).</figcaption></figure>Y en Argentina, 88 Caps se convirtió en una de las marcas que llevó a las gorras a ocupar un lugar cada vez más importante dentro de la escena. Si bien firmas internacionales como New Era mantienen una posición dominante dentro de la industria, el crecimiento de propuestas nacionales demuestra que existe espacio para nuevas identidades y diseños.<h2>El catálogo de 88 Caps</h2>Con el lema “Built for Greatness”, la marca cuenta con un catálogo que combina diferentes formatos, desde gorras curvas hasta modelos planos y cerrados, con una variedad de diseños que recorre distintos estilos y públicos. Entre sus propuestas aparecen modelos en colores clásicos como negro, blanco y rojo, junto con alternativas en marrón, rosa, estampados de leopardo y diseños camuflados.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a8b885ce88.png" alt=""><figcaption>Modelo &quot;Dirty style Red fitted&quot; de 88 Caps (88 Caps).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las gorras de 88 Caps?</h2>La variedad también se refleja en los precios, con opciones que parten desde los $38.000 y llegan hasta los $54.900 pesos argentinos. Las gorras pueden adquirirse a través de su página web, mientras que la marca también cuenta con un showroom ubicado en Palermo Soho, con atención los martes y jueves mediante coordinación previa.<h2>De Duki a Fanta Rosario: las figuras que llevan 88 Caps</h2>El crecimiento de 88 Caps no se explica únicamente por sus diseños. La marca también consiguió instalarse entre distintas figuras de la música, el entretenimiento y el deporte, que incorporaron sus gorras a sus looks.Desde artistas de la escena urbana argentina hasta personalidades internacionales, las gorras de la marca comenzaron a ganar presencia en distintos ámbitos.<ul><li>Duki</li></ul><ul><li>Emilia Mernes</li></ul><ul><li>Fanta Rosario</li></ul><ul><li>Facu HDR</li></ul><ul><li>Frozouda</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><ul><li>Little Boogie</li></ul><ul><li>MHTRESUNO</li></ul><ul><li>Kun Agüero</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4e94ab266b.png" alt=""><figcaption>Little Boogie vistiendo 88 Caps (88 Caps).</figcaption></figure>La presencia de estos nombres ayudó a que la marca trascendiera el universo específico de los accesorios y se instalara dentro de la conversación alrededor del streetwear argentino, donde las gorras dejaron de funcionar únicamente como complemento para convertirse en una pieza central de determinados looks.

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La marca de gorras que eligieron Duki, Little Boogie y el Kun Agüero

El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.<h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:<ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/"></oembed></figure>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.<h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.

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Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

Gatitos, corazones, cerezas, cruces y referencias al anime pueden convertirse en joyería cuando pasan por las manos de Repricot.Desde México, la artista construyó una propuesta que combina plata 925, colores y cultura pop con una estética cercana al universo del streetwear.<h2>La artista que lleva el Latin Kawaii a los accesorios: Repricot</h2>El streetwear no se limita a las prendas y los sneakers. Con el crecimiento de las propuestas vinculadas a los accesorios, la joyería también encontró un lugar dentro de la estética urbana. Y en Ciudad de México, Repricot construyó una propuesta que combina el universo del Latin Kawaii con piezas de joyería en plata 925.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_abc10b9985.png" alt=""><figcaption>Mujeres usando los accesorios de Repricot (Repricot).</figcaption></figure>Su trabajo se caracteriza por una estética colorida y cargada de referencias a la cultura pop, donde las formas tradicionales de la joyería conviven con diseños mucho más lúdicos. Más allá del brillo propio de la plata, sus piezas incorporan una paleta que pasa por tonos rosados, violetas, naranjas, verdes y ámbar, creando un universo visual reconocible, una variedad que también aparece en los formatos que desarrolla.<ul><li>Dijes y amuletos</li></ul><ul><li>Cadenas</li></ul><ul><li>Anillos</li></ul><ul><li>Pulseras</li></ul><ul><li>Hebillas y accesorios</li></ul><h2>De gatitos a corazones: el universo de joyería de Repricot</h2>Pero si algo distingue a Repricot es la manera en la que transforma objetos, personajes y símbolos cotidianos en piezas de joyería. Sus diseños recorren diferentes universos y pueden encontrarse referencias a:<ul><li>Gatitos y corazones</li></ul><ul><li>Cerezas y cruces</li></ul><ul><li>Pistolas y llantas</li></ul><ul><li>Personajes y referencias del anime como Yu-Gi-Oh!</li></ul><ul><li>Hello Kitty</li></ul><ul><li>Formas y motivos inspirados en la cultura pop</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7e4263aaac.png" alt=""><figcaption>Anillos creados por Repricot (Repricot).</figcaption></figure>Así, la propuesta de Repricot se mueve entre la joyería tradicional y una estética mucho más cercana al streetwear, donde un anillo, una cadena o un dije pueden convertirse en una extensión de la identidad de quien los lleva.El resultado es un catálogo que apuesta por la mezcla de colores, símbolos y referencias, con piezas pensadas para quienes buscan llevar el universo Latin Kawaii más allá de la ropa y convertir los accesorios en los protagonistas de su outfit.

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Joyería, streetwear y Latin Kawaii: la propuesta de Repricot

El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.<h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>“Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.<h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/"></oembed></figure>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “Jamaican heart”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.<h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.

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El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

El streetwear tiene códigos, tendencias y también un lenguaje propio que aparecen constantemente en lanzamientos, redes sociales y tiendas especializadas, y Street Art Latam te acerca una guía de términos para entender la escena de la moda urbana.<h2>Tendencias y siluetas</h2><ul><li>Oversize: prendas diseñadas con un calce deliberadamente amplio y holgado, con mayor volumen que una silueta tradicional.</li></ul><ul><li>Boxy: silueta de aspecto más cuadrado y estructurado, generalmente más ancha y corta que una prenda convencional.</li></ul><ul><li>Cropped: prendas cuyo largo se encuentra por encima del corte tradicional, dejando una parte mayor del cuerpo al descubierto.</li></ul><ul><li>Gorpcore: tendencia que incorpora prendas y elementos asociados originalmente a actividades outdoor y de montaña dentro de looks urbanos.</li></ul><ul><li>Techwear: estilo que combina estética urbana con prendas funcionales, materiales técnicos, múltiples bolsillos y recursos pensados para mejorar la utilidad de las piezas.</li></ul><ul><li>Normcore: estética basada en prendas simples, funcionales y deliberadamente convencionales, alejadas de la búsqueda de llamar la atención mediante diseños excesivos.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_466e78d4dd.png" alt=""><figcaption>Moda urbana (Cottonbro studio).</figcaption></figure><h2>Lanzamientos y colaboraciones</h2><ul><li>Drop: lanzamiento puntual de una colección o producto, generalmente realizado en una fecha determinada y con una estrategia que busca generar expectativa alrededor de la salida.</li></ul><ul><li>Collab: abreviatura de collaboration. Se utiliza para describir una colaboración entre dos o más marcas, artistas, diseñadores o figuras.</li></ul><ul><li>Capsule: colección pequeña y acotada de prendas o productos que comparten una temática, concepto o identidad visual determinada.</li></ul><ul><li>Limited Edition: edición limitada de un producto fabricada o comercializada en cantidades reducidas, lo que suele aumentar su exclusividad y atractivo para los consumidores.</li></ul><h2>El ABC de las sneakers</h2><ul><li>Size: hace referencia al talle o número de una zapatilla. En el mundo sneaker suele aparecer expresado según diferentes sistemas de talles, como US, UK o EU.</li></ul><ul><li>Silueta: es el modelo o diseño general de una zapatilla, independientemente de la combinación de colores o materiales. Por ejemplo, una Air Force 1 o una Air Jordan 1 son siluetas diferentes.</li></ul><ul><li>Colorway: describe la combinación de colores y materiales utilizada en una determinada versión de una silueta. Una misma zapatilla puede tener múltiples colorways.</li></ul><ul><li>Deadstock (DS): se utiliza para describir una zapatilla nueva, sin uso y generalmente conservada en su estado original.</li></ul><ul><li>VNDS: significa Very Near Deadstock y se utiliza para zapatillas que fueron utilizadas muy poco y se encuentran prácticamente en el mismo estado que unas nuevas.</li></ul><ul><li>GR: abreviatura de General Release. Son lanzamientos de zapatillas que tienen una disponibilidad relativamente amplia, en contraste con ediciones limitadas o lanzamientos exclusivos.</li></ul><ul><li>Resell: es la reventa de una zapatilla, generalmente después de su lanzamiento y a un precio diferente al original. El mercado resell es una parte fundamental de la cultura sneaker.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_160e5cc45b.png" alt=""><figcaption>Air Jordan 5, un tipo de silueta del mundo sneaker (Jordan).</figcaption></figure>

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Oversize, boxy, drop y colorway: los términos del streetwear que tenés que conocer

Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.<h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.<h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.<h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.

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Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

El streetwear y el streaming vuelven a cruzarse en TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula creada por King of the Kongo junto al streamer argentino que toma al potrero argentino como inspiración.<h2>TWM by Goncho Banzas, la cápsula de Goncho x King of the Kongo</h2>Dos referentes de la escena argentina unen sus universos en “TWM by Goncho Banzas”, la cápsula que reúne a King of the Kongo, uno de los nombres con mayor trayectoria del streetwear nacional, y al streamer argentino.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Dbb7VBzBhvI/?hl=es"></oembed></figure>La colección toma como punto de partida la identidad de TWM Football Club, una institución ficticia inspirada en la estética de los clásicos clubes ingleses y atravesada por la esencia del potrero argentino. La propuesta recupera la idea de un equipo que “nunca jugó en grandes estadios”, sino que construyó su historia en potreros olvidados, con pasión, herencia barrial y una “elegancia rota”.Disponible a través del sitio web de King of the Kongo y sus locales, la cápsula está compuesta por nueve piezas que combinan prendas deportivas, básicos de streetwear y accesorios, con una paleta dominada por el marrón, negro y blanco.<ul><li>Buzo Crew: hoodie oversize confeccionado en rústico pesado.</li></ul><ul><li>Remera TWM Black: remera oversize de jersey de algodón negro.</li></ul><ul><li>Camiseta Dark League: camiseta confeccionada en tejido deportivo.</li></ul><ul><li>Suéter Worst: pieza marrón oversize confeccionada en tejido de punto liso.</li></ul><ul><li>Jean End: jean de calce relajado en denim washed black, con procesos de soft color fade y stone wash.</li></ul><ul><li>Campera Crest: campera oversize con capucha, confeccionada en gabardina pesada con efecto degradé.</li></ul><ul><li>Polo Insignia: polo de rústico con un diseño de rayas sutiles.</li></ul><ul><li>Remera TWM OFW: remera oversize confeccionada en jersey de algodón.</li></ul><ul><li>TWM Bag: bolso confeccionado en cuero de microfibra de alta durabilidad.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1caabe758c.png" alt=""><figcaption>TWM by Goncho Banzas, la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure>Uno de los elementos que atraviesa toda la colección es el logo TWM, sigla de The Worst Moment, un concepto ligado a la identidad de Goncho Banzas desde sus comienzos en el streaming, cuando utilizaba el nombre Goncho TWM. A esto se suman las inscripciones y elementos gráficos propios de King of the Kongo, que terminan de unir ambos universos.Los precios de las piezas van desde $89.990 hasta $219.990 pesos argentinos, dependiendo del producto elegido.<h2>¿Quién es Goncho Banzas, el protagonista de la cápsula de King of the Kongo?</h2>Más allá de ser el protagonista de la nueva cápsula de King of the Kongo, Gonzalo Banzas, conocido en redes sociales bajo el seudónimo de Goncho, es uno de los pilares del streaming argentino desde hace más de una década.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cf9a8121a.png" alt=""><figcaption>Goncho Banzas, la cara detrás de la nueva cápsula de King of the Kongo (King of the Kongo).</figcaption></figure>Exjugador profesional de Counter-Strike, Goncho construyó una comunidad en plataformas como YouTube, Kick y Twitch a través de contenidos que van desde charlas, anécdotas y viajes hasta gameplays de videojuegos como Counter-Strike, Valorant y Fortnite.Su recorrido dentro del streaming terminó convirtiendo a TWM en una parte fundamental de su identidad digital y, ahora, también en el concepto central de su primera cápsula junto a King of the Kongo.

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Goncho x King of the Kongo: la cápsula que fusiona streetwear y streaming

Dentro del streetwear latinoamericano hay nombres que encontraron su lugar lejos de las pasarelas tradicionales, y uno de ellos es Kiko Báez, el creativo mexicano que transformó sus chaquetas personalizadas en piezas elegidas por algunas de las mayores estrellas de la música y el deporte.<h2>Kiko Báez, el diseñador mexicano que llevó sus chaquetas a los mayores escenarios de la música latina</h2>Dentro del mundo de la moda conviven creativos de todos los estilos: desde quienes impulsan la moda sustentable hasta aquellos que encuentran en la alta costura, el cuero o la sastrería su principal sello de identidad. Y es en México donde aparece uno de los nombres que logró construir una huella propia dentro del streetwear latinoamericano: Kiko Báez.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c344da2762.png" alt=""><figcaption>Kiko Báez en el Street Fever (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure>Oriundo de Tijuana, Baja California, y director creativo de la firma familiar Exclusivos Báez, el diseñador mexicano se convirtió en uno de los grandes referentes de la moda urbana gracias a sus piezas completamente personalizadas.A través de un trabajo centrado principalmente en la creación de chaquetas confeccionadas a medida, el mexicano vistió figuras de la música regional mexicana como Christian Nodal, Natanael Cano, Eduin Caz o Banda MS, así como también a grandes exponentes de la música urbana latina como Maluma, Daddy Yankee, Wisin y Yandel, J Balvin, Karol G, Feid e incluso el rapero estadounidense Offset.<h2>El sello creativo que distingue a Kiko Báez: chaquetas personalizadas</h2>Con un sello basado en prendas uno de uno, diseñadas exclusivamente para cada cliente, Kiko Báez logró construir una identidad donde cada pieza busca representar la historia, la personalidad o un momento especial del artista.Sus chaquetas suelen aparecer en conciertos, giras internacionales, videoclips, homenajes, aniversarios, entregas de premios y presentaciones de gran magnitud, convirtiéndose en parte del espectáculo tanto como la música.<ul><li>Canelo Álvarez</li></ul><ul><li>Maluma</li></ul><ul><li>Grupo Frontera</li></ul><ul><li>Cris MJ</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Omar Courtz</li></ul><ul><li>Wisin y Yandel</li></ul><ul><li>J Balvin</li></ul><ul><li>Karol G</li></ul><ul><li>Feid</li></ul><ul><li>Christian Nodal</li></ul><ul><li>Natanael Cano</li></ul><ul><li>Eduin Caz</li></ul><ul><li>Banda MS</li></ul><ul><li>Offset</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7a5be7e6e.png" alt=""><figcaption>Omar Courtz vistiendo una chaqueta personalizada por Kiko Báez durante uno de sus shows (Instagram/Kiko Báez).</figcaption></figure><h2>El diseño para Canelo Álvarez que cambió su carrera</h2>Uno de los momentos que marcó un antes y un después en su carrera llegó gracias al boxeador Saúl &quot;Canelo&quot; Álvarez. A través de un amigo en común, el diseñador consiguió entregarle una chaqueta confeccionada especialmente para celebrar la conquista del campeonato indiscutido del mexicano.Aunque el boxeador ya tenía preparado el vestuario para la conferencia de prensa posterior al combate, que era un trabajo de la firma Dolce &amp; Gabbana, decidió cambiarse a último momento para lucir el diseño de Kiko Báez frente a los medios, una escena que impulsó definitivamente la carrera del creativo.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@shifumasterclips/video/7566507427361754424?lang=es&amp;q=canelo%20alvarezz%20indesputed%20jacket&amp;t=1785352047884"></oembed></figure>Desde entonces, sus piezas comenzaron a multiplicarse en algunos de los escenarios más importantes de la música latina. Entre ellas destacan la chaqueta utilizada por J Balvin durante la participación de Bad Bunny en México en el marco de “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour” y el diseño confeccionado para Natanael Cano durante su presentación en Coachella, uno de los festivales musicales más importantes del mundo.Más allá de las celebridades que visten sus diseños, Kiko Báez representa el crecimiento del diseño mexicano dentro de la moda urbana contemporánea. Con piezas completamente personalizadas y un trabajo artesanal que prioriza la exclusividad, el creativo de Tijuana logró que sus chaquetas dejaran de ser una simple prenda para convertirse en una extensión de la identidad de algunos de los artistas más importantes del panorama latinoamericano.

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El diseñador mexicano que conquistó los escenarios de J Balvin, Feid y Maluma

Dentro de la cultura sneaker, la customización encontró en Latinoamérica a distintos artistas que transformaron las zapatillas en verdaderos lienzos. Y en México, Diana Ponzo se convirtió en una de las grandes abanderadas de este movimiento gracias a diseños inspirados en universos como la cultura pop, el anime y el deporte.<h2>Diana Ponzo, la abanderada de la customización de sneakers en México</h2>El movimiento sneaker cuenta con un sinfín de aristas que conviven entre sí y forman la esencia de una cultura que no deja de expandirse. Desde las colaboraciones entre dos o más marcas en un mismo par hasta los grandes lanzamientos de compañías como Nike y adidas, pasando por las cápsulas creadas junto a artistas y celebridades, las zapatillas construyeron un universo propio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d7358d75dc.png" alt=""><figcaption>Spikes customizados por la mexicana Diana Ponzo (Instagram/Diana Ponzo).</figcaption></figure>Dentro de ese mundo también existe una vertiente que mezcla la pasión por los sneakers con el arte urbano: la customización. Latinoamérica cuenta con distintos referentes que encontraron en la intervención de zapatillas una forma de expresión y, en México, la figura de Diana Ponzo se consolidó como una de las grandes representantes del movimiento.Con una técnica basada en el trabajo pintado a mano y una comunidad de casi medio millón de seguidores en redes sociales, la mexicana convirtió cada par en un lienzo para explorar distintos universos de la cultura pop. Sus diseños recorren desde películas y series hasta el anime, los videojuegos, la música y el deporte.<ul><li>Películas y series: Harry Potter, Shrek, Toy Story y otros grandes títulos de la cultura popular.</li></ul><ul><li>Anime: personajes como Gokú y Vegeta de Dragon Ball y Luffy de One Piece.</li></ul><ul><li>Música: artistas como Taylor Swift.</li></ul><ul><li>Deportes: figuras como Lionel Messi y Shohei Ohtani, además de referencias a escuderías de Fórmula 1.</li></ul><ul><li>Películas animadas: El Rey León, El extraño mundo de Jack y Coraline.</li></ul><ul><li>Animales y otras referencias de la cultura pop.</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/C-F1SuDuEQh/?hl=es"></oembed></figure>Sin embargo, el trabajo de Diana Ponzo no se limita al resultado final. A través de sus redes sociales, la artista también muestra el proceso de construcción de cada diseño, desde la elección de los colores y los materiales hasta el uso de distintos pinceles y las técnicas que utiliza para transformar cada zapatilla.De esta manera, sus seguidores pueden conocer el paso a paso detrás de cada customización y descubrir cómo un par convencional puede convertirse en una pieza única, atravesada por las referencias, los personajes y los universos que forman parte de la cultura popular.La variedad de universos que atraviesan sus diseños, sumada a una técnica que combina precisión, creatividad y trabajo artesanal, convirtió a Diana Ponzo en una de las grandes abanderadas de la customización de sneakers en México. A través de cada par, la artista demuestra que una zapatilla puede ser mucho más que un objeto de moda: también puede convertirse en un lienzo para contar historias.

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Diana Ponzo, la artista que convirtió los sneakers en un lienzo

Durante casi una década, Biscarrita encontró en el rap y el freestyle argentino una fuente inagotable de inspiración. Desde sus primeras animaciones sobre El Quinto Escalón hasta sus trabajos actuales con Red Bull Batalla y Liga Bazooka, el ilustrador construyó un universo propio que se convirtió en parte de la cultura urbana.<h2>Biscarrita, el ilustrador que convirtió las batallas de freestyle argentino en un universo propio</h2>Si sos un auténtico fanático del freestyle argentino, seguramente el nombre de Biscarrita no te resulte desconocido. Para quienes no estén tan familiarizados con la escena, se trata de Gustavo Biscarra, el ilustrador gráfico que logró convertirse en una de las grandes referencias visuales del movimiento rapero y freestylero en Argentina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b2a4f08487.png" alt=""><figcaption>Diseño de la Liga Bazooka hecho por Biscarrita (Instagram/Biscarrita).</figcaption></figure>A lo largo de los últimos años, Biscarrita acompañó algunas de las competencias más importantes de la cultura urbana, desde El Quinto Escalón hasta Red Bull Batalla y Liga Bazooka. Sin embargo, su trabajo no se limitó a ilustrar lo que ocurría sobre el escenario: también aportó una mirada propia, cargada de humor, comedia y un estilo bizarro que transformó momentos memorables de las batallas en piezas gráficas capaces de trascender la transmisión tradicional.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/BdYRWE-FpiE/?img_index=1"></oembed></figure>De esta manera, mientras las competencias podían disfrutarse a través de cámaras profesionales y transmisiones oficiales, las ilustraciones de Biscarrita sumaron una nueva forma de recordar las rimas, los gestos y las escenas más icónicas del freestyle argentino. Desde sus primeros trabajos vinculados a El Quinto Escalón hasta su actualidad, formando parte de proyectos como Red Bull Batalla y Liga Bazooka, el artista continúa manteniendo su talento anclado a la cultura rapera y freestylera, convirtiéndose en una pieza clave de su imaginario visual.<h2>El Quinto Escalón como puntapié inicial del universo artístico de Biscarrita</h2>Antes de convertirse en uno de los grandes ilustradores gráficos de la escena rapera y freestylera argentina, Biscarrita encontró en El Quinto Escalón el puntapié inicial para construir su universo artístico. La legendaria competencia de freestyle creada por YSY A y Muphasa se convirtió en uno de los grandes fenómenos de la cultura urbana nacional y también en el escenario donde Gustavo Biscarra comenzó a darle forma a su particular manera de interpretar las batallas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/BPloQdvhHTi/"></oembed></figure>A través de animaciones cargadas de humor, dobles sentidos y una estética cercana al universo de los memes, el ilustrador convirtió las rimas y los momentos más icónicos de la competencia, protagonizados por figuras como Duki, Wos, Dam, Replik, Trueno, Klan, Sony y Paulo Londra, en pequeñas piezas audiovisuales animadas.Las animaciones acumularon millones de visualizaciones y likes y, con el tiempo, se transformaron en una parte más del fenómeno. Los fanáticos del freestyle no solo esperaban cada fecha de El Quinto Escalón para descubrir las mejores rimas y los momentos más destacados de las plazas, sino también para conocer qué nueva animación tenía Biscarrita preparada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b92030a979.png" alt=""><figcaption>El diseño hecho por Biscarrita tras el lanzamiento de la &quot;BZRP Music Sessions&quot; de Duki (Instagram/Biscarrita).</figcaption></figure>El Quinto Escalón fue el punto de partida de un recorrido que luego lo llevó a trabajar junto a grandes figuras y proyectos de la música urbana, además de formar parte de competencias como Red Bull Batalla y Liga Bazooka. Años después, aquella mirada cargada de humor y creatividad que nació en las plazas continúa siendo una parte fundamental de su identidad artística.<h2>De las batallas a un universo propio: el presente de Biscarrita</h2>Con el paso de los años, el universo artístico de Biscarrita continuó expandiéndose más allá del freestyle. El ilustrador desarrolló sus propios personajes e historias, construyendo una identidad visual que ya no depende únicamente de las batallas y que le permitió explorar nuevas narrativas y formas de expresión.Sin embargo, sus raíces continúan ligadas a la cultura rapera y freestylera. Así como en los comienzos tomaba los momentos más destacados de El Quinto Escalón para transformarlos en animaciones, actualmente lleva su particular mirada a competencias como Red Bull Batalla y Liga Bazooka, donde vuelve a convertir las rimas, los gestos y las escenas más memorables en piezas que amplían la forma de vivir cada batalla.Desde las plazas donde comenzó a dibujar las rimas de una generación hasta los grandes escenarios de la cultura urbana, Biscarrita logró construir un recorrido propio sin despegarse del movimiento que le dio sus primeras oportunidades.

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El ilustrador que llevó el rap y el freestyle argentino a la animación

Kicks and Friends se convirtió en uno de los grandes referentes de la cultura sneaker y la moda urbana en Argentina. A casi una década de sus inicios, Luciano Corcico repasó junto a Street Art Latam el nacimiento del proyecto, su explosión, los desafíos y el futuro.<h2>Los inicios de Kicks and Friends: de un unboxing entre amigos a una comunidad sneaker</h2>Antes de consolidarse como uno de los grandes referentes de la cultura sneaker en Argentina y como una voz autorizada dentro de la moda urbana a nivel latinoamericano, Kicks and Friends tuvo, como todo proyecto, un punto de partida. En el caso del proyecto encabezado por Juan Posite y Luciano Corcico, todo comenzó con un video de unboxing y review de las Jordan Retro 3 Katrina.“No hubo una previa a ese video. En ese momento andábamos muy atrás de lo que podía llegar, No había información e íbamos muy seguido a los shoppings. Yo veo en un grupo de Facebook que habían salido las Katrina y le aviso a Juan, que estaba en Capital. Cuando lo vi el fin de semana, que nos juntábamos con otros dos amigos, estábamos en lo de Juan y surgió: ‘Che, ¿por qué no hacemos un video, un unboxing de esto?’”, cuenta Lucho.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_406afef661.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite en los inicios de Kicks and Friends (Instagram/Kicks and Friends).</figcaption></figure>Después de publicar el video y observar la repercusión que había generado, con páginas que lo compartían y personas vinculadas a distintas marcas que comenzaban a acercarse, Luciano y Juan empezaron a pensar nuevas secciones y contenidos para darle una estructura al canal. Así, lo que había comenzado casi de manera espontánea empezó a tomar forma y sentó las bases de lo que luego se convertiría en Kicks and Friends.<h2>El video que cambió el rumbo de Kicks and Friends</h2>Más allá del unboxing de las Jordan Retro 3 Katrina, el contenido que realmente marcó un antes y un después en el camino de Kicks and Friends en YouTube fue el video de su visita al Outlet de Quilmes, al que llegaron invitados por Nike para conocer una especie de clearance de la marca.“El Outlet de Quilmes. Hicimos un video yendo al Outlet de Quilmes invitados por Nike, que abría una especie de clearance. Vamos a última hora por el laburo de cada uno y cuando llegamos ya no dejaban pasar más gente. Compramos una locura de cosas a muy buenos precios y, en vez de hacer un video del lugar, hicimos un unboxing de todas las cosas que compramos”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=rpg5CrXh4Fg"></oembed></figure>El contenido se convirtió en uno de los grandes momentos de la historia del canal. No solo generó una importante repercusión en YouTube e Instagram, sino que también llevó a una gran cantidad de personas a descubrir el proyecto y a interesarse por otros videos de “cazando outlets” que ya formaban parte del canal.A ese crecimiento también contribuyeron las colaboraciones con figuras nacionales como Ramita Gram, de Bajoneando por Hay, y PedritoVM, dos encuentros que, en palabras de Luciano, fueron “dos empujones que nos ayudaron muchísimo a posicionarnos relativamente rápido”. En apenas cinco meses, el proyecto había conseguido construir un importante flujo de audiencia en YouTube, lo que abrió las puertas a las primeras conversaciones con marcas y marcó el comienzo de una nueva etapa para Kicks and Friends.<h2>La visión detrás del éxito de Kicks and Friends</h2>Todo proyecto necesita una dosis de fortuna, aparecer en el momento justo o encontrar un nicho que, con el tiempo, pueda convertirse en algo mucho más grande, y sin lugar a dudas, Kicks and Friends tomó un poco de cada una de esas variables. La cultura sneaker todavía no tenía una presencia consolidada en las plataformas digitales argentinas cuando Juan y Luciano decidieron comenzar a mostrar su pasión por las zapatillas frente a una cámara.“Lo que hizo que nos fuera bien es que no había gente que pusiera la cara: había blogs, páginas de noticias y demás, pero nadie haciendo videos. Fue muy loco empezar a verlo después de nosotros. Al día de hoy, marcas y gente que hace contenido nos dicen que abrimos una puerta, que antes era impensado que una marca le pagara a alguien para que hiciera una reseña de su producto”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7cb7a47bae.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico de Kicks and Friends en una entrevista en Vorterix (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Luciano también reconoce que a la audiencia que comenzó a seguirlos le terminó gustando la naturalidad y el carácter orgánico de sus contenidos. A eso se sumó un contexto cultural especialmente favorable: la explosión del trap en Argentina, el crecimiento de la moda urbana y una escena sneaker que empezaba a ganar cada vez más espacio.“El timing fue buenísimo, aparecimos en el momento perfecto para hablar de zapas y también supimos, con distintas secciones y demás, capitalizar a la gente que nos empezaba a conocer para marcar el terreno y no ser simplemente personas que sacan prendas de una caja”, menciona también Luciano, una de las caras del proyecto.<h2>Marcas, hate y pandemia: los desafíos que Kicks and Friends tuvo que atravesar</h2>Todo proyecto tiene una base de desafíos que debe superar, no solo en el momento previo a comenzar su recorrido, sino también a lo largo de su crecimiento e incluso cuando alcanza su punto más alto. Kicks and Friends lo sabe más que nadie.Entre los distintos obstáculos que debieron afrontar, Luciano recuerda que uno de los primeros fue conseguir trabajar con las marcas. El proyecto había llegado a un punto en el que Juan y él compraban tantas zapatillas que ya no podían mantener el ritmo por sus propios medios. Sin embargo, una vez que lograron establecer vínculos con las marcas y construir un flujo propio de audiencia, apareció un nuevo desafío: mantener todo lo que habían conseguido.La exposición también trajo consigo una parte inevitable del mundo digital: el hate. El propio Luciano lo resume como la necesidad de “bancarse la llegada de gente tirando mierda y acostumbrarse a eso”. A eso se sumaron decisiones personales y profesionales de enorme importancia, como dejar sus trabajos para dedicarse de lleno al proyecto, además de atravesar una pandemia que modificó por completo la vida de millones de personas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2903e182ee.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y Juanposite, las caras de Kicks and Friends (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Pero los desafíos no desaparecieron con la consolidación del proyecto. Después de atravesar distintas turbulencias y convertirse en una referencia de la cultura sneaker argentina, Kicks and Friends todavía tiene nuevos objetivos por delante: “El desafío del día de hoy está en volver a reforzar esa comunidad que supimos tener y que seguimos teniendo. Seguir siendo alguien para las marcas y para la gente que te ve. No te digo volver a explotar, pero mantenernos es el desafío de hoy en día”.<h2>Kicks and Friends y el cambio de una escena que todavía era de nicho</h2>El momento de creación de Kicks and Friends coincidió con una etapa en la que la cultura sneakerhead todavía era un universo de nicho en Argentina, con una comunidad más cerrada y alejada del público general. En ese contexto, Juan y Luciano decidieron hablar de zapatillas desde un lugar diferente y buscar que el contenido pudiera llegar incluso a personas que no tenían conocimientos previos sobre el mundo sneaker.“Cuando empezamos, creo que rompimos con algo bastante importante: no hablarle al sneakerhead. Cuando arrancamos el canal, la idea era hacer videos que, si mi papá está viendo YouTube a la madrugada, los vea y le interesen”.Luciano considera que el proyecto logró cambiar el juego dentro de la escena gracias a una combinación de factores. El timing volvió a ser determinante: Kicks and Friends apareció a la par del crecimiento del trap y en un momento de expansión global de la cultura de las zapatillas. Sin embargo, también hubo una lectura consciente del contexto argentino. El dúo entendió el país desde el que comunicaba, le dedicó tiempo a los productos que podían encontrarse en el mercado local y habló de aquello a lo que la gente realmente podía acceder.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8c29647361.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico y su amor por los sneakers (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure>Ese enfoque terminó generando un antes y un después. Con el paso del tiempo, distintas personas vinculadas al ambiente sneaker comenzaron a reconocer la importancia que tuvo Kicks and Friends en la expansión de la cultura en Argentina y en la apertura de una escena que, hasta entonces, se mantenía mucho más cerrada.<h2>El futuro de Kicks and Friends: casi una década de historia y nuevos desafíos</h2>Con casi una década de historia en el plano digital, Kicks and Friends continúa funcionando como un punto de encuentro para los fanáticos de las zapatillas y para todas aquellas personas que todavía buscan abrir la puerta a la cultura sneaker. Sin embargo, como ocurre con cualquier proyecto, también existe la posibilidad de que en algún momento llegue a su fin —aunque ojalá todavía falte mucho para ese día—.Luciano mira ese futuro con la tranquilidad de quien ya siente que cumplió una parte importante de sus objetivos. Después de ocho años viviendo de una actividad que disfruta y que le permitió convertir su pasión en un trabajo, considera que el balance, independientemente de lo que pueda ocurrir más adelante, es positivo.“Si mañana me toca dejar de hacer esto o dejarlo como trabajo, obviamente lo lamentaría, pero al mismo tiempo no me puedo quejar. Son ocho años de vivir haciendo algo que disfruto, que me gusta. Si bien hay días de grabar, de ir a eventos y de pasar videos al editor, no me puedo quejar”, expresa en retrospectiva del camino de Kicks and Friends.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_14381f965e.png" alt=""><figcaption>Luciano Corcico con las Suede XL de PUMA (Instagram/Luciano Corcico).</figcaption></figure><h2>El ping pong de Luciano Corcico: zapatillas, moda y referentes</h2>Más allá de su perfil delante de las cámaras como protagonista de Kicks and Friends, Lucho también cuenta con un lado más personal dentro de la cultura sneaker y la moda urbana: desde su marca y silueta favorita hasta el par más importante de su colección y las figuras que considera referentes de estilo.<ul><li>¿Marca favorita de sneakers? Jordan.</li></ul><ul><li>¿Silueta favorita? Jordan 11.</li></ul><ul><li>¿El mejor par de tu colección? Jordan 11 Concord.</li></ul><ul><li>¿Zapatilla favorita? LeBron 5 White Crimson Gold.</li></ul><ul><li>¿Un par que todavía te falta conseguir? Yeezy 350 V2 Zebra.</li></ul><ul><li>¿Marca infravalorada de ropa de Argentina? Cross y Offcourt.</li></ul><ul><li>¿Un artista que siempre viste bien? Duki y Lucho SSJ, y de afuera Oliver Sykes.</li></ul><ul><li>¿Un futbolista que se vista bien? Rodrigo De Paul y Jules Koundé.</li></ul>

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“Nosotros abrimos una puerta para que la gente quiera saber un poco más de zapas"

El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.<h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

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Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

Después de reinventar modelos como Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, Bad Bunny presentó junto a adidas una nueva versión de las icónicas F50, ahora adaptadas al universo lifestyle e inspiradas en la araña lobo, uno de los arácnidos más representativos de Puerto Rico.<h2>Bad Bunny lleva las históricas F50 del fútbol al universo lifestyle</h2>El vínculo entre adidas y Bad Bunny continúa escribiendo nuevos capítulos. Luego de reinterpretar algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca alemana, como las Forum, Campus, Gazelle y Ballerina, además de presentar las Bad Bo 1.0, su primera zapatilla original con la firma, el artista puertorriqueño volvió a mirar hacia el archivo de las tres tiras para darle una nueva vida a uno de los modelos más representativos del fútbol: las F50.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d4347b03b6.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure>Bajo el nombre de Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint, la colaboración toma una de las franquicias más icónicas de la historia de la marca —utilizada durante años por figuras como Lionel Messi en sus primeras etapas como futbolista profesional— y la traslada a un formato pensado para el uso cotidiano. El resultado es una silueta que abandona la cancha para instalarse en las calles, combinando la esencia del fútbol con el lenguaje del streetwear y la identidad creativa del músico boricua.<h2>Puerto Rico como parte del diseño</h2>Como ya es habitual en las colaboraciones de Benito con adidas, el diseño también funciona como un homenaje a Puerto Rico, su tierra natal. En esta oportunidad, el par encuentra inspiración en la araña lobo puertorriqueña, un arácnido conocido por su velocidad, agilidad y capacidad para desplazarse con precisión, características que históricamente también definieron a la línea F50 dentro del universo futbolístico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56503e0800.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure>Esa referencia se traduce en una construcción que apuesta por una estética técnica, con una estructura de malla respirable envuelta por una &quot;jaula&quot; que recuerda las formas del arácnido, mientras que la paleta de colores recupera el histórico colorway Ocean presentado por adidas en 2004. El diseño mantiene la esencia deportiva del modelo original, aunque reinterpretada desde una mirada completamente urbana.<h2>Los detalles que vuelven únicas las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint</h2>Los detalles exclusivos también ocupan un papel central. Además del branding característico de Bad Bunny, uno de los laterales incorpora la inscripción &quot;adidas para Bad Bunny&quot;, acompañada por el sello &quot;+F50 BB&quot;, una firma que deja en claro que no se trata simplemente de una reedición del modelo clásico, sino de una versión completamente atravesada por el universo creativo del artista.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a2a40f3787.png" alt=""><figcaption>Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint (adidas).</figcaption></figure><h2>¿Cuánto cuestan las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint?</h2>Con un precio de 160 dólares estadounidenses, las Bad Bunny x adidas F50 Ghost Sprint estarán disponibles a través de la tienda oficial de adidas y de retailers seleccionados. Un lanzamiento que no solo suma un nuevo capítulo a la exitosa relación entre la marca alemana y el cantante puertorriqueño, sino que también vuelve a demostrar cómo el archivo del fútbol continúa encontrando un nuevo espacio dentro de la moda y el streetwear contemporáneo.

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Bad Bunny suma un nuevo capítulo junto a adidas con las F50 Ghost Sprint

Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.<h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.<h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1961">La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</a><h2>La huella internacional de Ledania</h2>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.

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Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

El estreno de “Minions y Monstruos” no solo marcó el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande. De la mano de Converse, también desembarcaron en el universo sneaker con una colección repleta de referencias a la popular franquicia.<h2>Las clásicas siluetas de Converse se tiñen de amarillo con los Minions</h2>Las colaboraciones entre marcas de streetwear y franquicias del cine continúan ampliando sus fronteras. Con el estreno de “Minions y Monstruos”, película que marca el regreso de los icónicos personajes amarillos a la pantalla grande, Converse decidió que la vuelta de los inseparables compañeros de Gru no se limitara únicamente al cine. Y es que, en paralelo al lanzamiento del film, la histórica firma estadounidense presentó una colección que traslada el universo de los Minions al mundo de los sneakers y la indumentaria.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95ee6f632c.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure>Pensada tanto para los fanáticos de la saga como para los amantes de la cultura pop y el streetwear, la colección toma algunas de las siluetas más emblemáticas de la marca, como las Chuck Taylor All Star y las Chuck 70, para reinterpretarlas con una estética inspirada en los protagonistas de la película. A ellas se suman modelos Easy-On para niños y una línea de indumentaria compuesta por remeras, hoodies y otras prendas que mantienen el mismo lenguaje visual.Lejos de limitarse a un simple cambio de colores, Converse apostó por trasladar la identidad de los Minions a cada rincón de la colección. Los pares incorporan paneles confeccionados en denim, bordados, bolsillos funcionales, detalles gráficos y una paleta dominada por el amarillo, el blanco, el negro y distintos tonos de jean.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dcf5e1bfa3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure>A esto se suman ilustraciones de los personajes en diferentes situaciones, desde Minions cargando objetos hasta otros interactuando con sus propios cordones del calzado, lo que aporta un fuerte componente lúdico.Los guiños también aparecen en pequeños detalles. Las plantillas y las suelas incorporan referencias al universo de la franquicia, mientras que algunos modelos transforman la clásica identidad visual de Converse al reemplazar la letra &quot;O&quot; del logotipo por el característico ojo de un Minion. En el caso de las versiones Easy-On, la correa ajustable también fue diseñada para recordar las antiparras que distinguen a los personajes, fusionando funcionalidad y diseño en una misma pieza.La propuesta se completa con una amplia variedad de colorways y estampados, desde versiones repletas de ilustraciones de los Minions hasta otras mucho más sutiles, donde los guiños aparecen únicamente en pequeños detalles distribuidos por toda la zapatilla. De esta manera, la colección ofrece alternativas tanto para quienes buscan una pieza llamativa como para quienes prefieren un diseño más discreto inspirado en la franquicia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a056cda0a3.png" alt=""><figcaption>Converse x Minions (Converse).</figcaption></figure>Disponible a través de la tienda oficial de Converse y de comercios seleccionados, la colección tiene precios que parten desde los $40 dólares para algunos modelos infantiles y accesorios, mientras que las versiones más elaboradas de las Chuck 70 alcanzan los $105 dólares.Un lanzamiento que vuelve a demostrar cómo el universo sneaker continúa encontrando inspiración en el cine y la cultura pop para dar vida a colaboraciones pensadas tanto para el uso diario como para el coleccionismo.

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Converse lleva a los Minions al mundo sneaker

Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.<h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.<h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988">El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</a>Actualmente cuenta con murales realizados en:<ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:<ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.<h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.<h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.

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Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

Durante años, UNO fue uno de los juegos de cartas más populares del mundo. Ahora, el histórico título de Mattel decidió dar un paso más y trasladar toda su identidad al universo del streetwear, con una exclusiva colaboración junto a Comet que transforma sus colores y cartas en unas zapatillas de edición limitada.<h2>UNO entra al mundo sneaker con una edición limitada junto a Comet</h2>Las colaboraciones dejaron de ser un fenómeno exclusivo entre marcas de moda. En los últimos años, videojuegos, películas, series y hasta juguetes comenzaron a abrirse camino dentro de la cultura sneaker, demostrando que prácticamente cualquier ícono de la cultura pop puede convertirse en una zapatilla.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c14bd31a57.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure>Y ahora fue el turno de UNO, el histórico juego de cartas de Mattel, que dio el salto al streetwear de la mano de Comet con una colaboración de edición limitada que transforma uno de los juegos de mesa más populares de todos los tiempos en un par pensado para coleccionistas y fanáticos del diseño.Inspirada en la clásica paleta de colores del juego —rojo, amarillo, azul, verde, negro y blanco—, la colaboración apuesta por una silueta low top que recuerda a modelos icónicos del universo sneaker como las Air Force 1 o las BAPE Sta. Sobre esa base aparecen paneles multicolor, el logo de UNO en el talón y distintos detalles característicos de Comet distribuidos a lo largo de la media suela y el resto del calzado.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_971e46ecb3.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure>Lejos de limitarse al aspecto visual, la propuesta también incorpora distintos guiños al universo del juego. Cada par esconde referencias a las tradicionales reglas de UNO debajo de las plantillas, mientras que la caja fue completamente rediseñada para replicar el packaging original con el que históricamente se comercializa el juego de cartas.Pensada desde la nostalgia, el coleccionismo y la cultura pop, la colaboración consigue trasladar la identidad de UNO al mundo del streetwear sin perder la esencia de ninguno de los dos universos.<h2>La edición limitada que convierte a UNO en una pieza de colección</h2>Además de su diseño, otro de los aspectos que convierten a la colaboración entre UNO y Comet en uno de los lanzamientos más llamativos del año es su exclusividad. La colección cuenta con apenas 800 pares disponibles en todo el mundo, una decisión que convierte al modelo en una auténtica pieza de colección desde su lanzamiento.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_426c49d18e.png" alt=""><figcaption>UNO x Comet (UNO).</figcaption></figure>Sin planes de reposición una vez agotado el stock, la colaboración apuesta por un formato de edición limitada que potencia su valor dentro del universo sneaker y reafirma el carácter especial de un proyecto que une dos mundos pocas veces vistos juntos.Más allá del lanzamiento en sí, la unión entre Mattel y Comet vuelve a demostrar cómo la cultura sneaker continúa expandiendo sus fronteras, incorporando referentes de la cultura pop que hace algunos años parecían impensados dentro de este universo.

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El histórico juego UNO ahora tiene sus propios sneakers

Con la cuenta regresiva en marcha hacia La Velada del Año VI, que se celebrará el próximo sábado 25 de julio en Sevilla, Ibai Llanos reveló uno de los detalles más esperados del evento: los premios que recibirán los ganadores de cada combate.<h2>¿Cómo son el nuevo cinturón y el anillo de campeón de La Velada del Año VI?</h2>A falta de menos de una semana para que La Velada del Año VI vuelva a apoderarse del streaming mundial, la cuenta regresiva continúa tachando casilleros.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8b333e7cf9.png" alt=""><figcaption>Abby, ganadora de la quinta edición de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure>Y uno de los más esperados por los fanáticos era conocer cómo sería el cinturón que influencers como Fernanfloo, Plex, Angie Velasco y el resto de los competidores buscarán levantar el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla.A través de sus redes sociales, Ibai Llanos presentó oficialmente el diseño del cinturón que recibirán los ganadores de cada uno de los combates. Un premio que, con el correr de las ediciones, fue ganando cada vez más protagonismo y que para este año apuesta por una estética completamente renovada, inspirada en algunos de los cinturones más icónicos del mundo de los deportes de combate.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Da2zu41M7Fk/?hl=es"></oembed></figure>Con una marcada influencia de los campeonatos que entregan organizaciones como la UFC e incluso la WWE, el cinturón de La Velada del Año VI presenta una estructura de tres placas metálicas, donde predominan los colores rojo y dorado como homenaje a la bandera de España. En el panel central aparece el ya tradicional logotipo de La Velada del Año, acompañado por distintos detalles ornamentales que le otorgan una imagen mucho más cercana a los cinturones del boxeo y las artes marciales mixtas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1e9c2ae936.png" alt=""><figcaption>Plex levantando el cinturón de la cuarta edición de La Velada del Año (La Velada del Año).</figcaption></figure>Sin embargo, esa no será la única recompensa para quienes se impongan sobre el ring. Siguiendo una tradición muy presente en ligas como la NBA, la organización también anunció que cada ganador recibirá un anillo de campeón, una novedad absoluta dentro de la historia del evento.Fabricado en plata, el anillo incorpora la inscripción &quot;La Velada del Año VI&quot;, las tres estrellas del torneo, el año 2026, la palabra &quot;Champion&quot; y el característico emblema de las dos &quot;V&quot; superpuestas que identifica al evento. Además, una vez finalizado cada combate, la pieza será personalizada en directo con el nombre del influencer vencedor, convirtiéndose en un recuerdo único que acompañará al cinturón como símbolo de su consagración.

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Así será el cinturón que levantarán los campeones de La Velada del Año VI

Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.<h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.<h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:<ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317">El callejón más famoso de San Pablo</a><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:<ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/"></oembed></figure>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.

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El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.<h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure>“Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme”.<h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/"></oembed></figure>“De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento”, expresa Maic.<h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo”.<h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.“Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.“Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo”.<h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.“El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial”.

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Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá ya comenzó a dejar huella fuera de la cancha. Entre camisetas, colaboraciones y cápsulas especiales, BAPE y KidSuper sobresalieron con una propuesta que toma a las 48 selecciones del torneo como punto de partida para una colección de sneakers que conecta fútbol, moda y cultura urbana.<h2>48 selecciones, 48 zapatillas: así es la colección de BAPE y KidSuper inspirada en la Copa del Mundo</h2>No hay dudas de que el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá ya se convirtió en una edición histórica, y eso que tan solo se ha disputado un tercio de la competencia. No solo por el hecho de ser la primera Copa del Mundo con 48 selecciones participantes, sino también porque el fenómeno de la moda se transformó en uno de los grandes ejes que atraviesan la competencia, tanto dentro como fuera de la cancha.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bd86576412.png" alt=""><figcaption>El tenis de México de la colección entre BAPE y KidSuper (BAPE).</figcaption></figure>Desde el diseño de camisetas e indumentaria deportiva hasta el universo del streetwear, la competencia más importante del fútbol de selecciones abrió la puerta a una serie de colaboraciones entre selecciones y marcas de primer nivel.Y los ejemplos sobran: desde el vínculo entre Jordan Brand y la Selección brasileña, pasando por la alianza entre adidas, Thrasher y la Selección argentina hasta casos como Palace con Inglaterra o incluso los archivos de Virgil Abloh en Estados Unidos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_63fceab543.png" alt=""><figcaption>El diseño de los 48 pares de Bapesta de la colección entre BAPE y Kidsuper por el Mundial (Bape).</figcaption></figure>Sin embargo, entre todas las propuestas hay una que sobresale por encima del resto. No solo por unir a dos nombres de peso dentro de la moda urbana internacional, sino también por la magnitud de su concepto: en lugar de enfocarse en una única selección o en un puñado de países, la colaboración apuesta por representar a los 48 combinados nacionales que forman parte de la Copa del Mundo. Y sí, estamos hablando de KidSuper x BAPE STA World Cup, una colección que encontró en la excusa perfecta para llevar la Copa del Mundo al terreno de las sneakers.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/gabriela-hearst-la-mente-detras-de-la-imagen-mundialista-de-uruguay/1968">Gabriela Hearst, la mente detrás de la imagen mundialista de Uruguay</a><h2>De Argentina a Uzbekistán: una zapatilla para cada país del Mundial</h2>La colección encuentra en las Bapesta, la silueta insignia de la firma japonesa, el corazón de toda la propuesta. A partir de este modelo, KidSuper y BAPE construyeron una cápsula integrada por 48 sneakers distintos, uno por cada una de las selecciones que formarán parte de la fase de grupos de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá.Dentro de la colección aparecen desde países con una fuerte tradición mundialista y campeones del torneo como Argentina, Brasil, España, Francia y Uruguay hasta selecciones debutantes en la competencia como Cabo Verde, Curazao, Jordania y Uzbekistán. Una colaboración que no solo se apoya en las potencias históricas del fútbol, sino que también abraza el espíritu global y colectivo de la Copa del Mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6bccb10023.png" alt=""><figcaption>Algunos de los sneakers de la colección entre BAPE y KidSuper (House of Heat).</figcaption></figure>En el plano estético, cada par presenta la clásica parte superior de charol de las Bapesta intervenida con los colores de la bandera de la selección a la que representa. A eso se suma el logotipo del ojo de KidSuper ubicado en el centro de la estrella característica de BAPE sobre los laterales, mientras que en distintas zonas del diseño también aparecen el nombre y las siglas de cada combinado nacional, reforzando la identidad de cada país dentro de una colección que convierte al Mundial en una misma narrativa de streetwear.

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La colección de BAPE y KidSuper que transforma el Mundial en 48 pares de sneakers

En medio de la ola de colaboraciones que unieron a la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, Willy Chavarría presentó junto a adidas “Comienza con el Sueño”, una colección inspirada en el fútbol, la identidad mexicana y el lenguaje del streetwear.Sin embargo, la propuesta no se quedó únicamente en el terreno futbolero y terminó ganando visibilidad en el vestuario de figuras latinas como Kenia OS, Peso Pluma y J Balvin.<h2>Moda, fútbol y cultura latina: el corazón de “Comienza con el Sueño”, la colección de Willy Chavarría junto a adidas</h2>Dentro de la ensalada de colaboraciones que han unido a la industria de la moda con la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, hay una que logró destacarse por encima del resto. Se trata de “Comienza con el Sueño”, la colección lanzada por adidas junto al diseñador Willy Chavarría, una propuesta que encuentra en el fútbol, la identidad mexicana y la alta costura del streetwear los pilares de toda su narrativa.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_36e79c396a.png" alt=""><figcaption>La estética de la colección entre Willy Chavarría y adidas (Instagram/Willy Chavarría).</figcaption></figure>Nacido en Fresno y criado en el Valle de San Joaquín, en California, Chavarría trasladó a la cápsula algunos de los rasgos más característicos de su universo creativo: siluetas oversize, sastrería de alto impacto y una fuerte conexión con la cultura latina.Uno de los grandes focos de la colección está puesto en la indumentaria. Entre las prendas más llamativas aparece una camiseta de cuello tipo polo en tonos verde, amarillo y rosa que funciona como una reinterpretación de la icónica casaca que vistió Jorge Campos durante el Mundial de Estados Unidos 1994. A eso se suman chándales y shorts con las inscripciones “México” y “Chavarría”, además de gorras, blazers, pantalones y camisas abotonadas confeccionadas bajo la estética habitual del diseñador, con bordados y el eslogan “Comienza con el Sueño” impreso sobre distintas piezas de la colección.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZaGjh1IJtH/"></oembed></figure>En ese marco también aparecen piezas como los modelos Willy Mega Low y los Megaride AG XL, dos variantes de calzado que combinan proporciones urbanas con guiños a los botines de fútbol tradicionales y a la estética del Mundial.<h2>La huella de Willy Chavarría en el vestuario de Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin</h2>Sin embargo, “Comienza con el Sueño” no solo se consolidó como una de las propuestas más llamativas dentro del cruce entre la Copa del Mundo y la moda urbana, sino que también logró instalarse en el vestuario de algunas de las figuras más importantes de la música latina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f79c62f8af.png" alt=""><figcaption>Kenia OS como cara de la colección de Willy Chavarría x adidas (Instagram/Kenia OS).</figcaption></figure>Nombres como Peso Pluma, Kenia OS y J Balvin fueron vistos con prendas vinculadas al universo creativo de Willy Chavarría, reforzando el alcance cultural de una colección que trascendió el terreno estrictamente futbolero.En ese recorrido, una de las figuras más ligadas a la propuesta fue Kenia OS, quien apareció como una de las caras visibles de la colección y formó parte de distintas sesiones fotográficas vinculadas a su presentación. A su lado también apareció Peso Pluma, otro de los artistas que ayudó a potenciar la visibilidad de la cápsula y que incluso fue visto durante el NBA All-Star Weekend con prendas de la colaboración entre adidas y el diseñador nacido en Fresno.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b1817cff9.png" alt=""><figcaption>Los diseños de Willy Chavarría en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá vestidos por J Balvin (Getty Images).</figcaption></figure>A esa lista se suma J Balvin, aunque en su caso el vínculo no se dio de manera directa con “Comienza con el Sueño”, sino con el propio Willy Chavarría. El colombiano fue uno de los protagonistas de la apertura musical de la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá en el Estadio Azteca, donde lució un vestuario diseñado exclusivamente por el creador estadounidense de raíces mexicanas. Un detalle que no pasa inadvertido si se tiene en cuenta la histórica cercanía de J Balvin con Nike: que el artista haya dejado de lado, al menos por un momento, ese universo para vestir una propuesta de Chavarría también funciona como una muestra del peso que el diseñador ha ganado dentro de la moda y la cultura pop latina.

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De Peso Pluma a J Balvin: así llegó Willy Chavarría al vestuario de las figuras latinas

En el Barrio Inglés de Temperley, existe un skatepark construido en los alrededores de una casa: se lo conoce como Red Bowl House, fue construído por el skater Fernando Recalt y se convirtió en una de las pistas más icónicas de Buenos Aires.<h2>Red Bowl House, la pista que nació en una casa del sur del Conurbano Bonaerense</h2>A lo largo de la historia, el skateboarding ha presenciado la creación de un sinfín de skateparks en distintas localizaciones: algunos en medio de una plaza, otros debajo de un puente o en el punto más alto de un edificio y, hasta incluso, han existido algunas pistas ubicadas dentro de una iglesia abandonada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bb88804dfa.png" alt=""><figcaption>El skateboarding como pilar de Red House Bowl (Red House Bowl).</figcaption></figure>En toda esta libertad creativa, también han aparecido construcciones dedicadas a la práctica del skateboarding en los alrededores de un hogar, y uno de los casos más conocidos en Latinoamérica es la pista Red House Bowl de Fernando Recalt en Temperley.Construido en las afueras de su hogar en Temperley, localidad perteneciente al partido de Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires, el Red House Bowl no solo es la propia pista de Fernando Recalt, skater argentino, sino que también es uno de los skateparks más únicos de todo Argentina. El diseño de la pista permite patinar desde el ingreso del hogar, pasando por un pasillo lateral y desembocando la aventura en el patio de la casa a través de un circuito con distintas estructuras y un bowl de gran diámetro que, tranquilamente, podría formar parte de un skatepark tradicional.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DOM_c8TjgcQ/?hl=es-la"></oembed></figure>Ubicado sobre la calle Nóbrega 440 en el Barrio Inglés de Temperley, la pista se ha convertido en una completa atracción para los amantes del skateboarding de las distintas localidades de Buenos Aires: un sitio que rompe con la idea tradicional de skatepark como espacio público institucionalizado y vuelve a llevar a la disciplina a un terreno más íntimo como si fuera una extensión de la casa.<h2>Una casa, una pala y una necesidad: el nacimiento de Red Bowl House</h2>El hecho de que exista una pista de skateboarding en los alrededores de un hogar no es lo único que vuelve especial a Red Bowl House: también lo es la historia que explica cómo el jardín tradicional de una casa de Temperley terminó convirtiéndose en uno de los skateparks más especiales de Buenos Aires.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_feb2efde2d.png" alt=""><figcaption>Los inicios de la construcción de Red Bowl House (Red Bowl House).</figcaption></figure>El skateboarding siempre ha sido una pasión dentro de la vida de Fernando Recalt, quien comenzó a patinar en los años ochenta cuando apareció la cultura de las ruedas y las tablas en Argentina. Luego del nacimiento de sus hijos, el skate quedó alejado de su vida, y volvería unos años después justamente a través de uno de ellos, quien había empezado a dar sus primeros pasos y era acompañado por Fernando a los skateparks. La separación de su esposa fue el motivo por el que el skater decidió regresar a su hogar natal y también retomar la pasión por las tablas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_516da8392d.png" alt=""><figcaption>La pista en la casa de Fernando Recalt terminada (Red Bowl House).</figcaption></figure>Pero había una problemática: Fernando no encontraba un lugar por la zona para patinar. Y la idea de crear un skatepark en los alrededores de su hogar no solo se adueñó de su mente, sino que también comenzó a ser una realidad. La construcción arrancó con una rampa de madera y, al ver el espacio disponible, tomó coraje y empezó con la fabricación de su tan ansiada olla. Las ondulaciones y las rampas también aparecieron como parte de la pista y, después de seis meses de trabajo, el skatepark quedó completamente terminado: un recorrido que comienza en el frente de la casa, pasa por el lateral y desemboca en el patio trasero, todo con un costado de color rojo llamativo que le terminó dando el nombre “Red House Bowl”.<h2>Más allá que una pista dentro de una casa</h2>Y por más que parezca, el skatepark no es una construcción únicamente construída para la diversión de Fernando Recalt, dueño del espacio, y su círculo más íntimo, sino que también recibe la visita de una gran comunidad tanto de niños como adultos que comienza a dar sus primeros pasos en el skateboarding. Con el propio Fernando como profesor, el Red Bowl House es un escenario de clases de skateboarding, a las cuáles cualquiera puede asistir: para conocer más información, podés ingresar a su perfil de <a href="https://www.instagram.com/redhousebowl/?hl=es-la">Instagram</a> o escribir al Whatsapp (+54 11 3056-1290).

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El skatepark escondido en una casa de Temperley

No hay dudas de que la actual Copa del Mundo ya dejó imágenes imborrables: los récords de Lionel Messi, las sorpresas protagonizadas por selecciones como Cabo Verde y Curazao y los goles espectaculares de figuras como Erling Haaland y Kylian Mbappé.Sin embargo, en esta edición disputada en Estados Unidos, México y Canadá, otro protagonista también logró captar la atención de los fanáticos: los nuevos botines presentados por Nike, adidas y PUMA.En ese contexto, Street Art Latam conversó con Marcelo de Wilde, más conocido como Marcelo Botines, uno de los coleccionistas de calzado futbolístico más reconocidos de Argentina. Con más de 400 pares en su colección, repasó el origen de su pasión, la evolución de los botines a lo largo de los años y analizó las últimas innovaciones presentadas por las principales marcas deportivas.<h2>Marcelo Botines, el coleccionista argentino que construyó un museo del calzado futbolístico</h2>En cada Copa del Mundo hay un detalle que, además del juego, también capta la atención de millones de fanáticos: los botines que utilizan figuras de la talla de Lionel Messi, Neymar Júnior, Cristiano Ronaldo, Kylian Mbappé o Erling Haaland.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b494acac16.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines dando una conferencia en el evento Kicks and Fest (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure>Y en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no es la excepción, con marcas como Nike, Adidas y Puma marcando el pulso del calzado de las grandes estrellas del fútbol internacional.Dentro de ese universo aparece Marcelo de Wilde, más conocido en redes sociales como Marcelo Botines, uno de los especialistas más reconocidos de Latinoamérica en materia de calzado futbolístico.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZdi0s2AsLq/?hl=es"></oembed></figure>Con una colección de más de 400 pares en impecables condiciones y base en el barrio porteño de Mataderos, el creador de contenido construyó un archivo que reúne desde modelos históricos hasta piezas utilizadas por leyendas como Diego Maradona, Lionel Messi o Sergio Agüero. Junto a su socio Gonzalo Rodríguez, también atesora ediciones limitadas, botines firmados por figuras como Luis Figo, Enzo Fernández y Sergio Goycochea, además de trabajar de cerca con marcas de primer nivel para mostrar lanzamientos, tecnologías y novedades del universo botinero.<h2>David Beckham y el par que dio vida a Marcelo Botines</h2>Antes de convertirse en uno de los grandes especialistas en botines de Latinoamérica y construir una colección con más de 400 pares, Marcelo de Wilde ya arrastraba desde la infancia una fascinación por el calzado deportivo: “Mi pasión por coleccionar botines viene desde chico, que yo tenía muy en claro que me gustaban las zapatillas. En cada local que vendían zapatillas, me paraba a ver que modelo había: siempre buscaba una que me sea cómoda para jugar a la pelota, que la silueta me guste, porque antes solo podíamos comprar un solo calzado y lo teníamos para todo. No había poder económico como para tener un par para la escuela y otro para jugar a la pelota: era uno para todo”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b30d953ffc.png" alt=""><figcaption>Marcelo Botines enseñando calzado deportivo de la marca Skechers (Instagram/Marcelo Botines).</figcaption></figure>Lo que comenzó como un fanatismo por las zapatillas terminó transformándose en una pasión absoluta por los botines, una obsesión que años más tarde encontraría su punto de partida en una pieza muy especial. Y fue en el año 2017, cuando Marcelo adquirió un botín de David Beckham, par que abriría la puerta y daría comienzo al personaje de Marcelo Botines.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/del-vestuario-a-la-tribuna-asi-conquisto-el-streetwear-la-copa-del-mundo/1999">Del vestuario a la tribuna: así conquistó el streetwear la Copa del Mundo</a><h2>La evolución del botín a lo largo de los Mundiales</h2>A lo largo de las distintas ediciones de la Copa del Mundo, el calzado deportivo atravesó una transformación constante, no solo desde lo estético, sino también en términos de tecnología, materiales y diseño. En ese recorrido, Marcelo Botines tiene en claro cuál fue una de las irrupciones más importantes en la historia reciente del fútbol y los botines.“Las evoluciones más interesantes que tuvimos a lo largo de las Copas del Mundo para mí, luego de pasar todo lo que fue la década del 50, 60 y 70, cuando llegó el Mundial de Estados Unidos 1994, que la marca adidas irrumpe con los Predator y un elemento por encima de la capellada para darle más contacto a la pelota, efecto y un poco más de poder, hay un cambio muy grande”, cuenta Marcelo sobre la que, para él, marcó un antes y un después en el calzado deportivo en Copas del Mundo.Sin embargo, dentro de ese repaso histórico, el coleccionista argentino también destaca otros hitos que modificaron la escena, como la irrupción de los botines tipo botita de Nike durante Brasil 2014 o el nacimiento de la línea Mercurial en Francia 1998, torneo en el que Ronaldo Nazário protagonizó además uno de los primeros grandes modelos signature pensados para una estrella del fútbol mundial.Aunque Marcelo también reconoce una evolución en cuanto a las cantidades y las variantes de cada marca: “El fútbol tuvo una evolución muy grande y así también los botines. Antes había un botín de cada marca y, ahora, tenemos tres o cuatro silos diferentes dentro de cada marca específicos para las posiciones del campo de juego según la velocidad, la técnica y el estilo”.<h2>La visión sobre los diseños de Nike, adidas y PUMA para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá</h2>Como bien mencionamos al inicio, marcas como Nike, adidas y PUMA han dejado una huella casi que imborrable en el diseño del calzado deportivo que sus estrellas utilizaran en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, esta vez con el color rosa como tonalidad protagónica.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZz86vSx5b1/?hl=es"></oembed></figure>“Para este Mundial, no vemos ninguna tecnología que sea diferente o disruptiva a lo que ya veníamos viendo. Por el lado de Nike, tenemos una cápsula de aire en la placa de la suela y sus otros hilos totalmente idénticos. Desaparece la botita y vuelve a aparecer el Mercurial en todas sus versiones. Por su parte, adidas viene trabajando con los botines de antes (F50, Predator, Copa) y el botín especial para Lionel Messi llamado “El último tango”. PUMA tiene sus hilos Future, Ultra y King sin menciones especiales para algunos de sus jugadores”, comenta el coleccionista sobre la huella de las principales marcas en la presente edición del Mundial.

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Marcelo Botines y una vida dedicada a coleccionar historias del fútbol

Roberto Jiménez encontró en el arte gráfico una manera única de reinterpretar la cultura pop. A través del proyecto artístico llamado Basurita Blanca, el mexicano creó un universo de pósters e ilustraciones donde el humor y las referencias cotidianas son protagonistas.<h2>¿Quién es Roberto Jiménez, el creador de Basurita Blanca y sus icónicos pósters de cultura pop?</h2>El arte urbano y la ilustración contemporánea encontraron en la cultura pop una fuente inagotable de inspiración. Desde reinterpretaciones de personajes icónicos hasta referencias a películas, series, música y situaciones cotidianas, esta corriente artística logró construir un lenguaje propio que conecta rápidamente con el público. Y dentro de México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Roberto Jiménez, creador de Basurita Blanca.Póster de Basurita Blanca (Basurita Blanca).Con un estilo marcado por el humor, la sátira y una fuerte identidad visual, el artista mexicano desarrolló un proyecto que transforma referencias de la cultura popular en pósters e ilustraciones cargadas de personalidad. A través de diseños que mezclan cine, televisión, música, deportes y el día a día con guiños a la identidad mexicana, Basurita Blanca logró construir una comunidad propia de seguidores y convertirse en uno de los proyectos gráficos más llamativos del país.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reels/DWpugK3Bfr0/"></oembed></figure>El trabajo de Roberto Jiménez se caracteriza por tomar personajes y situaciones ampliamente reconocibles y reinterpretarlos desde una mirada fresca, divertida y, muchas veces, nostálgica. Sus obras no solo funcionan como ilustraciones o piezas decorativas, sino también como una forma de contar historias y conectar distintas generaciones a través de elementos compartidos de la cultura pop.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_da8d840f33.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Basurita Blanca (Basurita Blanca).</figcaption></figure>Y es que el universo de Basurita Blanca va mucho más allá del diseño de un simple póster. Cada creación combina ilustración, humor e identidad cultural, consolidando a Roberto Jiménez como uno de los exponentes mexicanos que mejor supo trasladar el lenguaje de internet y la cultura popular al mundo del arte gráfico contemporáneo.

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Basurita Blanca, el proyecto mexicano que transforma la cultura pop en arte urbano

Dozergirl es una de las artistas gráficas más reconocidas de México y una referente del universo de los pósters musicales: con más de una década de trayectoria, trabajó junto a bandas nacionales e internacionales y convirtió sus ilustraciones en auténticas piezas de colección.<h2>Dozergirl, la artista mexicana que plasma el rock y los conciertos en pósters</h2>El arte urbano es un universo prácticamente infinito. Desde artistas que dejan su huella en murales de gran escala, pasando por esculturas, instalaciones y distintas intervenciones del espacio público hasta disciplinas más ligadas al diseño gráfico, existen múltiples maneras de transformar el arte en una experiencia visual.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_40e3b1ecc0.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure>Y dentro de este último universo, los pósters encontraron un lugar propio como una forma de expresión artística, capaces de convertir una imagen en una pieza de colección y de inmortalizar momentos, movimientos culturales y grandes acontecimientos.En México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Dozergirl, artista e ilustradora con más de una década de trayectoria que logró convertir el diseño de pósters en su sello personal. A través de un estilo propio que combina ilustración, cultura pop y distintas influencias del arte contemporáneo, la mexicana construyó una sólida carrera que la posicionó como una de las principales referentes latinoamericanas dentro de esta disciplina.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYOGqAwMYde/?hl=es-la"></oembed></figure>Y es que el currículum de Dozergirl habla por sí solo. A lo largo de su carrera, trabajó junto a artistas y bandas nacionales e internacionales, que consolidan su figura como emblema de la materia.<ul><li>Deftones</li></ul><ul><li>Red Hot Chili Peppers</li></ul><ul><li>The Offspring</li></ul><ul><li>Linkin Park</li></ul><ul><li>Austin TV</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f40f66dc85.png" alt=""><figcaption>Póster hecho por Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure>Sus trabajos no solo funcionan como piezas gráficas promocionales, sino también como pósters conmemorativos que acompañan giras, conciertos y eventos especiales, convirtiéndose en objetos de colección para miles de fanáticos y consolidando a Dozergirl como una de las grandes exponentes del arte gráfico musical en México.

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¿Quién es Dozergirl, la artista mexicana que conquistó el universo de los pósters musicales?

Juan Pablo (JP) es un artista de la Región de Valparaíso que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los 26 años tras abandonar la oficina de arquitectura, hoy combina la creación de murales urbanos con la educación artística en escuelas y talleres particulares.<h3>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</h3>Para JP, el espacio público es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de experiencias sensibles donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.Busca generar un éxtasis similar al de la poesía. &quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una certeza corporal que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3>Símbolos en la ruta latinoamericana</h3>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el sincretismo religioso, la figuración simbólica y el misticismo. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la resiliencia y la camaradería colectiva. Este sentimiento atraviesa toda su obra. &quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;, reconoce.En su paleta técnica, el uso de pintura acrílica, rodillos y pigmentos metálicos define su estilo, donde el color cobre es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3>El proceso creativo</h3>A diferencia de otros autores, JP utiliza la poesía y la literatura como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante collages y referencias fotográficas, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;, explica. Esta flexibilidad le permite que el boceto inicial mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771">El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</a><h3>La comunidad como el soporte principal</h3>Aunque factores como el clima y la lluvia en lugares como Gran Bretaña condicionan su planificación, el artista prioriza el vínculo social sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar lazos comunitarios genuinos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. &quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una red de personas es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.<h3>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</h3>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la abstracción para ampliar su capacidad expresiva sin perder la figuración como vehículo de comunicación básico.A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante contactos directos y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: &quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;, sentencia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/"></oembed></figure>TAGSENTREVISTAMURALISMOCHILE

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JP, el arquitecto que dejó la oficina para intervenir las calles

Con sede en Venecia y una trayectoria que lo posicionó entre los grandes certámenes del arte contemporáneo, el Arte Laguna Prize abrió la convocatoria para su vigésimo primera edición, y desde Street Art Latam repasamos cómo inscribirse, cuáles son los requisitos y qué premios ofrece el concurso.<h2>¿Qué es el Arte Laguna Prize?</h2>El universo del arte contemporáneo internacional ya puso en marcha una nueva edición de uno de sus concursos más importantes. Se trata del Arte Laguna Prize, el certamen con sede en Venecia que se prepara para celebrar su vigésima primera edición y que, año tras año, reúne a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades en busca de impulsar sus carreras a nivel global.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e38957ceaf.png" alt=""><figcaption>Exposición en Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Nacido del deseo de la Asociación MoCA de valorar el arte en todas sus formas y con la misión de impulsar artistas internacionales, el premio se consolidó como uno de los principales certámenes de arte contemporáneo del mundo. Cada edición, un jurado integrado por especialistas selecciona a los finalistas y ganadores, cuyas obras se exhiben durante un mes en el emblemático Arsenale Nord de Venecia.La convocatoria está abierta a disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotografía, videoarte, performance, arte digital, land art, arte urbano, street art y diseño, entre muchas otras, manteniendo una característica que la distingue desde sus inicios: la libertad temática y la diversidad artística como eje central del proyecto.Y este año no será la excepción. El Arte Laguna Prize abrió oficialmente su convocatoria para artistas que deseen exhibir sus trabajos en el histórico espacio veneciano, cuya muestra colectiva tendrá lugar del viernes 6 al domingo 29 de noviembre, reuniendo a creadores emergentes y consolidados de distintas partes del planeta.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9119ff13b8.png" alt=""><figcaption>Los rincones artísticos de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Y tranquilo: Street Art Latam te cuenta cómo participar, cuáles son los premios y todo lo que necesitás saber para intentar exhibir tu obra en Venecia.<h2>¿Cómo participar del Arte Laguna Prize 2026?</h2>Participar del Arte Laguna Prize es un proceso completamente digital y abierto a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Para hacerlo, los interesados deben ingresar a la plataforma oficial del certamen, crear un perfil personal y completar el <a href="https://artelagunaprize.com/21-edition/">formulario de inscripción</a> antes del martes 30 de junio, fecha límite de la convocatoria.El proceso de aplicación solicita información personal y artística del postulante, incluyendo una breve biografía, antecedentes profesionales y material vinculado a su producción. Además, los artistas deberán presentar parte de su portfolio con imágenes, videos y descripciones de las obras que desean postular.Una vez completada la inscripción y enviada la documentación requerida, las postulaciones serán evaluadas por el jurado internacional del certamen, encargado de seleccionar a los finalistas que formarán parte de la exposición oficial en Venecia.Para conocer todos los requisitos y completar la inscripción, los interesados pueden ingresar al <a href="https://artelagunaprize.com/">sitio oficial del Arte Laguna Prize</a>.<h2>¿Cuáles son los premios del Arte Laguna Prize?</h2>Más allá del reconocimiento internacional y la posibilidad de exhibir en Venecia, el Arte Laguna Prize cuenta con un amplio programa de premios y oportunidades profesionales que buscan impulsar la carrera de los artistas participantes.El certamen divide sus beneficios en cinco grandes categorías:<ul><li>Premios institucionales.</li></ul><ul><li>Residencias artísticas</li></ul><ul><li>Programas Business for Art.</li></ul><ul><li>Exposiciones internacionales.</li></ul><ul><li>Iniciativas vinculadas a sostenibilidad y solidaridad.</li></ul>Entre los reconocimientos más destacados, aparece el Premio Institucional de $10.000 euros, otorgado por MoCA y Arte Laguna Prize al ganador absoluto de la competencia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2981e5b89f.png" alt=""><figcaption>El arte como protagonista en cada edición de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Además, los artistas seleccionados podrán acceder a residencias y experiencias internacionales en distintos puntos del planeta. Pero para Latinoamérica, sobresalen dos oportunidades especiales:<ul><li>Dos semanas de residencia artística en el Estudio Rambar, en Guanacaste, Costa Rica.</li></ul><ul><li>Un mes de estancia artística en la Universidad Ricardo Palma, en Lima, Perú.</li></ul>La convocatoria también incluye residencias en Italia, Australia, Bélgica y China, además de exposiciones en galerías y espacios culturales de ciudades como Bucarest y Génova, fortaleciendo uno de los principales objetivos del proyecto: conectar a artistas emergentes con el circuito internacional del arte contemporáneo.

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Arte Laguna Prize 2026: qué es, cómo participar y cuáles son los premios

A meses del estreno de Toy Story 5, Crocs presentó una nueva colección inspirada en la saga con diseños dedicados a Jessie, los Aliens de Pizza Planet y Jibbitz coleccionables con Woody, Tiro al Blanco y Buzz Lightyear como protagonistas.<h2>El regreso de Toy Story al universo de Crocs</h2>No hay dudas de que una de las noticias que más resonó dentro de la industria cinematográfica fue el anuncio de Toy Story 5, la quinta entrega de una de las sagas más emblemáticas de la animación, cuya historia pondrá a Woody, Buzz Lightyear, Jessie y compañía frente a un nuevo desafío vinculado a la tecnología. Una noticia que no solo agitó a los fanáticos de la franquicia, sino que también empezó a marcar agenda en el mundo de la moda.Con el estreno cada vez más cerca, Crocs presentó una nueva colección inspirada en el universo creado por Pixar: una cápsula que mezcla nostalgia, diseño y piezas pensadas tanto para seguidores de la saga como para coleccionistas a un puñado de meses del estreno de la nueva película. El lanzamiento retoma el cruce entre la firma y Toy Story —tras modelos inspirados en Woody y Buzz lanzados previamente— y amplía ese universo con una propuesta todavía más conceptual.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_977e4c67e6.png" alt=""><figcaption>La vaquera Jessie transformada en Crocs (Crocs).</figcaption></figure>En esta nueva colaboración entre Crocs y el universo de Toy Story aparecen las botas de la vaquera Jessie, un modelo basado en los alienígenas de la máquina de garra de Pizza Planet y un set de Jibbitz coleccionables con personajes como Woody, Buzz, Jessie, Tiro al Blanco y los Aliens, diseñados para personalizar los pares y llevar la narrativa de la película al terreno del calzado y los accesorios.Una colección que no solo regresa el universo de Toy Story al mundo del calzado tras aquel lanzamiento hace un puñado de años, sino que impacta de lleno en la escena de la moda urbana y el coleccionismo, con piezas que prometen marcar tendencia entre fanáticos, sneakerheads y amantes de las colaboraciones de cultura pop.<h2>Jessie, los Aliens y los detalles de la nueva cápsula de Crocs x Toy Story</h2>Si hay una pieza llamada a robarse las miradas dentro de la colección, esa es la silueta inspirada en Jessie. Concebida como una reinterpretación western del clásico calzado de Crocs, el modelo toma como referencia directa las icónicas botas de la vaquera y las traslada a una pieza cargada de detalles: base marrón decorativa, estructura superior tipo bota, estampado de vaca en la parte delantera, tela denim en la zona trasera y un cuello rojo con costuras blancas que replica uno de los rasgos más reconocibles del personaje. A eso se suman detalles con el nombre de Jessie en uno de los laterales, reforzando el carácter casi coleccionable del diseño.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_51c4fce546.png" alt=""><figcaption>Los Aliens de Pizza Planet hechos Crocs (Crocs).</figcaption></figure>La otra gran protagonista de la cápsula está inspirada en los míticos alienígenas de Pizza Planet y en su inolvidable “¡Oooh, la garra!”. Manteniendo la silueta clásica de las Crocs, este modelo toma a los pequeños aliens verdes como eje conceptual del diseño: sus tres ojos, orejas puntiagudas, antena, sonrisa característica y una paleta en verde, azul y violeta aparecen integradas en distintos sectores del par, mientras que el icónico “Ooooh” se suma como guiño en la parte trasera del talón. Una pieza que lleva uno de los elementos más queridos de Toy Story al terreno del calzado.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_edc71a4757.png" alt=""><figcaption>Los Jibbitz coleccionables de la colección Toy Story x Crocs (Crocs).</figcaption></figure>La colección además llega acompañada por un set de Jibbitz coleccionables para personalizar cualquier modelo, con pines inspirados en Woody, Buzz Lightyear, Tiro al Blanco, Jessie y los propios alienígenas. Un complemento que termina de expandir una cápsula donde diseño, nostalgia y coleccionismo dialogan en cada detalle.

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Crocs vuelve al universo Toy Story de la mano de Jessie y los Aliens

¿Sabías que en la ciudad de Cali existe un lugar donde la impresión artesanal sigue siendo protagonista? Su nombre es La Linterna, un histórico taller tipográfico fundado hace más de noventa años que, a pesar del avance de las herramientas digitales y la inteligencia artificial, continúa manteniendo vivo uno de los oficios gráficos más tradicionales de Latinoamérica.<h2>La imprenta que sobrevivió al paso del tiempo: conocé La Linterna</h2>En una era donde lo digital parece haber conquistado todos los sectores posibles, el universo artístico no ha sido la excepción. La irrupción de programas como Photoshop e Illustrator primero, y más recientemente el crecimiento de herramientas impulsadas por inteligencia artificial, transformó la manera en que se crean imágenes, diseños y piezas gráficas, abriendo debates sobre el futuro de numerosos oficios creativos.Sin embargo, mientras la tecnología avanza a pasos agigantados, todavía existen rincones del mundo donde la tradición, el trabajo manual y los procesos artesanales continúan siendo el corazón de la creación artística.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7758cd4fa6.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure>Uno de esos lugares se encuentra en la ciudad de Cali. Allí funciona La Linterna, un taller de impresión tipográfica dedicado desde hace más de 90 años al oficio artesanal de la producción de carteles mediante técnicas tradicionales como el grabado en linóleo y el uso de tipos móviles. Fundado en 1934, el espacio se convirtió con el paso del tiempo en un referente de la gráfica popular colombiana, desarrollando una amplia trayectoria en la elaboración de cartel mural para eventos culturales, sociales y comunitarios, así como también piezas concebidas como obras artísticas.Gracias a ese recorrido, La Linterna logró consolidarse como uno de los grandes emblemas culturales de Cali, preservando técnicas centenarias de impresión en una época dominada por las pantallas y los procesos digitales. Sin embargo, su historia estuvo cerca de llegar a su fin. En el año 2016, el taller atravesó una profunda crisis económica que puso en riesgo su continuidad y amenazó con provocar el cierre definitivo del espacio y la desaparición de gran parte del conocimiento asociado a este oficio tradicional.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reels/DS-qBUeAaLz/"></oembed></figure>Lejos de resignarse, un año más tarde un grupo de gestores culturales, diseñadores y artistas gráficos impulsó una estrategia destinada a acercar el legado tipográfico a nuevas generaciones. El proyecto articuló los conocimientos históricos de la impresión artesanal con las expresiones contemporáneas del diseño y las artes gráficas, permitiendo que La Linterna encontrara una nueva vida. Además, frente a las normativas ambientales que limitaron la fijación de carteles en distintos sectores de la ciudad, el taller comenzó a transformarse también en una galería y espacio cultural donde los carteles y las impresiones pasaron a ocupar un rol protagónico como piezas de exhibición.Con figuras como Olmedo Franco Romero, Jaime Enrique García y Héctor Otálvaro como algunos de los grandes guardianes del oficio, La Linterna logró trascender su condición de imprenta para convertirse en un verdadero símbolo cultural de Cali. Lo que alguna vez fue un taller dedicado exclusivamente a la producción de carteles hoy funciona también como un espacio de encuentro entre generaciones, donde conviven técnicas centenarias de impresión con nuevas expresiones del diseño gráfico contemporáneo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c103b4148c.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure>A casi un siglo de su fundación, el lugar continúa demostrando que, incluso en tiempos dominados por las pantallas, la inteligencia artificial y las herramientas digitales, todavía existen rincones donde el trabajo manual, la tinta, el papel y los tipos móviles conservan su valor original. Más que una imprenta, La Linterna es un testimonio vivo de la historia gráfica colombiana, un punto de interés para visitantes y amantes del arte que llegan a Cali desde distintas partes del mundo y un refugio para quienes entienden el arte como un oficio que también se transmite de mano en mano.

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El rincón de Cali donde la imprenta se niega a desaparecer

Seguramente te hayas cruzado en redes sociales con algún video donde un diseñador transforma retazos de tela o prendas descartadas en outfits completamente nuevos: detrás de gran parte de ese contenido aparece la figura del peruano Reffinato.<h2>Moda sostenible y creatividad: el universo fashion de Reffinato</h2>La industria de la moda cuenta con una infinidad de estilos, corrientes y formas de entender el diseño. Existen creadores que apuestan por la alta costura, otros que encuentran su identidad en el streetwear, algunos que exploran conceptos futuristas y también quienes deciden llevar la reutilización de materiales y la moda sostenible como bandera principal de su trabajo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DR0dqybDBn0/"></oembed></figure>Y dentro de este último universo aparece uno de los referentes digitales más llamativos del último tiempo: el diseñador peruano Reffinato. Con más de medio millón de seguidores en su cuenta de Instagram, el creador latinoamericano logró transformar la reutilización de materiales en un fenómeno viral, llevando el concepto de moda sustentable a millones de personas a través de las redes sociales.Con videos donde documenta desde el hallazgo de retazos de tela y prendas abandonadas hasta bolsas de supermercado y distintos materiales reciclables, Reffinato muestra el proceso completo detrás de cada diseño: desde la selección de los elementos y la confección hasta el resultado final. Todo acompañado de piezas que combinan estética urbana, creatividad y una fuerte identidad visual que convirtió su contenido en una referencia dentro de la moda alternativa y sostenible.Pero además de las prendas para humanos, dentro de su comunidad también nació una de las secciones más particulares y populares de su contenido: los diseños para su gato Felipo. Sí, tal cual. El diseñador peruano también confecciona outfits para su mascota utilizando el mismo concepto sustentable, creando pequeñas piezas de moda reciclada que rápidamente se volvieron virales entre sus seguidores y terminaron convirtiéndose en una marca registrada dentro de su universo creativo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DS8npg5DuQl/"></oembed></figure>Entre reutilización, moda urbana y creatividad digital, Reffinato logró demostrar que el diseño de moda también puede surgir desde materiales descartados, llevando la sostenibilidad a un formato visual, entretenido y completamente adaptado al lenguaje de las redes sociales.

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El diseñador que convirtió la moda sostenible en un fenómeno viral

¿Sabías que Nike y adidas ya presentó los botines para sus máximas figuras durante la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá? Con propuestas dominadas por tonalidades rojas, rosas, blancas y negras, ambas marcas conquistaron el escenario más importante del fútbol a través de diseños que combinan innovación, velocidad y una fuerte identidad visual.<h2>Los botines como pilar estético de los Mundiales</h2>Así como recordamos el emblemático cabezazo de Zinedine Zidane a Marco Materazzi, el gol de Andrés Iniesta ante Países Bajos para entregarle a España su primera Copa del Mundo o la consagración de Lionel Messi en Qatar, también recordamos los botines que acompañaron esos momentos. En muchos casos funcionan como una máquina del tiempo capaz de transportarnos inmediatamente a una edición determinada del torneo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d68eb95838.png" alt=""><figcaption>Los emblemáticos Nike Mercurial de Ronaldo Nazário en el Mundial de Francia 1998 (Ben Radford).</figcaption></figure>Y los ejemplos abundan. Desde los Nike Mercurial que utilizó Ronaldo Nazário durante el Mundial de Francia 1998, pasando por las icónicas adidas Predator que marcaron una época en los pies de figuras como David Beckham y Zinedine Zidane hasta llegar a modelos más recientes que acompañaron las grandes historias de los últimos Mundiales como los Nike Magista en la Copa del Mundo de Brasil 2014.Y como viene sucediendo desde hace décadas, adidas y Nike volvieron a dominar el escenario del fútbol internacional. A pesar de la presencia de firmas como PUMA, New Balance o Skechers, las dos gigantes del deporte fueron nuevamente las marcas más representadas en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, donde sus nuevos packs ya fueron presentados oficialmente: “Road to Glory” de adidas y “Breakout” de Nike.<h2>“Road to Glory”, la apuesta mundialista de adidas</h2>Bajo el nombre de “Road to Glory”, adidas presentó la colección de botines que acompaña a sus principales figuras durante el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá. El pack reúne a las tres grandes siluetas de la marca alemana —Predator, F50 y Copa— bajo una identidad visual unificada construida sobre una vibrante base en rojo solar, complementada con detalles en negro y terminaciones doradas inspiradas en el trofeo de la Copa del Mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c74bb58e1d.png" alt=""><figcaption>La colección de botines “Road to Glory” de adidas para la Copa del Mundo (adidas).</figcaption></figure>La colección también marca un hito dentro de la historia reciente de adidas, ya que se convierte en el primer pack de botines de la marca en incorporar la figura del trofeo mundialista directamente sobre el talón de cada modelo, reforzando el vínculo entre el calzado y la máxima cita del fútbol internacional.En cuanto a los protagonistas, los velocistas de la nueva generación como Lamine Yamal y Ousmane Dembélé lucen las adidas F50, una silueta que combina el rojo solar con detalles negros y acabados metalizados para potenciar una imagen agresiva y llena de energía. Por su parte, figuras como Jude Bellingham y Pedri utilizan las Predator, caracterizadas por una llamativa parte superior roja, la clásica lengüeta negra y las tres franjas plateadas metalizadas que dominan el lateral del botín. Finalmente, Declan Rice es el emblema principal de las Copa, un modelo que mantiene la misma línea cromática de la colección, combinando elegancia clásica con una estética mundialista pensada para brillar en los escenarios más importantes del planeta.<h2>Rosa, negro y blanco: la identidad de “Breakout” de Nike</h2>Del otro lado de la competencia aparece “Breakout”, la propuesta de Nike para la Copa del Mundo. El gigante estadounidense presentó una colección integrada por cinco modelos que estarán presentes en los pies de algunas de las principales estrellas del torneo, apostando por una combinación de blanco, rosa y negro que promete convertirse en una de las identidades visuales más reconocibles de la competencia.El pack está compuesto por las nuevas Mercurial Vapor 17 y Superfly 11, las Tiempo Maestro y las Phantom 6 en sus versiones high y low, una alineación diseñada para acompañar a futbolistas como Kylian Mbappé, Erling Haaland, Vinícius Júnior y Cristiano Ronaldo durante el certamen.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de0fa20d0c.png" alt=""><figcaption>“Breakout”, el pack de botines de Nike para el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá (Nike).</figcaption></figure>Las Mercurial son las encargadas de transmitir la idea de velocidad y explosividad a través de bloques de colores verticales y horizontales que refuerzan su perfil dinámico, mientras que las Tiempo Maestro apuestan por una estética mucho más limpia y cercana al monocromatismo. Por su parte, las Phantom 6 se convierten en las más llamativas de la colección gracias a un intenso tono rosa que domina gran parte de la superficie del botín. Una propuesta agresiva, moderna y diseñada para captar todas las miradas durante la máxima cita del fútbol mundial.

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Así son los botines protagonistas del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá

El Mundial todavía tiene mucho por delante, pero Guadalajara ya comenzó a respirar fútbol. En el corazón de Zapopan, una monumental obra tejida homenajea a las selecciones que dejarán su huella en la ciudad durante la Copa del Mundo.<h2>Guadalajara y el Mundial, unidos a través del arte tejido</h2>Junto a Ciudad de México y Monterrey, Guadalajara será una de las tres sedes mexicanas de la actual Copa del Mundo, albergando cuatro encuentros y recibiendo a selecciones como México, España, Uruguay y Colombia. Pero más allá del aspecto futbolístico y de convertirse por momentos en el centro de la acción deportiva, el espíritu mundialista ya comenzó a sentirse en la ciudad mucho antes del pitazo inicial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c6d12e30ef.png" alt=""><figcaption>Vista aérea del monumental tejido mundialista en el corazón de Zapopan (Cielo Tejido).</figcaption></figure>Y es que, en el corazón de Zapopan, cientos de mujeres dieron vida a una monumental intervención artística inspirada en los países que tendrán actividad en Guadalajara durante el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá. A través de cientos de hexágonos tejidos que cubren el cielo, la iniciativa realizada por el colectivo Cielo Tejido –organización nacida en Jalisco y fundada por Lorena Ron junto a su madre, Paloma Sciordia– convirtió a la ciudad mexicana no solo en una sede del torneo más importante del fútbol de selecciones, sino también en uno de sus espacios culturales más representativos, fusionando arte, identidad y pasión futbolera.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZD9vgEOOqi/?hl=es"></oembed></figure>El gigantesco cielo tejido, instalado sobre el andador 20 de Noviembre, una de las arterias peatonales más transitadas del centro histórico, cuenta con 220 metros de largo y más de ocho metros de ancho. Elaborada por más de 250 mujeres, la obra rinde homenaje a los combinados que disputarán partidos de la Copa del Mundo en la ciudad de Guadalajara y conecta los Arcos de Zapopan con la Plaza de las Américas y la Basílica de Zapopan, dos de los puntos más emblemáticos de la metrópoli.<h2>El significado del diseño: los países y la cultura detrás de la obra</h2>Los colores y las formas de los hexágonos tejidos no fueron elegidos al azar. La monumental intervención mezcla el espíritu mundialista que dejará Guadalajara durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá con un profundo guiño a las raíces y tradiciones de la cultura azteca, convirtiendo la obra en un puente entre el deporte, la identidad local y las distintas culturas que llegarán a la ciudad.Y es que cada uno de los sectores del gigantesco cielo tejido rinde homenaje a las selecciones que disputarán encuentros en Guadalajara durante la cita mundialista:<ul><li>México</li></ul><ul><li>Corea del Sur</li></ul><ul><li>República Checa</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>República Democrática del Congo</li></ul><ul><li>Uruguay</li></ul><ul><li>España</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_57d5d14fb4.png" alt=""><figcaption>El diseño de México en el monumental tejido hecho por Cielo Tejido en Zapopan (Cielo Tejido).</figcaption></figure>La instalación está inspirada en la figura de una gran serpiente, uno de los símbolos más representativos de las culturas prehispánicas mexicanas, que parece desplazarse entre los árboles y edificios del paseo. A medida que avanza el recorrido, el tejido cambia de tonalidades, patrones y diseños para representar elementos característicos de cada uno de los países participantes.Desde el Taegeuk, símbolo central de la bandera de Corea del Sur y representación del equilibrio y la armonía, hasta el tradicional sombrero vueltiao colombiano, pasando por una trama inspirada en la Piedra del Sol como homenaje a México y motivos florales vinculados al flamenco español, la obra transforma el recorrido por Zapopan en un viaje cultural que une a las naciones a través del arte y el fútbol.<h2>Cielo Tejido, el arte detrás del homenaje mundialista</h2>Detrás del proyecto artístico que envuelve a las selecciones que dejarán su huella en Guadalajara durante la actual Copa del Mundo se encuentra Cielo Tejido, una organización nacida en Etzatlán y fundada por Lorena Ron junto a su madre, Paloma Sciordia. Con más de 200 tejedoras que mantienen viva la tradición artesanal mexicana, el colectivo se convirtió en un movimiento artístico reconocido a nivel internacional y en uno de los grandes exponentes del arte textil urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1a84fe8d40.png" alt=""><figcaption>El talento de Cielo Tejido en la fachada de Casa de México en Madrid (Cielo Tejido).</figcaption></figure>A lo largo de los años, Cielo Tejido llevó sus creaciones mucho más allá de las calles de Jalisco. Uno de sus trabajos más emblemáticos fue un gigantesco pabellón tejido de 2.850 metros cuadrados que cubrió cuatro calles del centro de Etzatlán, una intervención que incluso obtuvo un récord Guinness. Su arte también llegó a ciudades como Bruselas, Miami y Nevada, además de formar parte de la Expo 2020 Dubai, consolidando un proyecto que combina tradición, identidad y participación comunitaria.Con el cielo mundialista de Guadalajara, el colectivo vuelve a demostrar que el tejido puede transformarse en una herramienta de encuentro cultural, capaz de unir deporte, arte y patrimonio local en una misma obra, dejando una de las postales más llamativas de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá.

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El gigantesco cielo tejido que homenajea al Mundial en Guadalajara

Afonsoul utiliza el espacio público como un lienzo para la resiliencia. Este artista visual brasileño, hoy radicado en Portugal, define su búsqueda como una mezcla de elementos figurativos y abstractos orientada a la expresión humana, donde cada mural funciona como un puente de pertenencia y colectividad que invita al diálogo.<h3>El ritual de la creación urbana</h3>En la obra de este muralista, los conceptos de identidad y esperanza en tiempos difíciles son constantes que ofrecen un punto de pausa en el caos citadino. Tiene un proceso creativo que nace de una sensación u observación personal. Luego, lo traduce en sketches digitales y fotos de referencia, aunque siempre deja margen para el improviso. &quot;En la calle, el proceso se vuelve casi un ritual donde la obra se construye técnica y emocionalmente&quot;, detalla Afonsoul.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7667353cb.png" alt=""><figcaption>Bajo el título &quot;Las pequeñas rebeliones&quot;, esta colección de Afonsoul define el acto de soñar como un ejercicio de resistencia y una luz interna.</figcaption></figure><h3>El reconocimiento internacional</h3>Al instalarse en Lisboa, su trabajo ganó un control técnico que limitó al &quot;ser explorador&quot; de sus inicios, llevándolo a buscar hoy un equilibrio entre la maestría y la disonancia formal para añadir intensidad.Dos obras marcaron su carrera: &quot;Origens&quot; (2022) en São Paulo, que le abrió las puertas de la escena regional, y el mural que le valió el segundo puesto mundial en Street Art Cities en 2024. &quot;Fue un divisor de aguas porque confirmó que estaba construyendo un lenguaje fuerte e internacional&quot;, reconoce Afonsoul.<h3>Del refugio pandémico a la conquista de la calle</h3>Afonso de Oliveira inició su vínculo con la creación gracias a la curiosidad infantil, pero la verdadera transformación profesional ocurrió cuando decidió utilizar la pintura como una válvula de escape ante la crisis global. &quot;Me reconecté durante la pandemia, que fue cuando me sumergí de lleno en este mundo y utilicé el arte como refugio&quot;, cuenta. Esa necesidad de lenguaje y presencia lo empujó hacia el espacio público, atraído por una fuerza que no entiende de jerarquías académicas. &quot;La calle no pide permiso para existir, es viva, directa y fluida&quot;, explica Afonsoul, quien buscaba que su obra fuera accesible y cotidiana para quienes jamás visitan una galería.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c86d1f0512.png" alt=""><figcaption>Inspirado por la emoción de sus raíces, Afonsoul intervino la Casa Arraiá con un muro que celebra el éxito de un camino que une a Santos con el mundo.</figcaption></figure><h3>Los desafíos del entorno urbano</h3>Para el artista, la colaboración y el aprendizaje constante son fundamentales. Mantiene una relación estrecha con la comunidad artística. Respecto a la efimeridad del soporte urbano, la acepta como una característica intrínseca de su belleza, incluso cuando sus mejores trabajos han sido cubiertos en apenas 12 horas. &quot;Aunque la obra desaparezca físicamente, permanece en la experiencia de quien la vio&quot;, reflexiona Afonsoul.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/despues-de-dos-anos-maxi-bagnasco-volvio-a-pintar-en-buenos-aires/1707">Después de dos años, Maxi Bagnasco volvió a pintar en Buenos Aires</a>En cuanto a los obstáculos, menciona las burocracias de Lisboa y el clima, pero enfatiza que el reto mayor es la humildad. &quot;El ejercicio de dejar el ego de lado y ponerse en el papel del otro es lo más desafiante&quot;, asegura Afonsoul, con el entendimiento de que la arquitectura y la luz del lugar son coautores del resultado final.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f21ef1d98d.png" alt=""><figcaption>Con el mural titulado &quot;La soñadora&quot;, Afonsoul simbolizó la resistencia del foco y la pasión personal, recordándonos que el sueño es siempre superior a la fragilidad de nuestro barco o la fuerza de la marea.</figcaption></figure><h3>Redes sociales y la visión sobre América Latina</h3>Si bien las redes sociales son herramientas de difusión clave, su foco permanece en la conexión real. Al observar el panorama en su tierra natal, ve una autenticidad y urgencia envidiables, nacidas de la necesidad cultural frente a la falta de incentivos institucionales. &quot;La esperanza y alegría de nuestro pueblo es visible en nuestra producción artística&quot;, sostiene.Como cierre de su aprendizaje, enfatiza que la consistencia vence al talento y que la inspiración solo llega a través de la disciplina. &quot;El mundo se enamorará de lo que tienes para decir, no de lo que otros dicen y tú simplemente repites&quot;, aconseja Afonsoul a quienes se inician en este camino de intensidad y humanismo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/?hl=es-la"></oembed></figure>TAGSENTREVISTAMURALISMOBRASIL

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Afonsoul: “utilizo el arte como refugio”

La próxima Copa del Mundo también tendrá a la moda como protagonista y Uruguay apostó fuerte en ese terreno: la diseñadora sustentable Gabriela Hearst fue elegida como la responsable del diseño de los uniformes mundialistas que la selección dirigida por Marcelo Bielsa utilizará en la cita de Estados Unidos, México y Canadá.<h2>¿Quién es Gabriela Hearst, la diseñadora detrás de los uniformes mundialistas de Uruguay?</h2>El escenario de la próxima Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá no solo será el epicentro donde superestrellas internacionales del balompié como Lionel Messi, Kylian Mbappé, Neymar Jr., Cristiano Ronaldo y Harry Kane convivirán siendo, seguramente, el principal foco de atención. Y es que la máxima competencia del fútbol de selecciones también volverá a convertirse en un escenario donde la industria textil y la moda tendrán un protagonismo cada vez más importante.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fe150f2409.png" alt=""><figcaption>Gabriela Hearst, la responsable de los uniformes mundialistas de Uruguay (Kevin Trageser).</figcaption></figure>No solo desde los uniformes y camisetas que utilizarán los distintos combinados nacionales —como el caso de la selección brasileña y su colaboración junto a Jordan Brand—, sino también mediante el desembarco de firmas internacionales como Zara y Thrasher, que ya comenzaron a dejar su propia impronta con colecciones y lanzamientos inspirados ciento por ciento en la vibra mundialista.Y una de las selecciones que seguramente dará que hablar por su estética será Uruguay. El combinado dirigido por Marcelo Bielsa tendrá como responsable del diseño oficial de sus uniformes mundialistas a Gabriela Hearst, una de las diseñadoras latinoamericanas más importantes de la actualidad y una figura que logró unir lujo, identidad sudamericana y sustentabilidad dentro de la industria de la moda internacional.Nacida en Uruguay y criada en la estancia familiar de ganado vacuno y ovejas merino en Paysandú, Gabriela Hearst pertenece a la séptima generación de una familia agropecuaria y se convirtió, con el correr de los años, en una de las grandes potencias creativas del diseño uruguayo tanto a nivel latinoamericano como internacional. Criada en un entorno donde el concepto de lujo estaba relacionado con la durabilidad, el trabajo artesanal y las piezas hechas para perdurar en el tiempo, la diseñadora trasladó esa filosofía a cada una de sus colecciones.La uruguaya lanzó su firma homónima en el año 2015 con el objetivo de construir una marca con propósito detrás de cada diseño: colecciones de lujo atravesadas por la conciencia ambiental y la sustentabilidad. Pionera en la utilización de materiales reutilizados, tejidos sobrantes y políticas enfocadas en la reducción del plástico, Hearst se consolidó rápidamente como una de las grandes voces de la moda sustentable contemporánea.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b715102ab8.png" alt=""><figcaption>Diseño hecho por la propia Gabriela Hearst (Instagram/Gabriela Hearst).</figcaption></figure>Ganadora de reconocimientos como el International Woolmark Prize, el Fashion Visionary Award del Pratt Institute y el Infinity Award del International Center of Photography, además de haber sido incluida en la lista inaugural National Geographic 33 —que destaca a agentes de cambio cuyas ideas e influencias ayudan a construir un futuro mejor para el planeta—, Gabriela Hearst no solo se transformó en un emblema de la moda uruguaya y sostenible, sino también en la figura detrás de la imagen con la que Uruguay buscará dejar su huella en la próxima Copa del Mundo.<h2>Así son los trajes mundialistas de Uruguay diseñados por Gabriela Hearst</h2>El estreno oficial de los diseños de Gabriela Hearst no tardó en llegar. En el debut de la Selección uruguaya frente a Arabia Saudita en el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, el plantel dirigido por Marcelo Bielsa dejó ver por primera vez los trajes creados por la diseñadora uruguaya, llevando a la máxima cita del fútbol una propuesta donde la elegancia, la identidad nacional y la sustentabilidad conviven en una misma pieza.El elemento central de la propuesta diseñada por Gabriela Hearst es la lana uruguaya, un material que funciona como símbolo de la identidad y la tradición productiva del país sudamericano. Cada conjunto está confeccionado íntegramente con esta fibra y se compone de un blazer de dos botones inspirado en la sastrería italiana clásica, pantalones de pernera recta ligeramente ajustada y una camiseta polo de micromerino color marfil.Como detalle distintivo, el interior del saco incorpora un forro de jacquard de seda tejido con el escudo nacional y personalizado con la fecha de la Copa del Mundo y el nombre de cada futbolista bordado a mano, mientras que el look se completa con las zapatillas Ohio de cuero blanco texturizado, fabricadas con un 30% de materiales reciclados.Por su parte, el cuerpo técnico luce una variante compuesta por los mismos trajes, acompañados por camisas blancas de popelina y corbatas de sarga de seda azul marino con el escudo uruguayo bordado. Además, las fibras utilizadas para la confección de las prendas provienen directamente de establecimientos rurales del norte de Uruguay, reforzando el vínculo entre la colección, la sustentabilidad y la producción local.Más allá de lo deportivo, la aparición de los trajes durante la Copa del Mundo terminó de consolidar una de las colaboraciones más llamativas del torneo, uniendo el prestigio de una de las diseñadoras latinoamericanas más importantes del mundo con la historia y la tradición de la selección uruguaya.

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Gabriela Hearst, la mente detrás de la imagen mundialista de Uruguay

El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá ya comenzó a regalar historias inolvidables, y entre ellas aparecen Luchito e Iker, dos pequeños aficionados mexicanos que emocionaron a millones de personas.<h2>Luchito y el encuentro con la selección de Sudáfrica que emocionó al Mundial</h2>Si hay algo que caracteriza a cada edición de la Copa del Mundo, además de los goles y las sorpresas dentro del campo de juego, son las historias virales, inéditas e ingeniosas que conquistan el cariño de los fanáticos y se apoderan de las redes sociales. Y una de las más emotivas en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá tuvo como protagonistas a Luchito, un pequeño niño oriundo de Pachuca, y a la selección de Sudáfrica.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@aztecadeportes/video/7647289436664876309?q=luis%20ni%C3%B1o%20sudafrica%20mundial%20mexico&amp;t=1781290360909"></oembed></figure>Y es que Luis se convirtió en uno de los primeros personajes virales de esta edición de la Copa del Mundo. El pequeño mexicano se acercó al hotel de concentración del conjunto africano con una pancarta hecha a mano donde dibujó la bandera de Sudáfrica, les daba la bienvenida a México y pedía autógrafos para completar el espacio dedicado a la selección en su álbum de figuritas. Mientras esperaba la salida del plantel, Luchito agitaba su cartel de un lado a otro y hasta recreaba el icónico festejo de Siphiwe Tshabalala, autor del histórico primer gol del Mundial de Sudáfrica, en un gesto que rápidamente llamó la atención de quienes estaban en el lugar.Y cuando parecía que la espera no tendría recompensa, apareció el entrenador Hugo Broos, quien se acercó para firmarle el álbum y sorprenderlo con una camiseta oficial de la Selección sudafricana. Pero la historia no terminó ahí: uno a uno, los futbolistas comenzaron a salir del hotel, se acercaron a Luchito para firmarle autógrafos, tomarse fotografías con él e incluso enseñarle algunos de los saludos tradicionales del equipo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e03be281c.png" alt=""><figcaption>Hugo Broos, Luchito y Ronwen Williams en el hotel de concentración de Sudáfrica durante el Mundial (Instagram/Bafana Bafana).</figcaption></figure>Las imágenes recorrieron las redes sociales en cuestión de horas y convirtieron a Luchito en una de las primeras grandes historias virales del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, demostrando que, más allá de los goles y los resultados, el fútbol siempre encuentra espacio para los gestos que emocionan a los fanáticos.<h2>Iker y la camiseta hecha con paquetes de frituras que emocionó a México</h2>Pero Luchito no fue la única historia que conquistó las redes sociales durante las primeras horas del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá. Otra de las imágenes más compartidas tuvo como protagonista a Iker, un pequeño aficionado mexicano que encontró una ingeniosa manera de alentar a su selección.Y es que, ante la imposibilidad de comprar una camiseta oficial del Tri para vivir la Copa del Mundo, el niño decidió fabricar la suya propia. Con una playera de manga larga color verde, el tono característico de la Selección mexicana, tomó una tijera y comenzó a recortar envoltorios de frituras de marcas como Cheetos y Doritos.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@elparientechango/video/7643148580571630862?q=iker%20ni%C3%B1o%20playtera%20mexcio&amp;t=1781290294116"></oembed></figure>De esos paquetes extrajo el escudo de la Selección mexicana y una imagen alusiva al trofeo del Mundial, que luego pegó cuidadosamente sobre la camiseta: el emblema del Tri en el lado izquierdo y el logotipo del torneo en el derecho, creando así su propia versión de la playera nacional para acompañar a México durante la cita mundialista.El momento fue grabado por su madre y compartido en redes sociales, donde rápidamente se volvió viral, acumulando millones de reproducciones, miles de comentarios y reacciones de usuarios que destacaron la creatividad y el entusiasmo del pequeño por apoyar a su selección.La historia llegó incluso hasta la propia Selección mexicana, que decidió sumarse al gesto y solicitó los datos de la familia para enviarle a Iker una camiseta oficial del Tri, permitiéndole seguir alentando a su país durante el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá con la playera que tanto soñaba tener.Porque si algo demuestran historias como la de Iker, es que el espíritu mundialista muchas veces no se mide por el valor de una camiseta, sino por la pasión con la que se vive el fútbol.

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Luchito e Iker, los niños mexicanos virales del Mundial

El Mundial de Estados Unidos, México y Canadá no solo marcará el encuentro de las mejores selecciones del planeta, sino también la consolidación de un fenómeno que crece edición tras edición: la unión entre fútbol y moda urbana.<h2>Cuando el Mundial se convierte en una pasarela global</h2>La llegada de la Copa del Mundo no solo volvió a transformar al planeta en una gigantesca comunidad futbolera, donde la fiebre mundialista se apodera de cada rincón y se convierte en el tema central de conversación. También puso en primer plano un elemento que, si bien siempre estuvo presente en pasadas ediciones del torneo, nunca había tenido un protagonismo tan marcado como en esta: la moda.Y es que el impacto del Mundial no se limita únicamente a los uniformes que vestirán las selecciones o a los botines que utilizarán las principales estrellas dentro del campo de juego. La competencia también se convirtió en un escenario ideal para que distintas firmas del universo streetwear y la moda urbana desarrollaran colaboraciones especiales junto a combinados nacionales, creando prendas que trascienden el deporte y conectan directamente con la cultura popular.Los ejemplos son numerosos. Desde la influencia de Jordan Brand en la Selección brasileña, pasando por las colecciones de Zara inspiradas en momentos históricos de la Copa del Mundo hasta proyectos como la colaboración entre Thrasher, adidas y la Selección argentina. Sin embargo, este fenómeno no se limita a Latinoamérica y se expandió a distintos rincones del planeta, donde algunas de las marcas más influyentes del streetwear encontraron en el fútbol una nueva forma de expresión.Entre los casos más destacados aparecen la alianza entre Drake y NOCTA junto a Canadá, la unión de Patta y Nike con Países Bajos, el proyecto impulsado por los archivos creativos de Virgil Abloh para Estados Unidos y la histórica colaboración entre Palace e Inglaterra: cuatro ejemplos que reflejan cómo el Mundial dejó de ser únicamente una competencia deportiva para convertirse también en una plataforma global para la moda y la cultura urbana.<h2>NOCTA x Canadá: Drake lleva su sello al Mundial</h2>Una de las colaboraciones más comentadas de la previa mundialista tiene como protagonista a Canadá, una de las selecciones anfitrionas del torneo. A través de NOCTA, su firma desarrollada junto a Nike, el rapero canadiense Drake trasladó su universo estético al fútbol con la colección “X2”, diseñada especialmente para acompañar al combinado norteamericano en su camino por la Copa del Mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_faaeb1a8f4.png" alt=""><figcaption>Canadá x Nike x NOCTA (NOCTA).</figcaption></figure>La cápsula combina prendas de entrenamiento, conjuntos tracksuit, accesorios y una reinterpretación especial de las Nike Cryoshot, un modelo inspirado en las históricas Tiempo 94, uno de los botines más emblemáticos de la marca estadounidense. Todo el proyecto se apoya en una paleta dominada por el negro y el dorado, complementada con guiños directos a la identidad canadiense, como la presencia del escudo nacional y la clásica hoja de maple que funciona como símbolo del país.Más allá de lo deportivo, la colección representa la unión entre una de las figuras más influyentes de la música contemporánea y una selección que buscará hacer historia frente a su público en la máxima cita del fútbol mundial.<h2>Patta x Nike x Países Bajos: el naranja holandés se cruza con el streetwear</h2>La conexión entre Países BGajos y el universo de la moda urbana también tuvo uno de los lanzamientos más destacados de la previa mundialista. En esta oportunidad, la histórica alianza entre Nike y la firma neerlandesa Patta volvió a unirse para presentar una colección especial inspirada en la Oranje rumbo a la Copa del Mundo.Reconocida por convertirse en una de las marcas más influyentes de la escena streetwear europea, Patta trasladó su identidad a una cápsula que combina camisetas, hoodies, camperas y distintas prendas de entrenamiento donde conviven los logos de Nike, la selección neerlandesa y la propia firma de Ámsterdam. Todo ello atravesado por la clásica paleta naranja que identifica al combinado nacional, acompañada por detalles en azul marino, negro y referencias al emblemático león que forma parte de la iconografía futbolística de los Países Bajos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYt5il4oIRM/"></oembed></figure>La colección también incluye una edición especial de las Nike Cryoshot, reinterpretadas bajo la estética holandesa y pensadas para trasladar la esencia del fútbol al terreno del lifestyle. Como parte de la campaña de lanzamiento, figuras históricas y contemporáneas del fútbol neerlandés como Virgil van Dijk y Edgar Davids fueron algunos de los protagonistas elegidos para presentar una propuesta que vuelve a demostrar cómo el Mundial se transformó en un punto de encuentro entre la moda urbana y la cultura futbolera.<h2>El legado de Virgil Abloh llega al Mundial con Estados Unidos</h2>Otra de las selecciones anfitrionas que decidió unir fútbol y moda de cara a la Copa del Mundo fue Estados Unidos. Y lo hizo a través de una colaboración cargada de simbolismo, diseño y peso cultural. Nike presentó una nueva cápsula desarrollada junto a Virgil Abloh Archive, el proyecto encargado de preservar y expandir el legado creativo del fundador de Off-White, llevando su visión al universo futbolero.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5517b64d31.png" alt=""><figcaption>El futbolista Christian Pulisic vistiendo la colección entre Nike, Estados Unidos y Virgil Abloh Archive (Just Fresh Kicks).</figcaption></figure>La colección combina indumentaria, accesorios y una edición especial de las Nike Cryoshot, todo atravesado por los códigos visuales que transformaron a Abloh en una de las figuras más influyentes de la moda contemporánea. Logos sobredimensionados, detalles gráficos inspirados en la identidad estadounidense, tipografías industriales y los característicos textos entrecomillados aparecen distribuidos a lo largo de las prendas, generando una propuesta que funciona tanto dentro como fuera de las canchas.Con una paleta dominada por los colores patrióticos de Estados Unidos y una estética que fusiona deporte, diseño y cultura urbana, la cápsula reafirma el impacto que la obra de Virgil Abloh continúa teniendo años después de su fallecimiento. Una colección que no solo acompaña el camino mundialista de la selección anfitriona, sino que también celebra la influencia de uno de los creativos más revolucionarios de las últimas décadas.<h2>Palace x Inglaterra: streetwear londinense para los Three Lions</h2>Si hubo una colaboración capaz de unir la tradición del fútbol inglés con la estética del streetwear británico contemporáneo, esa fue la que protagonizaron Palace, Nike y la selección de Inglaterra. De cara a la Copa del Mundo, la histórica firma nacida en Londres presentó una cápsula especial junto a los Three Lions, llevando su característico lenguaje visual al universo del fútbol internacional.Con figuras como Harry Kane, Bukayo Saka, Marcus Rashford y Kobbie Mainoo al frente de la campaña, la colección combina la identidad clásica de Inglaterra con el ADN urbano de Palace: la propuesta se mueve sobre una paleta dominada por los tonos rojo, blanco y gris, reinterpretando algunos de los códigos más reconocibles del combinado nacional.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_23c989205d.png" alt=""><figcaption>Palace x Nike x Inglaterra (Palace).</figcaption></figure>Entre las piezas destacadas aparecen camisetas pre-match, shorts, conjuntos deportivos y chaquetas inspiradas en las clásicas prendas universitarias, donde conviven el escudo de la Selección inglesa, el Swoosh de Nike y el inconfundible logo Tri-Ferg de Palace. Una cápsula que no solo acompaña el camino mundialista de Inglaterra, sino que también reafirma cómo el fútbol y la moda urbana continúan construyendo un vínculo cada vez más fuerte dentro y fuera de las canchas.

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