En la era del&nbsp;streetwear y los&nbsp;drops instantáneos, hasta el cartón tiene su historia. La duda que es viral entre los fanáticos del estilo urbano no es sobre un logo ni una colaboración limitada, sino algo mucho más cotidiano:&nbsp;¿cuántas prendas entran en una caja de Mercado Libre?La pregunta parece salida de una charla de pasillo. Esa&nbsp;caja marrón y amarilla, que cruza barrios, ciudades y fronteras, se volvió el nuevo contenedor de la cultura urbana. Detrás de cada envío hay una narrativa que mezcla ansiedad, deseo y una estética que se multiplica desde la pantalla hasta la vereda.<h2>El hype del cartón</h2>Todo comenzó en las redes sociales. Un creador de contenido argentino grabó cuántas prendas de&nbsp;moda urbana podía meter en una caja de Mercado Libre sin arruinar el look. Entre&nbsp;buzos oversize,&nbsp;camisetas gráficas,&nbsp;joggers y una&nbsp;gorra trucker.Muchos usuarios replicaron el reto, y la caja pasó de ser un simple objeto logístico a un&nbsp;ícono del consumo streetwear. Según cálculos de la comunidad, la caja mediana de&nbsp;Mercado Libre puede contener entre&nbsp;6 y 8 prendas completas, dependiendo del tipo de tela y el doblado. Si se trata de remeras o shorts, pueden entrar hasta&nbsp;12 piezas perfectamente ajustadas.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/moda_urbana_envio_mercado_libre_hype_carton_webp_a8a6e82cbb.jpg"> El streetwear, la moda que se impone.Pero el número exacto es lo de menos. Lo que importa es que esa caja representa una forma de vivir la moda, donde el estilo se&nbsp;despacha desde una app y llega directo a la puerta.<h2>Mercado Libre, el nuevo escaparate</h2>En Argentina, el&nbsp;streetwear independiente encontró en&nbsp;Mercado Libre un aliado inesperado. La plataforma, pensada para todo tipo de productos, se transformó en el&nbsp;nuevo escaparate de la cultura urbana. Los diseñadores usan el sistema de envíos para hacer llegar sus colecciones a cualquier punto del país.Lo cierto es que detrás de cada caja puede haber un&nbsp;hoodie edición limitada, una&nbsp;colaboración entre artistas o una&nbsp;camiseta intervenida a mano. Lo que antes requería buscar en ferias o showrooms, de un tiempo a esta parte, llega en 48 horas y sin intermediarios.<h2>Envíos con actitud</h2>Abrir una caja se volvió parte del ritual. Los videos de&nbsp;unboxing se comparten como si fueran videoclips, y el momento del “click en comprar” se siente tan emocionante como estrenar la prenda.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/streetwear_unboxing_caja_mercado_libre_cuantas_prendas_jpg_1ed18783e7.jpg"> La sensación incomparable del unboxing.La caja de&nbsp;Mercado Libre transporta historias, emociones y códigos. Cada envío refleja la velocidad del presente, donde la identidad se mueve con la misma agilidad que un repartidor en moto cruzando Buenos Aires.

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¿Cuántas prendas entran en una caja de Mercado Libre?

Ubicado en la costa occidental de América del Sur y conocido por su diversidad geográfica, cultural e histórica, Perú también forma parte de la lista de países latinoamericanos con un gran oferta de ciudades con sitios turísticos para el disfrute de propios y ajenos como Lima, Cusco y Arequipa.&nbsp;<h2>Lima</h2>Además de ser la capital de Perú, Lima ofrece un amplio abanico de destinos turísticos marcados por una rica mezcla de historia, cultura, gastronomía y modernidad. Fundado por el conquistador español Francisco Pizarro, el Centro Histórico es el núcleo urbano de la metrópoli y uno de los tantos atractivos que presenta la ciudad. El sitio cuenta con la Plaza Mayor, que está rodeada por edificios históricos como la Catedral de Lima, el Palacio de Gobierno y el Palacio Arzobispal, e iglesias y conventos tales como la Basílica y Convento de Santo Domingo, que alberga tumbas de figuras importantes como Santa Rosa de Lima.Barranco es uno de los distritos que componen a la ciudad de Lima. El barrio cuenta con sitios como el Puente de los Suspiros, un lugar icónico rodeado de arte urbano e ideal para pasear y disfrutar de las vistas del Pacífico, museos y galerías de arte y una gran oferta de bares y discotecas que destacan la cultura urbana limeña.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_PERU_2_c54f90c945.jpg"> El interior de la Catedral de Lima (Expedia).Si bien no forma parte de la lista de sitios turísticos, la gastronomía de Lima es otro de los puntos fuertes de la ciudad peruana. Restaurantes como Central, Maido o La Mar son lugares ideales para degustar platillos tradicionales como ceviche, lomo saltado o ají de gallina.A su vez, Pachacámac, sitio arqueológico y uno de los principales centros ceremoniales preincaicos de la región costera de Perú, y Costa Verde, franja costera donde se puede disfrutar de las playas de Lima y realizar deportes acuáticos como el surf o simplemente disfrutar del paisaje son otros de los sitios ideales para visitar de la capital peruana.<h2>Cusco</h2>Además de ser la antigua capital del Imperio Inca y la puerta de entrada a Machu Picchu, histórico sitio de Perú y una de las siete maravillas del mundo, Cusco es otra de las ciudades peruanas llenas de lugares impactantes.&nbsp;Ubicado en un palacio en la calle Hatun Rumiyoc, la Piedra de los doce ángulos es uno de los atractivos turísticos de la ciudad. El bloque, que está categorizado como Patrimonio Cultural de la Nación del Perú, está compuesto por una formación diorita y ganó reconocimiento por su gran acabado y bordeado.Conocido por sus pequeñas tiendas de artesanía, galerías de arte y cafés escondidos, San Blas es uno de los barrios más reconocidos de Cusco. La Plazoleta San Blas y el Museo Taller del escultor Hilario Mendívil, uno de los artesanos peruanos más importantes del siglo XX, son algunos de los puntos obligatorios de recorrer del barrio cusqueño.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_PERU_3_8625888551.jpg"></figure>Las calles del barrio San Blas (Expedia).Otra característica de Cusco es la amplía oferta de sitios arqueológicos incas como Sacsayhuaman, fortaleza construida con imponentes bloques de piedra que ofrece una magnífica vista sobre Cusco, Qenqo, sitio ceremonial donde se realizaban sacrificios y la momificación de los nobles incas, Puca Pucara, fortaleza militar con muros macizos, terrazas y escaleras, y Tambomachay, lugar de culto al agua y un sitio de descanso para la élite Inca.<h2>Arequipa</h2>Conocida como la Ciudad Blanca por sus edificaciones de sillar, una piedra volcánica blanca, Arequipa también integra la lista de ciudades peruanas con atractivos turísticos.El Monasterio de Santa Catalina es uno de los sitios más emblemáticos de la metrópoli. Con calles estrechas, plazas y casas pintadas de colores vivos, el convento forma parte de la historia de la ciudad ya que ha servido como refugio para monjas de clausura.A su vez, Arequipa está rodeada por imponentes volcanes, entre los que se destacan Misti, Chachani y Pichu Pichu, que cuentan con excursiones para escalarlos o simplemente acercarse y admirarlos desde abajo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CIUDADES_PERU_4_e994d81630.jpg"> El volcán Misti, el más impactante de los siete que contiene Arequipa (El Búho).Al igual que Lima y Cusco, la metrópoli también cuenta con una gran variedad de platillos tradicionales como el rocoto relleno, un pimiento picante relleno de carne, huevo y queso, el adobo arequipeño, un guiso de cerdo en adobo de chicha y especias y la ocopa, un plato hecho de papas con una salsa a base de maní, ají y hierbas.

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Lima, Cusco y Arequipa: las tres ciudades imperdibles de Perú

Situado en la región central de la ciudad de&nbsp;São Paulo, Brasil,&nbsp;Consolaçao&nbsp;es una de las regiones históricas y culturales más importantes del municipio. La vida nocturna vibrante, la rica escena cultural y la arquitectura que mezcla edificios significativos con desarrollos modernos son algunos de los aspectos que destacan al distrito, que está conformado por los barrios de&nbsp;Consolação,&nbsp;Higienópolis,&nbsp;Vila Buarque y&nbsp;Pacaembu.<h2>Arte y arquitectura</h2>Uno de los puntos más destacados de&nbsp;Consolação&nbsp;es su riqueza cultural. El distrito ubicado en&nbsp;São Paulo cuenta con un amplio abanico de galerías de arte, teatros y centros culturales. A su vez,&nbsp;Consolação&nbsp;es un distrito donde se puede encontrar una mezcla de arquitectura modernista y colonial. Algunos edificios históricos se conservan entre nuevas construcciones, lo que le da un carácter único al área.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CONSOLACAO_2_929360a883.png"></figure>La Iglesia de Nuestra Señora de la Consolación y San Juan Bautista, parte de la historia de Consolaçao (Flickr).<h2>¿Qué visitar en Consolação?</h2>La&nbsp;Avenida Paulista forma parte de la lista de los sitios más característicos del distrito. Aunque se encuentra justo al lado de&nbsp;Consolação, esta famosa calle es uno de los principales centros financieros de Brasil y uno de los lugares más icónicos de la ciudad. La avenida está llena de museos, centros comerciales, restaurantes y eventos culturales, que la vuelven un sitio turístico y necesario de recorrer.Rua Augusta es una de las calles más icónicas del distrito de&nbsp;São Paulo, conocida por su vibrante vida nocturna, bares, clubs y tiendas alternativas. El bulevar es el corazón de la cultura urbana del distrito, donde se puede pasear, disfrutar de los graffitis, la cultura urbana y el ambiente joven. También es ideal para conocer tiendas de moda independiente y disfrutar de la gastronomía local.&nbsp;Otro de los lugares más destacados del distrito paulista es el Teatro Augusta, conocido por sus obras innovadoras y espectáculos alternativos. Además de ser un lugar importante para la escena teatral independiente en&nbsp;São Paulo, el teatro ofrece una variedad de espectáculos que va desde obras de teatro hasta performances y eventos culturales.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=vwQqH1YjUm8"></oembed></figure>Aunque pueda sonar algo inusual, el&nbsp;Cemitério da Consolação también se ubica entre los sitios más visitados en el distrito de&nbsp;São Paulo. Además de ser uno de los cementerios más antiguos y famosos de&nbsp;São Paulo, el sitio alberga las tumbas de muchas figuras ilustres de la historia brasileña tales como Tarsila do Amaral, Mário de Andrade o Monteiro Lobato. Consolação&nbsp;cuenta con una variedad de lugares que ofrecen una mezcla perfecta de cultura, arte, historia y entretenimiento para conocer a la perfección el distrito.

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Consolação: el distrito paulista que mezcla arte urbano y tradición

Desde sus inicios,&nbsp;El Quinto Escalón se destacó por su capacidad para atraer a los talentos más prometedores del&nbsp;freestyle. Lo que comenzó&nbsp;en las calles de Buenos Aires pronto se transformó en un fenómeno de enorme repercusión. Las batallas que se llevaban a cabo en&nbsp;Parque Rivadavia se convirtieron en eventos de gran envergadura, que generaban la atracción de multitudes.<h2>El origen</h2>A principios del 2012, un grupo de&nbsp;freestylers, con Muphasa a la cabeza,&nbsp;decidió utilizar una plaza como un lugar para exhibir sus habilidades. Lo que comenzó como una reunión casual entre amigos pronto evolucionó masivamente. Cada semana, cientos de jóvenes se enfrentaban en batallas de&nbsp;freestyle, donde la&nbsp;agilidad mental y la creatividad se ponían a prueba en un formato de improvisación. Estos encuentros ofrecieron una plataforma para que los artistas emergieran y crearán una comunidad unida.La esencia de la competencia radicaba en su capacidad para&nbsp;democratizar el acceso a la fama.&nbsp;Mientras que las batallas&nbsp;en otros lugares requerían conexiones y recursos, esta ofreció una oportunidad equitativa para todos los participantes. Su filosofía permitió que una amplia gama de artistas pudieran demostrar su valía y ser reconocidos por su habilidad. El impacto de El Quinto Escalón se refleja en los nombres que emergieron de sus filas. Artistas como&nbsp;Trueno, Wos, Sony, Lit Killah, MKS, Klan, Duki, Paulo Londra, Ecko, Acru, Wolf y MP fueron parte fundamental de este movimiento. Cada uno con sus estilos únicos y sus aportes individuales, ayudaron a moldear la escena del&nbsp;freestyle&nbsp;y el rap en Argentina. Los enfrentamientos fueron momentos decisivos en sus trayectorias, que impulsaron sus carreras y les permitieron alcanzar un reconocimiento que se tradujo en éxito.<h2>Batallas memorables</h2>Wos, una de las leyendas del freestyle argentino, demostró su habilidad y logró adquirir una base sólida para su posterior éxito en el ámbito musical. La final entre Wos y Dtoke, dos de los nombres más prominentes del en la práctica de este arte, es recordada como uno de los eventos más emblemáticos de la competencia. Dtoke, en ese entonces una revelación en el movimiento, se enfrentó al&nbsp;bicampeón argentino y campeón mundial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/5_TO_ESCALON_FOTO_2_f9a866e20d.jpg"></figure>Wos es una voz activa en cuestiones sociales y políticas, con su alcance mediático supo abordar temas como la desigualdad y la injusticia [Imagen], por Vía País.<h2>Un legado eterno</h2>La integración de elementos culturales adicionales enriquecieron la experiencia, porque no solo se limitaron a enfrentamientos verbales, sino que se convirtieron en una celebración de la cultura urbana. Sin embargo, no estuvo exento de desafíos, a medida que el evento se popularizó, también atrajo la atención de la prensa y autoridades. Las colosales reuniones, que en su mayoría eran informales, provocaron preocupaciones sobre el orden público y la seguridad. Estas tensiones llevaron a una serie de conflictos y regulaciones que impactaron en el funcionamiento del evento.&nbsp;Con el tiempo, el éxito llevó a los organizadores a enfrentar nuevos retos. La plaza, que una vez fue el epicentro de la competencia, dejó de serlo y decidieron enfocarse en nuevos proyectos, lo que marcó&nbsp;el fin de una era para El Quinto Escalón. En su última edición, el evento se realizó en un escenario más grande, y representó el cierre de un capítulo importante y un testimonio del crecimiento del&nbsp;freestyle&nbsp;en Argentina.&nbsp;Su legado persiste en la forma en que los artistas y los fans continúan la celebración de la cultura que nació en Parque Rivadavia. La historia se conserva en&nbsp;el canal de YouTube de Juancín, donde se puede revivir la esencia de aquellos momentos inolvidables.

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El Quinto Escalón, un eterno ícono urbano

La&nbsp;cultura musical&nbsp;de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;siempre ha estado ligada a la&nbsp;música tropical&nbsp;como el&nbsp;merengue&nbsp;o la&nbsp;bachata&nbsp;y a&nbsp;ritmos&nbsp;más&nbsp;internacionales&nbsp;tales como el&nbsp;pop&nbsp;y el&nbsp;reguetón. Sin embargo, el&nbsp;trap&nbsp;ha sido uno de los&nbsp;géneros&nbsp;que&nbsp;más impacto ha generado en el&nbsp;continente&nbsp;en el último tiempo.<h2>Influencia de Estados Unidos</h2>No hay dudas de que el&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;debe gran parte de su&nbsp;identidad&nbsp;al trap originado en la&nbsp;década de los 90 en el&nbsp;sur&nbsp;de&nbsp;Estados Unidos, particularmente en&nbsp;Atlanta,&nbsp;Georgia. Pioneros del género como&nbsp;T.I.,&nbsp;Gucci Mane y&nbsp;Young Jeezy establecieron los&nbsp;elementos característicos del&nbsp;trap:&nbsp;ritmos de 808 profundos,&nbsp;hi-hats rápidos y&nbsp;letras&nbsp;que retratan la&nbsp;vida&nbsp;en la&nbsp;calle. La influencia pactada por los traperos norteamericanos llegó a&nbsp;Latinoamérica, donde artistas locales empezaron a adaptar el sonido a sus contextos culturales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_TRAP_LATINO_2_dd04893894.jpg"></figure>Gucci Mane, pieza clave en los comienzos del trap estadounidense (Shaniqwa Jarvis - Billboard).<h2>La fuerza del hip-hop y el rap en Latinoamérica</h2>Previo a la llegada del trap, el hip-hop y el&nbsp;rap&nbsp;ya tenían un&nbsp;peso significativo en la&nbsp;cultura musical de&nbsp;América Latina, y también fueron una&nbsp;parte&nbsp;relevante de cara a la&nbsp;explosión&nbsp;del&nbsp;trap latinoamericano. Países como&nbsp;México, Argentina y&nbsp;Puerto Rico, donde el&nbsp;rap&nbsp;tenía una&nbsp;presencia importante, sirvieron como plataforma para el desarrollo del género en el continente.<h2>El aporte del reguetón</h2>Con raíces en&nbsp;Puerto Rico&nbsp;y&nbsp;Panamá, el&nbsp;reguetón&nbsp;también jugó un&nbsp;papel crucial&nbsp;en la&nbsp;formación&nbsp;y el&nbsp;desarrollo&nbsp;del&nbsp;trap latinoamericano. Artistas del género como&nbsp;Daddy Yankee&nbsp;y&nbsp;Don Omar&nbsp;empezaron a&nbsp;experimentar&nbsp;con sonidos típicos del movimiento y otros como&nbsp;Bad Bunny,&nbsp;Anuel AA&nbsp;y&nbsp;Ozuna&nbsp;hasta incluso lanzaron algunas&nbsp;canciones&nbsp;de&nbsp;trap.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_TRAP_LATINO_3_816916817d.jpg"></figure>Bad Bunny fue uno de los artistas de reguetón que tuvo influencia en el trap latino (Emmanuel Monsalve - GQ).<h2>La cultura urbana como eje</h2>La&nbsp;cultura urbana&nbsp;y&nbsp;callejera&nbsp;es otra de las&nbsp;patas fundamentales&nbsp;del&nbsp;trap, tanto en sus raíces estadounidenses como en su versión latina. Si bien con el correr del tiempo el género sufrió cambios, los&nbsp;temas&nbsp;de la&nbsp;vida urbana (violencia, drogas y luchas personales) eran la&nbsp;temática central&nbsp;de las&nbsp;canciones&nbsp;de&nbsp;trap.<h2>Actualidad del trap latinoamericano</h2>El&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;es un&nbsp;fenómeno global&nbsp;en la&nbsp;actualidad. Artistas de diferentes países de&nbsp;América Latina&nbsp;continúan innovando y llevando el género a nuevas alturas. La música trap ha penetrado en las&nbsp;listas de éxitos internacionales y ha ganado&nbsp;premios importantes, demostrando su&nbsp;impacto&nbsp;y&nbsp;relevancia. El&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;es un&nbsp;testimonio&nbsp;de la&nbsp;capacidad de adaptación y&nbsp;creatividad&nbsp;de los&nbsp;músicos latinos. Desde sus raíces en el trap estadounidense y el reguetón, hasta su explosión global a través de las redes sociales, el género ha demostrado ser una fuerza imparable en la música contemporánea. A medida que continúa evolucionando, el trap latino seguramente seguirá siendo una&nbsp;parte integral&nbsp;del&nbsp;panorama musical&nbsp;y&nbsp;cultural&nbsp;de&nbsp;América Latina&nbsp;y el&nbsp;mundo.

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El origen del trap latino: ritmos urbanos que revolucionaron América

El&nbsp;reggaetón&nbsp;dejó de ser solo un fenómeno musical para convertirse en una fuerza cultural&nbsp;que influye en múltiples aspectos de la sociedad, especialmente en la&nbsp;moda. Este género urbano transformó la manera en que los&nbsp;artistas&nbsp;se expresan. La combinación de elementos impulsó un impacto global que ubicó a los reggaetoneros como&nbsp;referentes del&nbsp;streetwear.&nbsp;Este hecho creó&nbsp;tendencias&nbsp;y rompió estereotipos.<h2>Bad Bunny&nbsp;</h2>Uno de los artistas más destacados en esta materia es&nbsp;Bad Bunny. Fue uno de los primeros en derribar barreras en la moda. Opta por&nbsp;atuendos desafiantes, que rompen con los estereotipos de género. Utiliza&nbsp;prendas masculinas y femeninas con total naturalidad, y para él, se volvió un sello personal. Con sus colaboraciones con marcas de&nbsp;streetwear, hizo que la ropa que utiliza se vuelva un objeto de deseo para sus fanáticos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_3_43ca875e17.jpg"></figure>[Imagen], por Cibercuba.<h2>Maluma</h2>El colombiano&nbsp;Maluma&nbsp;llevó su estilo desde las calles hasta las alfombras rojas. Además de ser un músico exitoso, es un&nbsp;fashion icon que demuestra que el reggaetón puede ser sinónimo de&nbsp;elegancia. Tiene una capacidad única para mezclar looks urbanos con elementos de alta costura. De esta manera, se posicionó como un referente en el mundo de la moda y, actualmente, colabora con&nbsp;Versace&nbsp;y es invitado al prestigioso Met Gala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_4_024eadf4fa.jpg"></figure>[Imagen], por Muy Cosmopolitas.<h2>Ozuna</h2>Con su&nbsp;estilo relajado, destaca en la música y en la moda. El puertorriqueño tiene una predilección por las prendas de mezclilla y los colores brillantes, con estas características, creó un&nbsp;sello propio que es fácil de identificar. Además, popularizó el uso de grandes aros de diamantes, una acción que replicaron sus fanáticos alrededor del mundo. Puede moverse entre lo formal y lo casual sin problema. Sin dudas, es un auténtico referente del&nbsp;streetwear.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_6_d51d461ba1.jpg"></figure>[Imagen], por Loud Cave.<h2>Natti Natasha</h2>La dominicana combina lo sexy y lo sofisticado. Transmite una imagen que exuda confianza y poder, porque no teme experimentar con siluetas ajustadas, transparencias y colores. El hecho de estar presente en&nbsp;alfombras rojas la hizo destacar. En estos acontecimientos, apostó por looks sensuales, significativos de la&nbsp;cultura latina. Ella es una demostración de que las mujeres del&nbsp;reggaetón&nbsp;también son líderes en la industria de la ropa urbana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_5_b1caef84ea.jpg"></figure>[Imagen], por Z101 Digital.<h2>Rosalía</h2>Es un verdadero huracán en la música y en la moda. En sus looks, elige por representar sus raíces flamencas con elementos de estética urbana. La cantante catalana es una de las tantas que rompió barreras. Suele combinar&nbsp;moda callejera con prendas de alta costura. En sus colaboraciones con marcas de lujo y su presencia en pasarelas logró transformarse en una&nbsp;musa indiscutible de la moda contemporánea.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_7_2_2f17d896e0.jpg"></figure>[Imagen], por Pinterest.<h2>J Balvin</h2>Otro ícono reguetonero que pregona que&nbsp;la moda no tiene por qué ser discreta. El estilo&nbsp;excéntrico&nbsp;que elige para vestirse llamó la atención de firmas internacionales como&nbsp;Guess, con quienes colaboró en varias ocasiones. Los atuendos de J Balvin se caracterizan por ser coloridos y extravagantes, que desafían las normas tradicionales del vestuario masculino.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_2_631b26329b.jpg"></figure>[Imagen], por HIGHXTAR.El&nbsp;reggaetón&nbsp;utilizó los&nbsp;videoclips como una herramienta poderosa para promocionar la moda urbana. Las prendas de streetwear se muestran de manera prominente, convirtiéndolas en objetos de deseo para los seguidores.&nbsp;Existe una&nbsp;nueva generación de jóvenes&nbsp;que buscan expresarse a través de su estilo personal. A medida que más artistas del género exploran nuevas formas de vestir es probable que se expanda la tendencia. Es un&nbsp;movimiento global que&nbsp;trasciende fronteras, géneros y estereotipos.&nbsp;

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La influencia del reggaetón en la moda urbana

Explorar la evolución de lo público revela cómo los rasgos urbanos y ambientales de un lugar se reflejan en el paisaje y su valor dentro de la ciudad. Este recorrido por&nbsp;10 parques y plazas colombianas es la prueba de cómo estos espacios se transformaron profundamente.<h2>Proyecto La Albarrada: la renovación en Mompox, Bolívar&nbsp;</h2>En&nbsp;Mompox, Bolívar, el proyecto de rehabilitación de La Albarrada buscó renovar un eje urbano de 2.7 km de extensión. La intervención se centró en conservar la imagen histórica de la ciudad, al tiempo que introducía elementos para inducir nuevos usos y fortalecer las dinámicas existentes del espacio público. En 2018, fue galardonado en la III&nbsp;Bienal Latinoamericana de Arquitectura de Paisaje y en la XX Bienal Panamericana de Arquitectura de Quito.<h2>Transformación de Medellín por tres</h2>Medellín, Antioquia, tiene la Plaza de Cisneros, una ubicación abierta para eventos callejeros y espectáculos urbanos que se complementa con una arborización de bambú. Esta intervención transformó la infraestructura existente, proporcionó servicios, y mejoró la calidad urbana y administrativa de la ciudad. En otro rincón de Medellín, en&nbsp;El Parque de los Pies Descalzos&nbsp;surgió de la necesidad de revitalizar un área en desuso de tres hectáreas. Se desarrolló como un lugar multifuncional que conecta la biblioteca de EPM y el Museo de Ciencia, y transformó lo que estaba desaprovechado en un emocionante punto de encuentro urbano.La zona occidental de Medellín fue testigo del ambicioso proyecto Parques del Río que, tras 17 meses de trabajo y una&nbsp;inversión de 50 millones de dólares reactivó el área urbana y cambió la concepción del río Medellín, transformándolo en el eje natural metropolitano.<h2>Proyecto Bogotá</h2>En&nbsp;Bogotá, el Parque Bicentenario se expandió hacia el sur y cubrió un tramo de la Calle 26. Con una superficie de 7.257 metros cuadrados, se convirtió en un espacio de reconstrucción donde confluyen las principales vías de la ciudad. La integración de la naturaleza y la arquitectura transformó este lugar en un punto de encuentro para los bogotanos. En Bogotá, el&nbsp;Eje Ambiental transformó la Avenida Jiménez de Quesada, una antigua vía que solía ser un río canalizado. De esa manera, recuperaron la memoria del agua y reintrodujeron la palma de cera. Además organizaron el tráfico vehicular y articularon con las calles circundantes, mediante la creación de un paseo peatonal que conecta el centro de la ciudad con el cerro de Monserrate.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ESPACIOS_PUBLICOS_FOTO_2_643cdacb9f.jpg"></figure>Rogelio Salmona y L. G. J. Kopec fueron los autores del proyecto promovido por la Alcaldía Mayor de Bogotá [Imagen], Revista Plot.<h2>La história de Pamplona revitalizada</h2>En Pamplona, Norte de Santander, se llevó a cabo la renovación del Parque Principal Águeda Gallardo como parte del&nbsp;Plan Nacional de Recuperación de Centros Históricos. Esta intervención reconoció los hábitos de las personas, generó espacios para actividades colectivas y fortaleció el sentido de pertenencia.<h2>Conexión natural samaria</h2>El Parque Ciudadela 29 de Julio en&nbsp;Santa Marta forma parte de una red de centralidades dentro del Plan de Rehabilitación del Río Manzanares. Este tiene como objetivo integrar el sistema hidrológico con la ciudad, y eliminar barreras físicas y sociales.<h2>Educación verde en Bucaramanga&nbsp;</h2>Por último, en&nbsp;Bucaramanga, el Parque del Agua convirtió una planta de tratamiento de aguas en un espacio público educativo. Los amplios caminos peatonales articulan las distintas partes de la planta y permiten a los visitantes interactuar y aprender sobre el proceso de purificación del agua, todo mientras disfrutan de las visuales del paisaje.<figure class="image image-style-align-center"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ESPACIOS_PUBLICOS_FOTO_3_170c3cdc5e.jpg"></figure>Conservaron los tanques y utilizaron el agua como componente principal del paisaje [Imagen], por Flickr.Todos estos proyectos demuestran cómo el hecho de renovar espacios urbanos transforma la percepción de los ciudadanos sobre su entorno. Al redefinir lo público, estas intervenciones mejoran la infraestructura y la calidad de vida.

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La transformación urbana de Colombia

Agostina Hidalgo es la mente creativa detrás de&nbsp;Agoshida. En&nbsp;JT, con&nbsp;Jessica Trosman como mentora, hasta el lanzamiento de su propia marca, trazó un camino caracterizado por la pasión y una visión única que integra lo tradicional con lo moderno.<h2>El camino a liderar en JT</h2>Originaria de&nbsp;San Martín, Buenos Aires, superó todas las expectativas al adentrarse en la fabricación de indumentaria. La carrera de Agostina comenzó mientras estudiaba&nbsp;Diseño en la UBA y continuó como pasante en JT, donde en sus inicios descosía jeans y pronto se convirtió en la diseñadora a cargo. Este viaje fue una experiencia formativa y la transición, luego de la partida de Jessica Trosman, implicó mantener el estilo distintivo de la marca mientras incorporaba sus propias ideas.<h2>Mentoría en el mundo del diseño</h2>Sus maestras en la facultad, Andrea Saltzman y Verónica Fiorini, le enseñaron el universo poético del diseño y la parte práctica del producto. Trosman le mostró cómo ser una diseñadora de autor, trabajar un concepto de principio a fin, y manejarse en una&nbsp;industria machista. Esto le significó una generosidad tal que le dejó una huella imborrable. La combinación de formación académica y experiencia práctica moldeó su identidad artística.<h2>El nacimiento de la marca</h2>El lanzamiento de Agoshida a finales de 2021, en la pandemia y en medio de su “crisis de los 30”, fue una decisión audaz.&nbsp; En ese lapso pudo acumular telas, muchas con historias que inspiraron su nueva aventura. Este impulso interno la llevó a fundar su propia marca, una combinación de sensaciones y determinación que la empujó a, finalmente, dar el paso. Su desafío actual es incorporar técnicas autóctonas y crear prendas masivas con un enfoque de venta hacia el interior del país.<h2>El impacto de las redes sociales</h2>La marca lleva su nombre y sus redes sociales son un reflejo personal, por eso Agoshida es una extensión de ella misma en la que su público aprecia la cercanía y realidad&nbsp;que propone, con su contenido diario. Los festivales de&nbsp;Arte BA se le presentan como una posibilidad para profundizar la relación con su audiencia y crear una gran sinergia, lo que se convierte en una forma de destacarse aún más.&nbsp; Si se considera que la mayoría de sus clientes son artistas, se entiende que valoren el diseño y el disfrute por la exclusividad de las prendas.<h2>El BAFWEEK y proyección&nbsp;</h2>Tras consolidarse entre la nueva generación de diseñadores locales, presentó su colección de invierno 2024 en las pasarelas de&nbsp;BAFWEEK y ganó el concurso en colaboración con&nbsp;FAD Connection, asistirá a un curso de Imagen y Estilismo de Moda en el Istituto Marangoni de Milán.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/AGOSHIDA_FOTO_2_5b1ff85fef.jpg"></figure>Traje de algodón gaimán, diseñado de Agoshida y modelado por Cosima Fricke [Imagen], por Instagram @agoshida.Agostina vistió a artistas como Pilar Dibujito, Juana Molina, Lucrecia Martel y Mariana Enríquez, descrito por ella como un honor. Estas mujeres influenciaron su obra, pero sus expectativas son aún mayores y sueña con vestir a&nbsp;Cristina Fernández de Kirchner.<h2>Rompiendo moldes</h2>El hecho de haber participado en la exposición&nbsp;"Sastrería: Oficio &amp; Historia"&nbsp;del Museo de la Historia del Traje significó un logro en su carrera. Su diseño de organza de seda gris, rompió con las normas tradicionales, demostró su&nbsp;enfoque disruptivo y logró fusionar la elegancia con una interpretación moderna. La próxima colección de Agoshida, "Argenta", se basará en una Argentina con monarquía, inspirándose en la hija de&nbsp;San Martín&nbsp;y elementos del Virreinato como perlas y encajes. Con sus intervenciones textiles innovadoras, buscará reivindicar la artesanía de las abuelas que cosían a mano, lo que refleja una habilidad para combinar lo histórico con lo contemporáneo e infundir cada pieza con detalle y significado.

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Agoshida, la marca que se volvió tendencia en la moda urbana

Cartagena de Indias es una&nbsp;ciudad histórica ubicada en la costa norte de&nbsp;Colombia, a orillas del mar Caribe. Conocida por su&nbsp;rica historia colonial,&nbsp;arquitectura impresionante&nbsp;y&nbsp;vibrante cultura, la Heroica es un&nbsp;destino casi obligatorio para los amantes de los viajes.<h2>Ciudad Amurallada, historia de Cartagena de Indias</h2>La&nbsp;Ciudad Amurallada&nbsp;es el&nbsp;centro histórico de la ciudad de Cartagena de Indias y ha sido declarado tanto&nbsp;patrimonio nacional de Colombia como&nbsp;Patrimonio de la Humanidad&nbsp;por la&nbsp;UNESCO. Hogar de los nobles y las personas importantes en la época de la Colonia, la Ciudad Amurallada presenta un&nbsp;amplio abanico de lugares históricos&nbsp;para recorrer: el Palacio de la Inquisición, el Museo del Oro Zenú, el Museo de Arte Moderno, la Plaza de los Coches, la estatua de Pedro de Heredia, la Iglesia y el Convento de San Pedro de Claver y la Alcaldía Mayor.<h2>Islas del Rosario: playas, artesanías y gastronomía</h2>Ubicadas a tan solo una hora y media en lancha de la ciudad, las&nbsp;Islas del Rosario&nbsp;o Corales del Rosario es un&nbsp;pequeño archipiélago&nbsp;compuesto por&nbsp;más de 25 islas&nbsp;que forma parte de la&nbsp;zona insular de Cartagena de Indias. Además de contar con uno de los&nbsp;parques nacionales naturales de Colombia, las Islas del Rosario son un sitio espectacular para pasar el día. ¿Qué actividades se pueden realizar? Aquellas personas que deseen visitar el archipiélago podrán bucear y conocer la vida marina del lugar, comprar artesanías hechas por artistas locales, hacer alguna parada para recargar energía en los puestos de comida y demás.<h2>Castillo de San Felipe de Barajas, la fortaleza de Cartagena de Indias</h2>El&nbsp;Castillo de San Felipe de Barajas es una&nbsp;fortaleza de la época colonial española&nbsp;construida sobre el&nbsp;Cerro de San Lázaro para proteger la&nbsp;única entrada por tierra a Cartagena de Indias. Considerada una de las obras más destacadas de la ingeniería militar española en América, el castillo es, sin dudas, un destino obligatorio para aquellas personas que visiten la ciudad de Colombia y quieran conocer una pizca de su historia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CARTAGENA_3_38fb1bf552.jpg"></figure>El Castillo de San Felipe de Barajas de noche (Shutterstock).<h2>Plaza La Serrezuela: pasado y presente en un mismo lugar</h2>El centro comercial de lujo&nbsp;Plaza La Serrezuela no solo es impactante por sus tiendas y por su arquitectura, sino que también por la historia que hay detrás del edificio. A comienzos del siglo XX, la&nbsp;plaza de toros de Cartagena de Indias&nbsp;ocupaba dicho espacio. Luego de la&nbsp;guerra&nbsp;de los&nbsp;Mil Días, la estructura debió ser desmontada y la plaza de toros se convirtió en un circo-teatro que alberga una gran variedad de actividades, como presentaciones de artistas, espectáculos boxísticos y, hasta incluso, es el hogar del Festival de Música del Caribe.<h2>Getsemaní, el arte de Cartagena de Indias</h2>Getsemaní&nbsp;es uno de los barrios más emblemáticos, culturales y coloridos de toda Cartagena de Indias, y sin dudas uno de los sitios a visitar de propios y ajenos. El&nbsp;arte callejero es un aspecto característico de la zona, que está repleta de graffitis, murales y pinturas. Además, es un sitio que con el paso de los años dejó atrás las drogas y la prostitución y dio paso al arte urbano, música y gastronomía.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CARTAGENA_2_5e8c57af2f.jpg"></figure>El arte del barrio Getsemaní (Unsplash).No hay dudas de que Cartagena de Indias es uno de los destinos colombianos más excitantes para recorrer: historia, cultura, arte, diversión y vida.

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Cartagena de Indias: historia, cultura y arte de Colombia

Originada en la&nbsp;década&nbsp;de&nbsp;1970&nbsp;en el&nbsp;sur&nbsp;del&nbsp;Bronx, la cultura&nbsp;hip-hop emergió en un momento en que la&nbsp;pobreza, la&nbsp;violencia&nbsp;y la&nbsp;discriminación racial&nbsp;eran&nbsp;problemas prevalentes en muchas&nbsp;comunidades urbanas&nbsp;de la ciudad de&nbsp;Nueva York.<h2>Origen etimológico</h2>El término "hip" solía referirse a alguien que estaba&nbsp;al tanto de las&nbsp;últimas tendencias o que tenía&nbsp;conocimiento&nbsp;sobre aquello que estaba ocurriendo en la&nbsp;calle, mientras que "hop" evoca el&nbsp;movimiento&nbsp;y la&nbsp;energía&nbsp;del&nbsp;baile. Sin embargo, hay una&nbsp;versión popular acerca de que el término fue acuñado por el rapero&nbsp;Keith "Cowboy" Wiggins del grupo&nbsp;Grandmaster Flash and the Furious Five, quien comenzó a decir "hip-hop" mientras&nbsp;imitaba&nbsp;el&nbsp;ritmo&nbsp;de los&nbsp;soldados marchando.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_HIP_HOP_2_37c0e00b1c.png"></figure>Los seis integrantes del grupo Grandmaster Flash and the Furious Five, parte importante de la cultura hip-hop (Getty Images).<h2>Elementos principales del hip-hop</h2>El&nbsp;DJ, el&nbsp;MC&nbsp;(o rap), el&nbsp;arte del graffiti&nbsp;y el&nbsp;breaking&nbsp;(también conocido como breakdance) son los&nbsp;cuatro elementos originales&nbsp;y principales&nbsp;de la&nbsp;cultura hip-hop. Se conoce como&nbsp;DJing&nbsp;al&nbsp;arte&nbsp;de&nbsp;manipular discos y&nbsp;crear música en tiempo real. Los DJs usaban técnicas como el "scratching" o el "mixing" para&nbsp;inventar ritmos únicos&nbsp;y mantener a la fiesta animada y entretenida. A su vez, el&nbsp;MCing, o rap, surgió como expresión vocal, donde se utilizaba el&nbsp;habla rítmica y la&nbsp;rima&nbsp;para&nbsp;contar historias&nbsp;o&nbsp;transmitir mensajes. Además de ser utilizada para&nbsp;pintar&nbsp;y&nbsp;colorear paisajes urbanos, el&nbsp;graffiti&nbsp;se convirtió no solo en una&nbsp;forma de arte callejero, sino también en una&nbsp;forma de expresión. Y el&nbsp;breaking&nbsp;combinaba elementos de&nbsp;danza,&nbsp;atletismo&nbsp;y&nbsp;arte&nbsp;con los&nbsp;ritmos&nbsp;creados por los&nbsp;DJs. A su vez, las&nbsp;fiestas callejeras, conocidas como block parties, organizadas por DJs como&nbsp;Kool Herc&nbsp;fueron&nbsp;fundamentales&nbsp;en la formación de la cultura hip-hop.<h2>Primeros referentes del género</h2>Como todo movimiento, el&nbsp;hip-hop ha tenido varios&nbsp;referentes&nbsp;a lo largo de la historia. Considerado el&nbsp;padre&nbsp;del&nbsp;hip-hop,&nbsp;DJ Kool Herc tuvo una&nbsp;participación fundamental en el surgimiento de la cultura con sus&nbsp;fiestas&nbsp;en el&nbsp;Bronx&nbsp;y sus innovaciones musicales que establecieron las bases del género. A su vez, grupos como&nbsp;Run-D.M.C., Public Enemy o&nbsp;N.W.A.&nbsp;revolucionaron la escena del&nbsp;hip-hop con sus&nbsp;canciones&nbsp;y sus diferentes&nbsp;estilos&nbsp;y se convirtieron en las&nbsp;bandas pioneras de la&nbsp;cultura. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_HIP_HOP_3_bd2e1c40c0.jpg">N.W.A. revolucionó el hip-hop con su estilo directo y sin concesiones (Los Angeles Times).<h2>Expansión del movimiento</h2>En los&nbsp;años 80, el hip-hop comenzó a ganar&nbsp;popularidad fuera&nbsp;de&nbsp;Nueva York, se expandió por todo Estados Unidos&nbsp;y luego llegó al&nbsp;resto&nbsp;del&nbsp;mundo. Con el correr de los años, la&nbsp;cultura&nbsp;se&nbsp;diversificó&nbsp;aún más, dio lugar a&nbsp;nuevos géneros&nbsp;como&nbsp;gangsta rap&nbsp;o&nbsp;trap, influenció la&nbsp;moda, el&nbsp;cine&nbsp;y otras&nbsp;formas de arte&nbsp;y se convirtió en un&nbsp;movimiento masivo y&nbsp;mundial. Si bien el&nbsp;surgimiento&nbsp;de nuevos géneros musicales lo han opacado, el&nbsp;hip-hop sigue siendo una&nbsp;fuerza cultural dominante a&nbsp;nivel mundial. El movimiento surgido en el sur del Bronx ha sido un&nbsp;vehículo&nbsp;para el&nbsp;activismo social&nbsp;y&nbsp;político, siendo una voz para las&nbsp;comunidades oprimidas y un medio para abordar temas como el&nbsp;racismo, la&nbsp;pobreza&nbsp;y la&nbsp;desigualdad.

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Hip-hop: la revolución cultural que nació en las calles del Bronx y conquistó el mundo

El impacto que las redes sociales han tenido en la moda a lo largo de los años ha sido transformador, influyendo no solo en la manera en que las tendencias se crean y se difunden, sino también en cómo las personas interactúan con la moda y las marcas. El streetwear es uno de los estilos que ha experimentado una evolución fascinante en los últimos años gracias a la llegada de las redes sociales.Con la llegada de las redes sociales, el streetwear encontró un nuevo escenario para expandirse y llegar a audiencias globales. Las diversas plataformas permitieron la expansión del estilo y la propagación de las nuevas tendencias que lo rodean.<h2>Publicidad, tendencias y ventas: la ayuda de las redes sociales</h2>Las marcas de ropa decidieron volcar parte de la publicidad de sus nuevos productos a las redes sociales. Más allá de que las calles o los espacios en programas de televisión siguen siendo utilizados para promocionar artículos o campañas, la forma de realizar publicidad mutó y los influencers son quienes ahora dan a conocer los lanzamientos de las marcas o participan de las campañas.&nbsp;A su vez, las redes sociales se han convertido en una parte fundamental a la hora de imponer tendencias en el mundo de la moda. Influencers, celebridades o personalidades del espectáculo lograron atravesar la barrera e implementaron nuevos estilos en sus seguidores.Muchos influencers publican videos en sus redes sociales acerca de sus looks diarios y sirven como plataforma para que aquellas personas que los siguen tomen ideas de dichos outfits o de prendas en particular. Al mismo tiempo, las redes sociales están repletas de tutoriales sobre cómo personalizar ropa: desde pintar zapatillas hasta hacer tu propia ropa con telas recicladas.Además, marcas de streetwear de renombre tales como Supreme u Off-White comenzaron a utilizar las redes sociales para lanzar colecciones limitadas.<h2>Las redes sociales como plataforma de impulso</h2>Otro de los puntos fuertes del impacto de las redes sociales en el mundo de la moda es la amplia capacidad para promocionar tanto nuevas marcas como productos. La facilidad para crear contenido, las múltiples plataformas para publicar ideas y la rápida viralidad vuelven a las redes sociales una manera única para desenvolverse en el mundo de la moda y crear un propio nombre.Plataformas como Instagram y TikTok han permitido que diseñadores emergentes y marcas independientes se den a conocer sin la necesidad de grandes presupuestos para publicidad.

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De hashtags a hype: el impacto de las redes sociales en la cultura del streetwear

El upcycling, también conocido como suprareciclaje, es el proceso de transformar productos, materiales o residuos no deseados en nuevos objetos o materiales de mayor valor, uso o calidad. A diferencia del reciclaje tradicional, que a menudo degrada la calidad de los materiales, el upcycling busca mejorar o dar un nuevo propósito a los materiales existentes sin descomponerlos por completo.A su vez, el upcycling ha evolucionado y ha llegado al mundo de la moda. Cada vez es más común la creación de marcas de indumentaria con el objetivo de diseñar prendas únicas de la mano del upcycling. Si bien esta nueva revolución en la moda se ha expandido alrededor del mundo y ha crecido en el último tiempo, México no se ha quedado atrás y es uno de los países con marcas que crean productos sostenibles.<h2>Basura</h2>Creada en León, Guanajuato,&nbsp;<a href="https://comprabasura.com/">Basura</a> es un proyecto ideado por dos emprendedoras mexicanas con la intención de crear moda de una manera alternativa al modelo tradicional, que produce en masa y explota recursos finitos. La marca cuenta con gorros, mochilas, accesorios y piezas únicas creados a base de prendas donadas.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_UPCYCLING_2_9233a4f22b.jpg"> Basura está ubicada en Monterrey, Nuevo León (Basura).<h2>Frankely</h2>Inspirada en el deseo de no encajar, y surgida de la mezcla entre las palabras "francamente", en inglés, y "Frankenstein",&nbsp;<a href="https://frankely.store/">Frankely</a> es una marca encargada de confeccionar piezas de productos de mezclilla reciclados. A pesar de que no cuenta con un amplio catálogo de prendas, la marca mexicana tiene un gran abanico de tops, jeans y polleras con diseños únicos, alocados y coloridos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_UPCYCLING_3_2_7d1b413fde.jpg"></figure>Producción de Frankely (Frankely).<h2>N3W N3W</h2>Creada en medio de la pandemia,&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/n3w.n3w/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=6e8f142d-30d5-4f6e-915b-fce5f93edf03">N3W N3W</a> diseña prendas únicas a medida con textiles reaprovechados. Una de las características que más definen a la marca de upcycling mexicana es la inspiración en la moda de los 90’s.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_UPCYCLING_4_7796cc36d8.jpg"></figure>Vestido de N3W N3EW llamado “TH3 SW1RL DR3SS” (N3W N3W).<h2>Patched</h2>Creada por Karen Velasco,&nbsp;<a href="https://www.patched.com.mx/">Patched</a> es otra de las marcas de moda sostenible más reconocidas de México. Al igual que Frankely, el sello busca el objetivo de diseñar y crear calzado y accesorios con mezclilla recuperada. El método de corte y unión de parches geométricos utilizado por esta marca crea piezas únicas y novedosas en el mundo del upcycling.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_UPCYCLING_5_9d2fca8736.jpg"></figure>Algunos de los productos de Patched (Patched).<h2>Afterone</h2>Creada por dos emprendedoras mexicanas y con una motivación feminista para la producción justa en la industria textil, Aftertone utiliza materiales reciclados como telas, plásticos, botones y ropa en buen estado y la transforma en prendas nuevas y únicas.&nbsp;

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Moda urbana con conciencia: marcas mexicanas que revolucionan el upcycling

El&nbsp;reciclaje&nbsp;en&nbsp;Latinoamérica&nbsp;enfrenta varios desafíos, pero también hay&nbsp;iniciativas&nbsp;y&nbsp;avances significativos en muchos países de la región para combatirlos y disminuirlos, como la creación de leyes, el aumento de puntos de reciclaje o la creación de sociedades para&nbsp; concientizar sobre el tema.&nbsp;<h2>Argentina</h2>Argentina&nbsp;forma parte del grupo de países latinoamericanos con más avance en la materia del reciclaje. El país ubicado en el sur del continente posee leyes y normativas que promueven el reciclaje y la gestión adecuada de residuos, como la&nbsp;Ley de Gestión de Residuos Domiciliarios. Además, cuenta con&nbsp;varios puntos verdes&nbsp;y&nbsp;campañas de concienciación para mejorar la tasa de reciclado.<figure class="image"><img></figure>Centro de Reciclaje de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina (GCBA).<h2>Colombia</h2>Colombia&nbsp;ha implementado&nbsp;varias iniciativas para mejorar el reciclaje, incluida la formalización de los recolectores informales y la promoción de la&nbsp;economía circular. Bogotá ha sido pionera en algunas de estas iniciativas, y el país está viendo un crecimiento gradual en la tasa de reciclaje.<h2>Perú</h2>Perú&nbsp;carece de una cultura de reciclaje, lo cual está directamente vinculado al&nbsp;problema logístico. Lima, capital del país sudamericano, tiene tachos de basura ubicados a cada kilómetro y medio de distancia, además de contar con muy&nbsp;pocas estaciones de reciclaje.<h2>México</h2>México&nbsp;es uno de los países de Latinoamérica con&nbsp;mayor desarrollo&nbsp;en cuanto al reciclaje. La nación ubicada en el norte del continente genera poco más de 120 toneladas de residuos sólidos cada día, de las cuales 106 son recolectadas; es decir, el 88.6% del total generado. Una de las principales agrupaciones mexicanas de reciclaje es&nbsp;Ecoce, una asociación civil ambiental sin fines de lucro creada y auspiciada por la industria de bebidas y alimentos. La entidad se encarga de&nbsp;promover un manejo adecuado de los residuos de envases y empaques en México bajo los valores de sostenibilidad, colaboración, compromiso e integridad.<h2>Chile</h2>Chile, por su parte, ha realizado&nbsp;importantes avances en el reciclaje, especialmente con la&nbsp;Ley de Responsabilidad Extendida del Productor (REP), que obliga a los fabricantes a gestionar los residuos de sus productos.<h2>Brasil</h2>Al igual que México y Argentina,&nbsp;Brasil&nbsp;cuenta con un&nbsp;gran avance social en lo que es el mundo del reciclaje. El país tiene una&nbsp;extensa red de recolectores informales, conocidos como "catadores", que desempeñan un papel crucial en el sistema de reciclaje. Si bien&nbsp;Latinoamérica&nbsp;enfrenta numerosos desafíos en cuanto al reciclaje, hay un&nbsp;movimiento creciente hacia mejores prácticas y políticas que podrían conducir a una&nbsp;gestión más sostenible de los residuos en el&nbsp;futuro.

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La cultura del reciclaje en Latinoamérica

El&nbsp;mundo del&nbsp;freestyle&nbsp;es vertiginoso, lleno de&nbsp;emociones y adrenalina. Dentro de este universo,&nbsp;Loop&nbsp;está emergiendo como una joven promesa. Es oriundo de Buenos Aires,&nbsp;Argentina, tiene 20 años y su verdadero nombre es Rodrigo Cabaña. Comenzó su camino impulsado por la pasión que le transmitieron sus hermanos mayores y su mejor amigo. Desde entonces, desarrolló un estilo único, alimentado por diferentes influencias culturales y musicales.Loop recuerda con mucha claridad su primer acercamiento al&nbsp;freestyle. Desde chico, sus hermanos lo llevaron a las famosas&nbsp;batallas de Red Bull. El artista "G. Sony" fue su primera gran referencia. Sin embargo, fue su mejor amigo el que&nbsp; lo empujó a tomar el micrófono por primera vez y participar en competencias locales. "Él ya competía, y eso fue lo que me motivó. Me enamoré de la cultura y me quedé", confiesa Loop.Este impulso inicial fue esencial para su&nbsp;carrera, pero no fue su única fuente de inspiración. Con el tiempo, encontró en artistas nacionales&nbsp;como&nbsp;Acru, Kodigo y Duki, figuras clave que lo marcaron. Para él, estos referentes representaban mucho más que competidores: “Eran gente que sobresalía en cada competencia que pisaban”, comenta.<h2>La confianza</h2>A la hora de&nbsp;prepararse para una competencia, Loop resalta un aspecto esencial: la&nbsp;confianza. "Sentir que sos el mejor, aunque no lo creas realmente. Es un juego mental", explica. Para él, la preparación psíquica es tan importante como la práctica. Hacer rimas antes de una batalla es parte de su ritual, pero nada de esto sería suficiente sin una&nbsp;dosis de seguridad&nbsp;que lo impulse a superar cada desafío. "Si no lo crees, no vas a poder llegar a la meta", asegura.<h2>El trampolín para llegar a más personas</h2>En el&nbsp;mundo digital de hoy, las&nbsp;redes sociales son una herramienta clave para cualquier artista emergente, y Loop lo sabe bien. La&nbsp;creación de contenido le permitió expandir su música y conectar con&nbsp;audiencias más amplias, que quizás de otra manera no hubiera podido. "Las redes son el 50% de tu carrera", afirma, consciente de que vivimos en una era donde todo se mueve a través de internet.Además, destaca la importancia de las plataformas digitales como un escaparate para su música y para interactuar directamente con sus seguidores. "La manera más fácil de conectar con más personas es mediante las redes", señala.Loop tiene claro que el miedo es uno de los principales obstáculos para quienes comienzan en el mundo del&nbsp;freestyle&nbsp;o la creación de contenido. Por eso,&nbsp;aconseja&nbsp;a quienes tienen ganas pero todavía no se animaron a introducirse en este universo. "Anímense. El que no arriesga no gana". Para él, el miedo a perder o a ser juzgado puede ser paralizante, pero también es lo que impide avanzar. "Intenten y no se queden con el 'quizás'."<h2>El motor creativo</h2>Cuando se trata de&nbsp;crear rimas o contenido nuevo, se inspira con los aspectos más simples de la vida cotidiana. "Desde una juntada con amigos hasta comidas familiares", afirma. Todo puede ser una fuente de ideas. Es fundamental hablar de temas que resulten familiares para el público, eso permite generar una mayor conexión. "Hablar de cosas cotidianas para que el público se sienta identificado", agrega.Las emociones, las charlas con amigos y las experiencias diarias son, para él, elementos clave que alimentan su&nbsp;proceso creativo. Estas vivencias se transforman en rimas, contenido para&nbsp;Instagram&nbsp;o incluso canciones que resuenan con quienes lo siguen.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ENTREVISTA_LOOP_FOTO_2_fbb4e16681.jpg">[Imagen], por Loop.<h2>Pilares para destacar</h2>Loop subraya dos elementos fundamentales para sobresalir tanto en el freestyle como en la creación de contenido: la&nbsp;creatividad&nbsp;y la&nbsp;originalidad. En su opinión, no basta con seguir las fórmulas establecidas, sino que hay que buscar una manera única de transmitir las ideas. "Transmitir al público, hacer que empaticen con el otro", sostiene y sigue "La confianza es el pilar para hacer cualquier cosa que uno se proponga", concluyó.

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La Argentina, un semillero de talento urbano

El mundo del arte evolucionó más allá de los confines físicos y las limitaciones de las galerías tradicionales gracias a la aparición de galerías itinerantes. Estas iniciativas llevan el arte a contextos variados y salen de lo convencional.&nbsp;Una de las innovadoras iniciativas es No Man’s Art Gallery, que se destaca por su enfoque audaz. Nacida en Amsterdam, comenzó como un proyecto “falso” en línea, ideado por la joven estudiante de leyes Emmelie Koster y se convirtió en un fenómeno global. Se mueve constantemente, y ya organizó exhibiciones en ciudades como Shanghái, Bombay y Hamburgo. En cada destino, la galería recluta a artistas locales y crea una mezcla que resuena con coleccionistas. Incluso, algunas exposiciones llegaron a realizarse en completa oscuridad, sumergiendo a los espectadores en un viaje sensorial.La propuesta de Amy Smith-Stewart rompió con la tradición de las galerías convencionales de Nueva York. Después de una carrera en instituciones tan prestigiosas como el MoMa PS1, decidió abandonar el espacio físico para llevar el arte directamente a la gente, organizando exposiciones itinerantes en lugares inesperados. La naturaleza casi secreta de sus exhibiciones, que tuvieron lugar en sitios emblemáticos como el Socrates Sculpture Park y el Noguchi Museum, añade un elemento de sorpresa y anticipación. Esta capacidad de adaptarse y transformar cualquier espacio la posicionó como una figura prometedora.Argentina no se quedó atrás y se sumó a la tendencia, con uno de sus centros culturales más importantes, el CCK. Este promueve exposiciones a lo largo y ancho de sus ocho pisos que van cambiando cada mes. Además, expandió su alcance más allá de las paredes del edificio. Es así que democratizan el acceso a la cultura y generan un mayor conocimiento del arte contemporáneo.&nbsp;Al moverse de una ciudad a otra, de un país a otro, estas propuestas crean conexiones interculturales, permiten descubrir nuevos talentos y ofrecen experiencias artísticas que van más allá de la contemplación pasiva. El arte se convierte en un acto de descubrimiento continuo, donde cada nueva exposición es una invitación a explorar lo desconocido, a dejarse sorprender y a participar en una experiencia que se transforma constantemente. <img><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Salon_de_imagenes_en_el_Centro_Cultural_Libertad_591d9615bc.jpg"> En la sala de “negativos encontrados” armaron un sector con fotos tamaño carnet iluminadas [Imagen], por Adrián D’andrea.The Pool NYC es otro exponente del arte itinerante. Fue fundada por Fabrizio Moretti, Viola Romoli y Luigi Franchin y sin sede fija recorre el mundo desde 2009. Cada exposición se adapta al contexto cultural y geográfico de la ciudad anfitriona, lo que permite que la galería mantenga su relevancia y conexión con un público global. Este enfoque flexible y dinámico que le permitió crear una plataforma única para artistas emergentes y establecidos, ofrece una experiencia artística que es tan fluida y cambiante como el mundo en el que se mueve.Es evidente que surgió una nueva tendencia global que refleja un cambio cultural y artístico profundo. En una sociedad donde la movilidad y la conectividad son pilares esenciales, la capacidad para poder acceder al arte es más valorada que nunca.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Camaras_de_fotos_antiguas_44629ef070.jpg">También en la sala de “negativos encontrados”, se expusieron un conjunto de cámaras de fotos de antaño [Imagen], por Adrián D’andrea.

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La revolución del arte itinerante

El famoso&nbsp;reggaetonero, que cautivó a millones con su música, se lanzó a una nueva aventura en el mundo de la moda y marca tendencia con sus originales diseños. Desde sus comienzos, Lennox fue una figura en el&nbsp;reggaetón junto a Zion, formaron el legendario dúo&nbsp;Zion &amp; Lennox. Su trayectoria la marcaron los éxitos y reconocimientos, como el&nbsp;Billboard Award&nbsp;al Mejor Dúo Latino durante tres años consecutivos. Sin embargo, ahora el artista se aventuró en un nuevo terreno y dio vida a su propia línea de ropa,&nbsp;Durini Streetwear.&nbsp;<h2>La inspiración detrás de Durini Streetwear</h2>Para llevar adelante este proyecto, se&nbsp; inspiró en su admiración por&nbsp;el diseñador Virgil Abloh&nbsp;y el arte de la moda urbana. Empezó a gestarse durante el huracán María, cuando Lennox y su equipo se encontraron varados en Florida, comenzaron a discutir sobre lo que significaba ser "duro" en su contexto. De esas conversaciones surgió el término "durini", que Lennox empezó a utilizar en redes sociales, y pronto se convirtió en un movimiento conocido como&nbsp;"Durini mentality".<h2>Un debut a lo grande</h2>La Federación de Diseñadores de Latinoamérica (FDLA) organizó un desfile especial en&nbsp;Canoe Studios, un lugar icónico en&nbsp;West Chelsea, donde el artista reveló y explicó su visión única de la moda urbana. En febrero, la Semana de la Moda de Nueva York fue el escenario de un evento emocionante y significó el debut de Durini&nbsp;Streetwear. El desfile fue todo un acontecimiento para la marca, con una presentación que destacó el talento de Lennox como creador y su capacidad innovadora. Hubo múltiples diseñadores latinos y españoles, como&nbsp;Custo Barcelona, Agatha Ruiz de la Prada y Jemma Russo, un verdadero crisol de creatividad y estilo en la capital de la moda. Sin embargo, el gran atractivo mayor fue el debut de Lennox, por su creación y capacidad innovadora.<h2>Colección y precios</h2>La colección&nbsp;está comercializada en&nbsp;durinistreetwear.com e incluye piezas que reflejan la esencia del&nbsp;reggaetón&nbsp;y el estilo de vida de Lennox. Los precios son variados e incluso hay productos con sus precios rebajados. Las zapatillas tienen un valor de 200 dólares, los buzos hoodie rondan los 100 dólares y las remeras van desde 60 a 90 dólares. Además, cuenta con una sección exclusiva con talles para niños.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/LENNOX_FOTO_2_fe4feaa1f8.jpg"> Lennox presenta dos modelos de zapatillas, que aún mantiene a la venta [Imagen], por fashionunited.es.Su influencia va más allá de la simple estética. El hecho de haber experimentado el mundo del entretenimiento, le aporta una perspectiva distinta a la industria de la moda.&nbsp;Durini&nbsp;Streetwear&nbsp;es una extensión de su historia y personalidad, que encapsula la esencia de sus vivencias e influencias culturales.&nbsp;

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Lennox lanzó Durini Streetwear, su línea de ropa propia

La popularidad e impacto que produjeron estos géneros, los posicionaron como los principales del momento en la escena urbana. El reggaetón, trap, hip hop, R&amp;B y afrobeats destacan por las historias que transmiten y los artistas influyentes que ofician de intérpretes.<h2>El ritmo que trasciende épocas</h2>El&nbsp;reggaetón, con sus raíces en el reggae y el dancehall, emergió en la década de 1990 en Puerto Rico. Sus orígenes se remontan a la mezcla de ritmos caribeños con influencias del hip hop y el rap. El ritmo inconfundible, marcado por el&nbsp;dembow, y las letras enérgicas, a menudo celebran la vida nocturna, el amor y el desamor. Artistas como&nbsp;Daddy Yankee, con su emblemático hit "Gasolina", y&nbsp;J Balvin, con éxitos como "Mi Gente", se encargaron de globalizar el género. Su repercusión fue tal que impuso tendencias en la moda, arte y cultura.<h2>Un versión renovada</h2>Originado en los barrios de Atlanta a finales de los años 90, el&nbsp;trap es una variante del rap caracterizada por sus beats pesados y sus letras crudas. Este subgénero capturó la esencia de la vida urbana e indaga en temas como la lucha personal y la supervivencia en entornos difíciles. En&nbsp;América Latina, el trap se estableció con artistas como&nbsp;Rauw&nbsp;Alejandro, junto a él, figuras como&nbsp;Anuel AA y Cazzu ayudaron a definir el sonido del trap en español, y fusionaron elementos locales con la estética global del género.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/GENEROS_URBANOS_FOTO_2_f4acd636ee.jpg"></figure>Rauw Alejandro obtuvo una reciente victoria en los&nbsp;Latin GRAMMY y cuatro nominaciones al&nbsp;GRAMMY&nbsp;[Imagen], por Europa&nbsp;FM.&nbsp;<h2>El origen del movimiento urbano</h2>Por su parte, el&nbsp;hip hop nació en los años 70 en el&nbsp;Bronx de Nueva York. Se distingue por ser abarcativo, tiene una amplia gama de estilos,&nbsp;desde el rap clásico hasta el trap moderno. Se lo conoce por su influencia en la moda, el arte y la política, como una voz poderosa para las comunidades marginadas. En&nbsp;Latinoamérica, el género creció con artistas como&nbsp;Residente, con letras incisivas y un marcado compromiso social. Otros como&nbsp;Nicky Jam combinaron el&nbsp;hip hop con el&nbsp;reggaetón, en busca de una mayor versatilidad.<h2>Un puente entre lo clásico y lo contemporáneo</h2>El&nbsp;R&amp;B o&nbsp;Rhythm and Blues surgió en los años 40 y 50 en Estados Unidos, combina&nbsp;elementos de soul,&nbsp;jazz&nbsp;y pop. Tiene melodías suaves y sus letras emotivas, con temáticas de amor, pérdida y esperanza.&nbsp;Alicia Keys es una de las artistas que influenció a la generación de músicos hispanohablantes. La puertorriqueña Cosculluela y Shakira también incursionaron en este género, pese a ser reconocidas por otros.<h2>El estilo que conquista a Latinoamérica</h2>Por último, el&nbsp;afrobeats, que es contemporáneo y combina ritmos africanos tradicionales con elementos de pop y&nbsp;hip hop. Originario de Nigeria y Ghana, obtuvo una gran popularidad en los últimos años.&nbsp;Wizkid&nbsp;y Burna Boy colaboraron con músicos internacionales y, de esa manera, expandieron considerablemente el alcance del género. En América Latina, el afrobeats comenzó a influir en artistas urbanos como&nbsp;J Balvin o&nbsp;Bad Bunny que incorporan estos ritmos africanos en sus producciones.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/GENEROS_URBANOS_FOTO_3_b57f72b49c.jpg">Mónaco, una de las canciones del último álbum de&nbsp;Bad Bunny, es el tema con más streams en Iberoamérica y entre la audiencia latina en USA [Imagen], por&nbsp;BBC.Todos estos géneros urbanos representan la diversidad musical y la rica composición de influencias culturales que le dan forma a lo contemporáneo. Cada uno ofrece una ventana única hacia las historias y las experiencias.

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Los cinco géneros urbanos del momento

En la moda urbana boliviana, varias marcas se destacan por su creatividad y autenticidad. Estas capturan la esencia de las calles de Bolivia y la transforman en ropa que resuena por todos lados. Reflejan la diversidad cultural del país, combinan elementos tradicionales y contemporáneas y logran piezas únicas.<h2>Tradicionalismo contemporáneo</h2>Arrancamos con Punto Blanco Bolivia, una marca que ganó popularidad por su enfoque fresco y juvenil. Tiene una combinación entre influencias urbanas con detalles tradicionales bolivianos, mediante las que ofrecen camisetas, buzos y accesorios. Sus diseños presentan gráficos y colores llamativos, una forma de&nbsp;representar la energía y el dinamismo de la juventud boliviana. Además de centrarse en la moda,&nbsp;promueve un estilo de vida activo y positivo, que conecta con sus seguidores a través de eventos y colaboraciones con artistas locales.<h2>Sostenibilidad y respeto a la Madre Tierra</h2>Sweet Pachamama se destaca por su compromiso con la sostenibilidad y el respeto por la madre tierra, de la que toma su nombre.&nbsp;Utiliza materiales orgánicos y reciclados en sus prendas, con el fin de minimizar su impacto ambiental. Sus diseños están inspirados en la rica herencia cultural de Bolivia e incorpora patrones y símbolos andinos en ropa moderna y cómoda. Esta marca viste a sus clientes e intenta&nbsp;educar sobre la importancia de la conservación ambiental y la preservación de las tradiciones indígenas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_2_da96a582ed.jpg"></figure>La&nbsp;fusión perfecta de tradición, estilo y modernidad. Con una capa 100% única y hecha por manos artesanas bolivianas&nbsp;[Imagen], por Instagram/ @SweetPachamama.<h2>Amor y pasión por las raíces&nbsp;</h2>Es el turno de Munay, cuyo nombre significa "amar" en quechua. Esta marca celebra la pasión y el cariño por la cultura boliviana, y logró posicionarse en el último tiempo. Sus colecciones cuentan&nbsp;tejidos tradicionales que conectan con las raíces culturales del país. Su enfoque está puesto en la creación de productos que embellecen y ofrecen a los consumidores una experiencia enriquecedora.<figure class="image image_resized" style="width:98.61%;"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_3_ce779affab.jpg"></figure>La tienda cuenta con cinco sedes a lo largo del país [Imagen], por Facebook/ Munay Bolivia.<h2>Una revolución que conserva la esencia local&nbsp;</h2>Asatex&nbsp;es reconocida por su dedicación a la innovación textil. Tiene una especialidad para la producción de ropa urbana que integra técnicas avanzadas de confección con detalles artesanales. La indumentaria que confeccionan es un&nbsp;equilibrio entre modernidad y tradición, esencia de la cultura boliviana y a su vez tendencias globales. El objetivo es proveer una&nbsp;moda de alta calidad e impulsar el desarrollo económico local&nbsp;mediante la colaboración de productores nacionales.<h2>Un arte que viste</h2>El nombre&nbsp;se inspiró en el reconocido artista boliviano Roberto Mamani Mamani&nbsp;y su búsqueda es entrelazar el arte y la moda. Las prendas de&nbsp;Mamani Mamani Clothing&nbsp;presentan los coloridos diseños característicos del pintor, que celebran la cultura aymara y la cosmovisión andina. Tiene una gran variedad de productos, todos adornados con las obras de&nbsp;Mamani Mamani. Además de su atractivo estético, se enorgullecen de apoyar a artesanos locales, un&nbsp;plus&nbsp;que posee la marca.<h2>Moda ancestral</h2>Ayni Bolivia realiza la confección de&nbsp;ropa urbana con toques artesanales. Se destacan por realizar&nbsp;colaboraciones con comunidades indígenas para crear prendas estéticamente atractivas y socialmente responsables. Una de sus especialidades es el uso de textiles tradicionales bolivianos, los cuales incorpora en diseños modernos y funcionales. Su&nbsp;enfoque en la sostenibilidad y la ética en la producción resonó entre sus consumidores y convirtió la marca en una de las más respetadas en el ámbito.<figure class="image image_resized" style="width:100%;"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_4_86da9eb1c7.jpg"></figure>Tienen seis talleres familiares, donde fabrican prendas de Alpaca en máquinas manuales para exportarlas o comerciarlas en tiendas de La Paz, Bolivia [Imagen], por Aynibolivia.com.<h2>Autenticidad andina</h2>La siguiente es&nbsp;Suma Qamaña, cuyo nombre significa "vivir bien" en aymara y refleja un profundo respeto por la cultura y los valores andinos en su indumentaria. Se distinguen por usar&nbsp;materiales naturales y técnicas de teñido artesanal. Una de sus misiones principales es crear ropa que sea tan sostenible como auténtica. Esta marca también es conocida por involucrarse en proyectos comunitarios, promover el desarrollo local y el empoderamiento artesano.<h2>Una herencia cultural</h2>Por último,&nbsp;Warisata Streetwear toma su nombre de la primera escuela indígena en Bolivia, lo cual simboliza el compromiso con&nbsp;la educación y la herencia cultural. Cuenta con una línea de ropa urbana con un estilo moderno y accesible. Los diseños tienen símbolos y patrones andinos, reinterpretados de manera creativa en busca de llamar la atención de la audiencia joven. Warisata también&nbsp;organiza talleres y eventos educativos, que tienen como finalidad la apreciación de la cultura boliviana.Puede ser que la moda urbana en Bolivia no sea tan famosa mundialmente e incluso que los propios bolivianos no tengan en claro cuáles son las marcas sus marcas autóctonas, pero es indiscutible que el país del altiplano destaca por su diseños innovadores y un fuerte e inquebrantable compromiso con la sostenibilidad y la promoción de la cultura local.&nbsp;

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Las marcas de Bolivia que tenés que conocer

La&nbsp;arquitectura cholet es un&nbsp;estilo arquitectónico&nbsp;y&nbsp;cultural&nbsp;desarrollado en&nbsp;Bolivia, que también recibe el nombre de&nbsp;nueva arquitectura andina o&nbsp;arquitectura cohetillo. Los&nbsp;cholets&nbsp;son un&nbsp;símbolo de identidad&nbsp;que busca el&nbsp;equilibrio perfecto entre la cultura de los pueblos nativos y los&nbsp;conceptos contemporáneos.&nbsp;<h2>Origen etimológico</h2>El&nbsp;término&nbsp;del estilo ariqutectónico fue originado de la&nbsp;combinación&nbsp;de las palabras "cholo" y&nbsp;chalet. La expresión "cholo" tiene varias connotaciones, pero tradicionalmente se ha usado para referirse a&nbsp;personas de origen indígena que se han&nbsp;urbanizado&nbsp;o que&nbsp;adoptan&nbsp;ciertos&nbsp;aspectos&nbsp;de la&nbsp;cultura mestiza urbana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CHOLETS_3_6ef384a6b2.jpg"></figure>Los alocados diseños también forman parte de la arquitectura cholet (El ojo del arte).<h2>Características</h2>Los&nbsp;cholets&nbsp;son una típica construcción de las&nbsp;regiones andinas, que contrastan con los&nbsp;paisajes áridos de la zona. Este tipo de arquitectura es muy frecuente de ver en ciudades como&nbsp;La Paz,&nbsp;Cochabamba&nbsp;e incluso&nbsp;El Alto, que posee el título de ser una de las&nbsp;localidades más altas del mundo, ubicada a&nbsp;4.150 metros sobre el nivel del mar.Por lo general, los&nbsp;cholets&nbsp;son&nbsp;edificaciones&nbsp;de&nbsp;varios pisos, generalmente construidos por&nbsp;empresarios&nbsp;de&nbsp;origen aymara, que suelen tener un&nbsp;uso mixto: los&nbsp;pisos inferiores están designados a locales comerciales o&nbsp;salones de eventos, mientras que los&nbsp;superiores&nbsp;se utilizan como&nbsp;viviendas. A su vez, las&nbsp;fachadas&nbsp;de estos edificios están&nbsp;adornadas&nbsp;con&nbsp;formas geométricas llamativas,&nbsp;colores brillantes y, a menudo, incluyen&nbsp;ventanas&nbsp;y detalles arquitectónicos inspirados en la iconografía indígena andina.<figure class="image"><img></figure><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CHOLETS_2_bd661e6d3d.jpg"></figure>Los cholets pueden contar con una gran variedad de pisos, que pueden ir desde los tres a siete niveles (El ojo del arte). El diseño de los cholets siempre es&nbsp;abundante, está&nbsp;repleto de colores y respeta la&nbsp;cultura Tiwanaku, antigua ciudad arqueológica de&nbsp;Bolivia. A la hora de diseñar las edificaciones, los arquitectos suelen seleccionar&nbsp;aves,&nbsp;pumas&nbsp;y&nbsp;cóndores&nbsp;como&nbsp;elementos decorativos, que se complementan con&nbsp;dibujos de montañas,&nbsp;relámpagos&nbsp;y&nbsp;flores.<h2>Exponentes de la arquitectura cholet</h2>Freddy Mamani es, sin dudas, el&nbsp;máximo exponente de la arquitectura cholet&nbsp;en&nbsp;Bolivia. Las obras del arquitecto e ingeniero civil no solo se destacan por su&nbsp;estética vibrante&nbsp;y&nbsp;detalles geométricos, sino también por reflejar un&nbsp;sentido de orgullo&nbsp;e&nbsp;identidad cultural&nbsp;para la&nbsp;comunidad aymara. Además, Mamani ha contribuido significativamente al cambio de imagen de&nbsp;El Alto, una de las localidades donde más se aprecia la arquitectura cholet. Sin embargo, el país sudamericano cuenta con una gran variedad de arquitectos especializados en este tipo de estilo tales como&nbsp;Juan Carlos Mamani,&nbsp;Carlos Mamani Laura y&nbsp;Rubén Martínez.<h2>Arquitectura cholet fuera de Bolivia</h2>Si bien la&nbsp;arquitectura cholet es típica de&nbsp;Bolivia, también está presente en&nbsp;Argentina.&nbsp;Villa Celina, una localidad de&nbsp;La Matanza, partido de la provincia de&nbsp;Buenos Aires, reconocida por la&nbsp;gran comunidad boliviana que vive en ella, posee varios&nbsp;cholets coloridos&nbsp;que resaltan por sobre el resto de las edificaciones.Este estilo arquitectónico es un símbolo de la identidad cultural y económica de la clase emergente aymara en Bolivia y ha ganado atención internacional por su singularidad y creatividad.

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Formas geométricas, colores vibrantes y diseños alocados: así es la arquitectura cholet

En la localidad de&nbsp;Tres de Febrero, Buenos Aires, en compromiso con la sostenibilidad, implementaron la&nbsp;hidroponia&nbsp;en su Centro Educativo Ambiental&nbsp;en Caseros. Este innovador sistema permite el cultivo de vegetales sin necesidad de utilizar&nbsp;tierra, mediante una estructura de piletas de agua enriquecida con nutrientes.&nbsp;<h2>Los beneficios de los cultivos hidropónicos</h2>La hidroponía es una técnica que ganó popularidad a nivel mundial y se presenta como la&nbsp;solución ideal&nbsp;para enfrentar los desafíos de la agricultura tradicional. En Tres de Febrero, esta tecnología se materializó, donde las lechugas crecen en un entorno controlado. La&nbsp; técnica permitió una mayor eficiencia en el uso del agua, reduce el impacto ambiental y promueve una&nbsp;producción más limpia y sostenible.El hecho de eliminar la necesidad de suelo es una solución ideal para la&nbsp;agricultura en áreas urbanas&nbsp;y regiones poco fértiles. Este sistema permite un control preciso sobre los&nbsp;nutrientes&nbsp;y el entorno de las plantas, lo que se traduce en un crecimiento más rápido y una mayor productividad. Además, utiliza hasta un 90% menos de agua&nbsp;que los métodos convencionales, lo que la convierte en una opción sostenible en términos de consumo de recursos. También, reduce la necesidad de pesticidas y herbicidas, lo que resulta en&nbsp;alimentos más limpios.&nbsp;<h2>Formación, expansión y compromiso vecinal</h2>En un esfuerzo por difundir y expandir esta práctica, el municipio lanza constantemente programas de formación para&nbsp;nuevos productores. Estos son únicos en la zona y ofrecen una capacitación integral, que abarca desde los fundamentos de la técnica hasta la creación de proyectos comerciales o de autoconsumo. Tras completar el curso, quedan aptos para implementar esta técnica en sus propios proyectos y contribuir a una&nbsp;economía local más resiliente.Además de las formaciones, a través de visitas guiadas, los vecinos pueden conocer de primera mano el&nbsp;sistema hidropónico y entender su importancia para el futuro de la agricultura. Estas actividades son cruciales para crear&nbsp;conciencia&nbsp;sobre la necesidad de adoptar&nbsp;prácticas más sostenibles y para inspirar a las nuevas generaciones a involucrarse.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/CULTIVO_3_F_FOTO_3_f81560eab6.jpg"> Vecinos conocen los cultivos en una visita en el invernáculo del Centro Educativo Ambiental [Imagen], por Municipalidad de Tres de Febrero.<h2>El compromiso y la colaboración local</h2>La colaboración con empresas especializadas fue fundamental para el éxito de este proyecto. De manera conjunta, lograron fortalecer la&nbsp;producción local, con la oferta de productos frescos y naturales. Este esfuerzo mejoró la&nbsp;calidad de vida y estableció un&nbsp;modelo de desarrollo sostenible que puede ser replicado. La distribución de productos hidropónicos, como la albahaca, a restaurantes locales subraya el&nbsp;compromiso&nbsp;del municipio con la promoción de alimentos saludables.A través de la educación, la innovación y la colaboración, hay un logro progresivo de una comunidad más consciente y preparada para enfrentar los desafíos del siglo XXI. Desde la producción de alimentos hasta la formación de nuevos productores, cada paso dado en esta dirección refuerza la importancia de la&nbsp;sostenibilidad&nbsp;como eje central del desarrollo local. El éxito se mide en las lechugas cosechadas y en la transformación de la comunidad que abraza la innovación. <img class="image-style-align-left image_resized" style="width:96.13%;" src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/CULTIVO_3_F_FOTO_2_22bd6a4a37.jpg"><img><img>Las raíces de la lechuga morada tras removerse del sistema de canales de agua [Imagen], por Municipalidad de Tres de Febrero.

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La hidroponia, un impulso a la sostenibilidad y productividad 

La&nbsp;ciudad de Brasilia tiene la esencia de una&nbsp;urbe concebida como símbolo de modernidad.&nbsp;En el corazón de la&nbsp;Meseta Central de Brasil, se erige como una hazaña de planificación y diseño arquitectónico. Nació del sueño del presidente&nbsp;Juscelino Kubitschek,&nbsp;fue construida en tiempo récord, apenas tres años, y se inauguró oficialmente el 21 de abril de 1960. Está organizada en tres zonas principales: residencial, oficial y comercial.<h2>El legado Oscar Niemeyer&nbsp;</h2>El carioca&nbsp;Oscar Niemeyer fue uno de los fundadores, junto con Lucio Costa, diseñaron Brasilia, la nueva capital del país. Promovió las ideas de&nbsp;Le Corbusier y fue un pionero en la exploración de las posibilidades constructivas del hormigón armado. Su estilo audaz, con formas curvas y fluidas, está presente en los edificios emblemáticos, como la Catedral de Brasilia, una estructura que parece desafiar la gravedad con sus 16 columnas esbeltas.El diseño Plano Piloto tiene como eje central la&nbsp;Avenida Monumental, una amplia vía que conduce a la emblemática plaza, donde se encuentran los edificios más significativos de la administración pública. Este diseño en forma de cruz, con sus brazos ligeramente arqueados,&nbsp;simboliza la distribución equitativa del poder. Debido a su importancia, fue&nbsp;declarado Patrimonio Histórico y Cultural de la Humanidad por la UNESCO&nbsp;en 1987.La Plaza de los Tres Poderes une las sedes de los tres pilares fundamentales del estado democrático: el Congreso Nacional, el Palacio del Planalto (sede del gobierno) y el Supremo Tribunal Federal. Cada uno de estos edificios refleja la combinación de funcionalismo y estética escultórica, característicos de la arquitectura moderna que Costa y Niemeyer implementaron.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ARQUITECTURA_FOTO_2_8e9e8c19e0.jpg"></figure>La Plaza de los Tres Poderes [Imagen], por Expedia.com.ar.<h2>La vida en las supercuadras</h2>Las zonas residenciales, conocidas como "supercuadras", son uno de los puntos más destacados. Estos bloques de apartamentos están rodeados de vegetación, creados para una población limitada, y representan un intento de&nbsp;equilibrar la vida urbana con el entorno natural. Aunque el diseño buscó crear un ambiente residencial ideal, la realidad es que estas áreas se enfrentaron a desafíos de funcionalidad..Las principales críticas surgieron por no haber funcionado como se esperaba inicialmente. El crecimiento poblacional y la expansión urbana superaron las previsiones, y generaron problemas de movilidad y accesibilidad. Además, la separación de áreas y la dependencia del transporte individual fueron una dificultad para quienes no disponen de un vehículo.&nbsp;<h2>Monumento a la modernidad</h2>Brasilia continúa como un&nbsp;hito en la historia de la arquitectura y el urbanismo, destacándose como un innovador monumento a la modernidad y a la capacidad humana de reinventar su entorno. Cada edificio, avenida y espacio verde cuenta una parte de esta historia fascinante, una narrativa de audacia, innovación y, sobre todo, de un sueño transformado en realidad tangible.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ARQUITECTURA_FOTO_3_848b233112.jpg"></figure>En 1957 el proyecto del urbanista Lúcio Costa ganó licitación pública nacional. Mientras que, Oscar Niemeyer fue el encargado de diseñar la arquitectura de la nueva ciudad. [Imagen], por Tn.com.ar

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El encanto arquitectónico de Brasilia

Originado en los&nbsp;años 80 en&nbsp;Estados Unidos, el&nbsp;streetwear&nbsp;es un&nbsp;estilo de moda informal&nbsp;caracterizado por ser&nbsp;cómodo&nbsp;y&nbsp;urbano. Las ciudades de&nbsp;California&nbsp;y&nbsp;Nueva York, los deportes como&nbsp;surf&nbsp;y&nbsp;skate&nbsp;y los géneros musicales de&nbsp;reggae,&nbsp;hip-hop&nbsp;y punk son los elementos que forman parte de la creación del estilo.Cuatro décadas después, el estilo&nbsp;se mantiene vigente en la sociedad&nbsp;y cada vez hay más marcas de ropa streetwear en el mercado.&nbsp;México, uno de los países con más habitantes de todo el mundo, es una de las naciones que&nbsp;más viste la moda del streetwear.<h2>Mo Money &amp; Masterpieces&nbsp;</h2>Fundada en el año 2012 en Guadalajara, México,&nbsp;Mo Money &amp; Masterpieces&nbsp;es una marca de ropa urbana impulsada por la ideología, energía y fuerza personal que transmiten las subculturas del&nbsp;hip hop, skate, graffiti, punk y cibercultura. Hoodies, sweaters, ojotas, playeras, calcetines y toallas son algunos de los productos que comercializa la empresa mexicana de streetwear.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Sesion_de_fotos_de_Mo_Money_and_Masterpieces_Mo_Money_and_Masterpieces_1b5f922078.jpg"></figure>Sesión de fotos de Mo Money &amp; Masterpieces (Mo Money &amp; Masterpieces).<h2>Tazia</h2>Tazia&nbsp;es una de las marcas mexicanas de streetwear más&nbsp;innovadoras. La empresa nacida en Puebla&nbsp;rescata materiales para la creación de sus prendas y se rige bajo el lema de&nbsp;moda sustentable. Entre sus piezas podemos encontrar chaquetas, chalecos, jeans, sudaderas y más con técnicas de&nbsp;patchwork&nbsp;para aprovechar todo el material posible.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_STRET_9a2f93d166.jpg"></figure>La sudadera "Abducción" de Tazia hecha con desperdicio textil (Tazia).<h2>Tony Delfino</h2>Tony Delfino es uno de los&nbsp;referentes&nbsp;de la&nbsp;moda urbana en&nbsp;México. La calidad de sus artículos y las colaboraciones con marcas de renombre como&nbsp;Adidas,&nbsp;New Era o Vans sitúan a la marca basada en el corazón de la CDMX como una de las&nbsp;favoritas&nbsp;en la escena del&nbsp;streetwear mexicano. ¿Qué productos vende Tony Delfino? Playeras, jackets, hoodies, bolsos, gorras, botellas y más.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_STREETWEAR_2_bba09c2997.jpg"></figure>Tony Delfino, marca mexicana líder en la escena del streetwear (Tony Delfino).<h2>Cueva</h2>Fundada en el año 2020 por Tatiana Cueva,&nbsp;Cueva&nbsp;busca crear comunidady generar un impacto positivo con las&nbsp;mujeres&nbsp;que hacen parte de la marca y lascolaboraciones con creativos locales. La amplia variedad de productos es otro punto en el que se destaca la marca mexicana: tops, bodies, faldas, bolsos, vestidos.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_STRET_1_d4749ee699.jpg"> Una de las últimas colecciones de Cueva (Cueva).<h2>Sadboy</h2>Con un estilo minimalista tanto en las prendas oversize como en los total looks,&nbsp;SADBOY&nbsp;es la firma que materializa la&nbsp;nueva era de la&nbsp;moda urbana en&nbsp;México&nbsp;junto a las siluetas XL.<figure class="image"><img></figure>Modelos de SADBOY (SADBOY).

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Las cinco marcas mexicanas de streetwear que deberías conocer

En las calles de Buenos Aires, un enigmático fenómeno irrumpió con fuerza y desafió las convenciones del arte urbano. La frase&nbsp;"No me baño", que adornaba discretamente algunos espacios, se convirtió en una icónica declaración en las&nbsp;paredes, persianas, techos y tachos de basura de la capital argentina.<h2>El surgimiento</h2>La esencia del movimiento radica en su capacidad para&nbsp;provocar y desconcertar. Se originó entre un&nbsp;grupo de&nbsp;skaters, conocido como "No me baño", que, tras recibir el apodo de manera despectiva, decidió adoptarlo y llevarlo a la esfera pública a través del&nbsp;graffiti. La frase resonó en el imaginario y se convirtió en un&nbsp;símbolo de rebeldía y originalidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_2_68a09c36ca.jpg"></figure>En la Ciudad de Buenos Aires, la corriente juvenil dejó su huella en un flanco de un edificio&nbsp;[Imagen], por Indie hoy.<h2>Influencia del graffiti</h2>Al igual que el&nbsp;graffiti&nbsp;neoyorquino de los años 70, que se manifestaba en los trenes y en las calles con&nbsp;tags&nbsp;y firmas, "No me baño" encontró su lugar en el&nbsp;paisaje urbano de Buenos Aires y navega entre aguas turbulentas. Este ofrece una estética que&nbsp;desafía las normas y, al mismo tiempo, se enfrenta a la desaprobación de algunos sectores de la sociedad.La dinámica del&nbsp;graffiti, por su naturaleza, es territorial y provocativa. Es una forma de expresión que choca, tal es así, que con frecuencia es percibido como&nbsp;vandalismo&nbsp;por aquellos ajenos a la práctica, mientras que para los artistas es una forma legítima de intervención urbana. En el caso de "No me baño", la frase en sí misma actúa como un lienzo en blanco que invita a una&nbsp;libre interpretación.<h2>Evolución y popularidad</h2>A diferencia de otros grupos que operan con siglas o nombres enigmáticos, "No me baño" adoptó una&nbsp;forma más explícita de comunicación. Inicialmente representados por&nbsp;las siglas NMB, comenzaron a utilizar la frase completa en sus pintadas, lo que generó una mayor visibilidad. La frase, que puede parecer trivial, desencadenó un&nbsp;fenómeno cultural.El movimiento creció en popularidad y las&nbsp;redes sociales jugaron un papel crucial en su difusión. Las imágenes de las pintadas, acompañadas por hashtags y publicaciones en Instagram, permitieron a los seguidores compartir y celebrar su presencia en diferentes rincones de la ciudad. Esta estrategia, que contribuyó a su expansión, creó una comunidad en torno a la frase y fomentó la participación de sus admiradores.<h2>Identidad e interpretaciones</h2>Con un desafío constante a las normas de limpieza y presentación personal, proponen una&nbsp;visión alternativa que celebra la libertad e individualidad. En un contexto donde la apariencia se asocia con el estatus, ellos muestran una perspectiva refrescante. De esta manera, dejaron una marca en la cultura popular e influenció la moda, el arte y la música. Artistas y creadores exploraron temas relacionados con la identidad y la autoaceptación, inspirados por la filosofía de "No me baño".&nbsp;Es importante reconocer que no es un&nbsp;fenómeno monolítico porque dentro del movimiento, existen múltiples interpretaciones. Esta diversidad añade una capa de complejidad al fenómeno y lo hace aún más fascinante de explorar.La frase, que inicialmente podía parecer un simple acto de provocación, se convirtió en un símbolo. A pesar de la controversia y las críticas, ofrecen una reflexión sobre la relación entre la apariencia, la higiene y la identidad y promueve una visión más flexible de la autenticidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_3_5f6b8cfd3b.jpg"></figure>A la izquierda, una casa abandonada revitalizada mediante graffitis y dibujos. A la derecha, un cerco usado por el área de tránsito del gobierno porteño también intervenido por NMB [Imagen], por Indie hoy.

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La historia del movimiento “NO ME BAÑO”

Franco Miglia encontró en la capital de Catamarca el escenario ideal para expresar su creatividad y&nbsp;llevar su pasión a un nuevo nivel. De esta manera y tras varios meses de un intenso trabajo, logró un mural monumental, a metros de la casa de gobierno, que celebra a&nbsp;Lionel Messi.<h2>Historia e inspiración</h2>Es pampeano de nacimiento, pero actualmente vive en Catamarca. Se dedica a realizar manifestaciones artísticas urbanas desde hace más de una década y es autor de múltiples obras callejeras, en su mayoría relacionadas al deporte. Se especializa en el diseño de banderas de cancha y telones de hinchadas. Su fanatismo por&nbsp;Boca Juniors es una de sus inspiraciones para la realización de su arte.<h2>Murales que inspiran</h2>Además de embellecer el paisaje urbano, sus obras enriquecen a la comunidad con representaciones vívidas y dinámicas del deporte y la cultura. Esto mismo detectaron las autoridades de San Fernando del Valle de Catamarca, que lo contactaron para que despliegue sus dotes en varios rincones de la ciudad. Es un hecho que con una gran capacidad inventiva demuestra su habilidad para transformar espacios vacíos en testimonios visuales que inspiran y conectan con el público.<h2>Exposición digital</h2>Para compartir sus creaciones utiliza su perfil de Instagram (@franco_miglia). Su galería virtual es un testimonio de su dedicación a honrar&nbsp;figuras icónicas como Maradona y Riquelme, donde fusiona el arte urbano con la identidad cultural argentina de una forma cautivante.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FRANCO_MIGLIA_FOTO_2_5d9825ea6a.webp"></figure>Franco Miglia expone una de sus tantas obras con su ídolo como protagonista [Imagen], por @franco_miglia.&nbsp;&nbsp;

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El homenaje urbano a Lionel Messi

El automovilista Sergio Pérez dejó una huella profunda en la&nbsp;Fórmula 1 y en el deporte mexicano. Tal es así, que Claudio Robledo Mtanous y Dariana Vázquez Guajardo, dos creadores de arte urbano, le dedicaron un impresionante mural en Nuevo León.&nbsp;<h2>Un homenaje a toda velocidad</h2>La obra retrata a&nbsp;Checo Pérez con su uniforme de Red Bull y su característica gorra número 11, cifra que utiliza en su monoplaza RB19. El realismo del rostro del piloto, principalmente, detallado en su barba y sonrisa es impactante. El fondo muestra al mexicano de espaldas, con su casco que lleva detalles de la escudería austriaca.<h2>La técnica y dedicación detrás del mural</h2>El uso de&nbsp;aerosol y pinceles permitió a los artistas dar vida a esta pintura urbana, que no es la primera dedicada a figuras deportivas originarias de México, ya que Claudio también inmortalizó a Charly Rodríguez y Julio César Chávez. Esta obra es una celebración del talento del deportista y un reflejo del&nbsp;compromiso artístico de honrar ídolos deportivos.&nbsp;El mural destaca por la dedicación y el detalle puesto en cada pincelada. Durante cinco días seguidos, Claudio y Dariana trabajaron bajo un intenso calor y luego de capturar el proceso creativo en un video, este se volvió viral tras el&nbsp;Gran Premio de Bélgica.&nbsp;&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Mural_Checo_Perez_FOTO_2_42e8a60ca4.jpg">El proceso de creación [Imagen], por Instagram / @clau_mtanous / @daarianaaaa.<h2>Un punto de encuentro para fanáticos del arte</h2>Está ubicado en la Avenida Calzada Unión, en la colonia Hacienda Los Morales de San Nicolás de los Garza. Es resultado del programa Arte Urbano del Instituto Municipal de Desarrollo de Cultura de San Nicolás (IMDEC), que se encarga de facilitar espacios para que artistas jóvenes puedan plasmar todo su talento en las calles.Cientos de fanáticos de la Fórmula 1 y amantes del arte, acudieron para sacarse fotos y compartir este increíble homenaje a uno de los más grandes del automovilismo mexicano.

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Checo Pérez, automovilista e inspiración artística

La Velada del Año VI, organizada por Ibai Llanos, aterrizará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y volverá a reunir a algunos de los creadores de contenido, streamers y artistas musicales más populares del momento. Con combates confirmados, shows en vivo y transmisión gratuita, Street Art Latam te trae toda la información para no perderte ningún detalle del evento.<h2>Ibai Llanos vuelve a convertir Sevilla en la capital del streaming: así será la Velada del Año VI</h2>Desde su nacimiento en el año 2021, La Velada del Año se consolidó como uno de los eventos deportivos y de entretenimiento más importantes del mundo del streaming. Y esta temporada no será la excepción. Organizada por el español Ibai Llanos, la cita volverá a reunir a streamers, creadores de contenido, periodistas y artistas musicales en el Estadio La Cartuja de Sevilla, escenario donde se llevará a cabo la sexta edición del espectáculo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_64b15eaff8.png">El español Pereira combatiendo en la Velada del Año V (La Velada del Año).La jornada contará con figuras españolas como Viruzz, Plex y TheGrefg y celebridades del género urbano hispanohablante de la talla de Lit Killah y Kidd Keo, además de una fuerte presencia latinoamericana con nombres como el argentino Gastón Edul, la mexicana Rivers y el salvadoreño Fernanfloo, mientras que estrellas como Anuel AA, Bad Gyal y Yandel, entre otros artistas, protagonizarán los tradicionales shows musicales que acompañarán el evento entre combate y combate.La sexta edición de La Velada del Año se celebrará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y podrá seguirse en directo y de forma gratuita a través de los canales oficiales del español Ibai Llanos en Twitch, YouTube y TikTok.<ul><li>España: 19:00 horas.</li><li>Argentina, Uruguay y Paraguay: 14:00 horas.</li><li>Chile, Venezuela, Bolivia, Puerto Rico, República Dominicana y Estados Unidos (Este): 13:00 horas.</li><li>Colombia, Perú, Ecuador, Panamá y Estados Unidos (Centro): 12:00 horas.</li><li>México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Estados Unidos (Montaña): 11:00 horas.</li><li>Estados Unidos (Oeste): 10:00 horas.</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bc30c0f316.png">Ibai Llanos, la figura detrás de la Velada del Año (La Velada del Año).<h2>¿Quiénes pelearán en la Velada del Año VI?</h2>Uno de los grandes atractivos de La Velada del Año VI volverá a ser su cartelera de combates. La sexta edición contará con un total de diez enfrentamientos—cinco masculinos y cinco femeninos— protagonizados por streamers, creadores de contenido, periodistas, tiktokers y personalidades de internet de distintos países hispanoparlantes, en la programación más extensa desde la creación del evento.<ul><li>Edu Aguirre versus Gastón Edul</li><li>La Parce versus Fabiana Sevillano</li><li>Clersss versus Natalia MX</li><li>Lit Killah versus Kidd Keo</li><li>Alondrissa versus Angie Velasco</li><li>Viruzz versus Gero Arias</li><li>Samy Rivers versus RoRo</li><li>Marta Díaz versus Tatiana Käer</li><li>Plex versus Fernanfloo</li><li>IlloJuan versus TheGrefg</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_3003b3ad6b.png">Viruzz y Tomás Mazza enfrentándose en la Velada del Año (Velada del Año).<h2>Anuel AA, Bad Gyal y Yandel: los artistas que pondrán música a la Velada del Año VI</h2>Más allá de los combates arriba del ring, La Velada del Año VI volverá a apostar por uno de los sellos distintivos que la convirtieron en un fenómeno global: los shows musicales. Entre combate y combate, algunos de los artistas más importantes de la escena urbana española y latinoamericana serán los encargados de subir al escenario del Estadio La Cartuja, en una grilla que combina figuras consolidadas, referentes internacionales y algunas sorpresas de último momento.<ul><li>Lucho RK</li><li>La Pantera</li><li>Bad Gyal</li><li>Anuel AA</li><li>Yandel</li><li>Juanes</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de La Velada Del Año VI (@infolavelada)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div>Sin embargo, la lista todavía no está completa. El propio Ibai Llanos confirmó en redes sociales que habrá artistas sorpresa cuya participación recién se dará a conocer durante el desarrollo del evento en Sevilla, manteniendo una de las tradiciones más esperadas de cada edición de La Velada del Año.

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Todo lo que tenés que saber sobre la Velada del Año VI de Ibai Llanos

Los fanáticos del k-pop en Chile están expectantes, con la posibilidad de que&nbsp;Stray Kids, una de las&nbsp;boybands&nbsp;más emblemáticas de la actualidad, incluya a la ciudad de Santiago en su gira mundial de este año. Los rumores encendieron una ola de entusiasmo entre los seguidores, quienes demostraron una devoción sin igual por este género en los últimos años.Desde su aparición, trascendió fronteras y se convirtió en un fenómeno. Puntualmente, en Chile acumuló más de cuarenta mil millones de transmisiones y posicionó al país como el decimoquinto territorio global en consumo de este género. Además, se ubicó en el decimoctavo en cuanto a menciones en X relacionadas con el k-pop, lo que demuestra la magnitud de la popularidad.Este género penetró en el ámbito musical e influyó fuertemente en la cultura popular chilena. La presencia en plataformas digitales como&nbsp;TikTok e Instagram es vasta, con numerosos contenidos dedicados a artistas y grupos coreanos. La influencia fue tan significativa que incluso tuvo un impacto en el contexto político del país, como lo evidencian los&nbsp;estudios de Big Data que relacionan los fandoms del k-pop con la incitación a las protestas durante el estallido social.La llegada de&nbsp;Stray Kids&nbsp;significaría un evento monumental para la escena musical local. Desde su debut en 2018, el grupo capturó a la gente con su estilo audaz y su enérgico desempeño en el escenario. Por el momento no hay ninguna confirmación de fechas ni lugares, pero el solo rumor creó una atmósfera de ansiedad.A pesar del interés en el&nbsp;k-pop, las productoras chilenas son reticentes a invertir en eventos de este tipo. La dificultad principal es que estos artistas tienen un costo elevado de producción. Aunque la productora&nbsp;NoiX Entertainment&nbsp;intentó asumir el riesgo, los problemas financieros y organizativos predominaron, y solo quedó en un fallido.La situación de los eventos de k-pop en Chile refleja una paradoja: a pesar del entusiasmo y la demanda de los fanáticos, las dificultades económicas y logísticas limitaron la realización. La&nbsp;devoción de los chilenos continúa como un factor determinante en la promoción de estos eventos. La posible visita de&nbsp;Stray Kids representa una oportunidad única para el país trasandino.&nbsp;Con una base de seguidores apasionados y un historial de eventos exitosos, Chile está listo para recibir a uno de los grupos más influyentes del K-pop. A medida que la emoción crece, los fanáticos chilenos se preparan para recibir a Stray Kids con el mismo fervor que mostraron en los últimos años.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/K_pop_FOTO_2_f419dd2460.jpg"></figure>El cuarteto coreano Blackpink, 2023 [Imagen], por Emma McIntyre.

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 El k-pop es furor en Santiago

Nacido en la ciudad de Nueva York y criado en el sur de Florida,&nbsp;David Adam Le Batard, también distinguido en el mundo del arte por el sobrenombre de&nbsp;Lebo, fue un&nbsp;artista urbano conocido por sus&nbsp;murales,&nbsp;pinturas&nbsp;y&nbsp;esculturas&nbsp;en la ciudad de&nbsp;Miami, Florida. El artista cubanoamericano fue estudiante en&nbsp;Chaminade-Madonna College Preparatory School en Hollywood y luego continuó sus estudios en la&nbsp;Universidad Internacional de Florida.<h2>El expresionismo de Lebo</h2>Lebo fue el&nbsp;innovador&nbsp;del&nbsp;expresionismo de dibujos animados posmoderno, una combinación de imágenes de dibujos animados, equilibrios de color ricamente saturados y una composición lineal única reunida en un estilo narrativo para inspirar emociones y crear capas de significado.&nbsp;<h2>Welcome to Miami Beach, la pieza más importante de Lebo</h2>Una de sus mayores creaciones es, sin dudas, el&nbsp;icónico mural&nbsp;Welcome to Miami Beach, ubicado en el Teatro Roosevelt. La obra del nacido en Nueva York obtuvo el título al&nbsp;mural artístico más grande aprobado por la ciudad de&nbsp;Miami Beach. El mural, que contiene un puesto de salvavidas, una flor de jazmín y un periquito, entre otros elementos, sirve como un&nbsp;punto de referencia de bienvenida para los lugareños, turistas y entusiastas del arte de todo el mundo.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DZ0vq4zlFUb/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DZ0vq4zlFUb/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DZ0vq4zlFUb/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Red Bull Batalla (@redbullbatalla)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/image_a09a762cdb.png" alt="Imagen del artículo: Lebo, una parte esencial del arte en Miami">El mural “Welcome to Miami Beach” de Lebo (Lebo Art).<h2>Más obras y colaboraciones</h2>Otra de sus obras más reconocidas es la colaboración con la&nbsp;línea de cruceros Norwegian. El artista neoyorquino fue el encargado de&nbsp;diseñar&nbsp;y&nbsp;pintar&nbsp;el casco del crucero&nbsp;“The Getaway”, que tiene su base en el puerto de Miami. El diseño artístico se centra en una&nbsp;sirena, una imagen icónica que representa la conexión de la humanidad con el mar.Además, el muralista logró colaborar con múltiples marcas de renombre tales como&nbsp;Lulu Lemon, Harley Davidson, Audi, Google, Microsoft, Red Bull, Ketel One, Bacardi, Adidas y Ferrari.Si bien la mayor parte de su arte está en la ciudad de Miami, el talento y la magia de Lebo estará por siempre en la memoria de los muralistas. &nbsp;

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El expresionismo de Lebo

<h2>Sus padres eran inmigrantes cubanos, nació en Nueva York, una de las ciudades más relevantes en la escena del arte, y se convirtió en uno de los muralistas más respetados de Miami. Su nombre completo era David Adam Le Batard, pero el mundo artístico lo conoció como Lebo.</h2><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/image_0fb226a8a5.png" alt="Portada de Lebo, una parte esencial del arte en Miami">Lebo en acción (Lebo Art).Por&nbsp;Mateo ModicÚltima actualización el 15 de octubre de 2024Nacido en la ciudad de Nueva York y criado en el sur de Florida,&nbsp;David Adam Le Batard, también distinguido en el mundo del arte por el sobrenombre de&nbsp;Lebo, fue un&nbsp;artista urbano conocido por sus&nbsp;murales,&nbsp;pinturas&nbsp;y&nbsp;esculturas&nbsp;en la ciudad de&nbsp;Miami, Florida. El artista cubanoamericano fue estudiante en&nbsp;Chaminade-Madonna College Preparatory School en Hollywood y luego continuó sus estudios en la&nbsp;Universidad Internacional de Florida.<h2>El expresionismo de Lebo</h2>Lebo fue el&nbsp;innovador&nbsp;del&nbsp;expresionismo de dibujos animados posmoderno, una combinación de imágenes de dibujos animados, equilibrios de color ricamente saturados y una composición lineal única reunida en un estilo narrativo para inspirar emociones y crear capas de significado.&nbsp;<h2>Welcome to Miami Beach, la pieza más importante de Lebo</h2>Una de sus mayores creaciones es, sin dudas, el&nbsp;icónico mural&nbsp;Welcome to Miami Beach, ubicado en el Teatro Roosevelt. La obra del nacido en Nueva York obtuvo el título al&nbsp;mural artístico más grande aprobado por la ciudad de&nbsp;Miami Beach. El mural, que contiene un puesto de salvavidas, una flor de jazmín y un periquito, entre otros elementos, sirve como un&nbsp;punto de referencia de bienvenida para los lugareños, turistas y entusiastas del arte de todo el mundo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/image_7bda5932da.png" alt="Imagen del artículo: Lebo, una parte esencial del arte en Miami">El mural “Welcome to Miami Beach” de Lebo (Lebo Art).<h2>Más obras y colaboraciones</h2>Otra de sus obras más reconocidas es la colaboración con la&nbsp;línea de cruceros Norwegian. El artista neoyorquino fue el encargado de&nbsp;diseñar&nbsp;y&nbsp;pintar&nbsp;el casco del crucero&nbsp;“The Getaway”, que tiene su base en el puerto de Miami. El diseño artístico se centra en una&nbsp;sirena, una imagen icónica que representa la conexión de la humanidad con el mar.Además, el muralista logró colaborar con múltiples marcas de renombre tales como&nbsp;Lulu Lemon, Harley Davidson, Audi, Google, Microsoft, Red Bull, Ketel One, Bacardi, Adidas y Ferrari.Si bien la mayor parte de su arte está en la ciudad de Miami, el talento y la magia de Lebo estará por siempre en la memoria de los muralistas. &nbsp;

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Copa Mundial FIFA 2026: Todo lo que necesitás

¿Sabías que existe un proyecto que le da una segunda vida a los botines de fútbol y los transforma en mates artesanales? Sí, así como suena: Mate-Botín, creado por los exfutbolistas marplatenses Branco Troiano y León Zubillaga, convierte a través del arte pares usados en piezas únicas con identidad bien argentina.<h2>Mate-Botín, la fusión perfecta entre fútbol, arte y cultura</h2>Todos sabemos que el arte no se limita únicamente a los lienzos colgados en una pared ni a las intervenciones que irrumpen en el espacio público. A lo largo del tiempo, distintos artistas han demostrado que la creatividad puede habitar en cualquier objeto, incluso en aquellos que, a simple vista, parecen ajenos a lo artístico. Desde obras confeccionadas con vinilos de música o materiales reciclados hasta creaciones hechas con arena o alimentos, el arte encuentra siempre nuevas formas de expresión, desafiando sus propios límites.

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Del botín a la ronda: el proyecto que transforma fútbol en mate

Argentina&nbsp;es uno de los países de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;con más&nbsp;riqueza cultural. No solo cuenta con un abanico de paisajes impresionantes, una flora y fauna especial y única y una gastronomía espectacular, sino que también posee una gran historia musical:&nbsp;Carlos Gardel y el&nbsp;tango,&nbsp;Atahualpa Yupanqui&nbsp;y el&nbsp;folclore,&nbsp;Soda Stereo&nbsp;y el&nbsp;rock nacional&nbsp;y&nbsp;Damas Gratis&nbsp;y la&nbsp;cumbia. Sin embargo, el&nbsp;trap&nbsp;ha sido uno de los géneros musicales que&nbsp;más terreno ha ganado&nbsp;en los&nbsp;últimos años&nbsp;y se ha establecido como uno de los&nbsp;estilos más escuchados en&nbsp;Argentina. Duki&nbsp;es, sin dudas, el&nbsp;máximo exponente&nbsp;del&nbsp;trap argentino. Si bien a lo largo de su carrera musical ha incursionado en varios géneros, como el reguetón o el pop, el nacido en Almagro, Buenos Aires, es el&nbsp;pionero&nbsp;y la&nbsp;pata principal del&nbsp;estilo&nbsp;en el&nbsp;país sudamericano. La&nbsp;cantidad&nbsp;de&nbsp;seguidores&nbsp;en sus redes sociales, las&nbsp;millones de visualizaciones en las diversas plataformas y los&nbsp;múltiples logros&nbsp;que ha conseguido de la mano del trap, lo vuelven el&nbsp;número uno del género en el país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_2_bf85d33174.jpg"></figure>Duki durante su concierto en el Santiago Bernabéu, estadio de Real Madrid (Ricardo Rubio - Europa Press).YSY A, también conocido como Alejo, es la&nbsp;segunda espada&nbsp;del&nbsp;trap&nbsp;en&nbsp;Argentina. Con más de&nbsp;cinco discos&nbsp;de&nbsp;estudio&nbsp;y un amplio repertorio de&nbsp;giras&nbsp;y&nbsp;conciertos, el&nbsp;ex organizador del&nbsp;Quinto Escalón, histórica competencia de freestyle en el país sudamericano, se convirtió en uno de los&nbsp;máximos referentes&nbsp;del&nbsp;género&nbsp;en&nbsp;Argentina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_3_3a7227a4a9.jpg"></figure>YSY A, parte fundamental del trap en Argentina (German Garcia Adrasti).Neo Pistea&nbsp;es otro de los&nbsp;pilares&nbsp;del&nbsp;trap&nbsp;en&nbsp;Argentina. Además de ser uno de los&nbsp;primeros traperos&nbsp;del país, el rapero compuso “Tumbando el club”,&nbsp;himno nacional&nbsp;del&nbsp;género,&nbsp;y formó parte de&nbsp;Modo Diablo junto con&nbsp;Duki&nbsp;e&nbsp;YSY A, grupo que marcó un&nbsp;antes&nbsp;y un&nbsp;después&nbsp;en la&nbsp;historia&nbsp;del&nbsp;trap argentino.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_4_328eba3b82.jpg"></figure>Neo Pistea, historia del género musical en Argentina (Manuel Cascallar).Khea&nbsp;también forma parte de la lista de los&nbsp;pioneros&nbsp;del&nbsp;trap argentino. El rapero es una de las voces principales del estilo en el país y el protagonista de uno de los&nbsp;hitos más importantes en la&nbsp;historia&nbsp;del&nbsp;género: la creación del sencillo “Loca”, una de las&nbsp;canciones pilares del&nbsp;trap argentino.&nbsp;A su vez, cuenta con presentaciones en los&nbsp;principales festivales de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;como el&nbsp;Lollapalooza&nbsp;y ha sido invitado a giras de artistas tales como&nbsp;Daddy Yankee,&nbsp;Anuel AA&nbsp;y&nbsp;Nicky Jam.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_5_0357b17347.jpg"></figure>Khea, uno de los líderes del movimiento trap en Argentina y Latinoamérica (Interscope Records).Conocida como "La Jefa",&nbsp;Cazzu&nbsp;es una de las&nbsp;artistas más influyentes en la&nbsp;escena&nbsp;del&nbsp;trap argentino. Con&nbsp;cuatro álbumes&nbsp;en su currículum y varios shows por el país, la cantante logró consolidarse como una de las&nbsp;referentes femeninas&nbsp;del estilo. Además, su participación en&nbsp;festivales internacionales de renombre y&nbsp;colaboraciones&nbsp;con artistas de alto calibre&nbsp;la posicionaron como una&nbsp;estrella global.<figure class="image"><img></figure><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_6_1_5e6ef93873.png">Cazzu, la reina del trap en Argentina (Mezcalent).Obie Wanshot,&nbsp;Lucho SSJ,&nbsp;Bhavi,&nbsp;Dillom,&nbsp;Muerejoven,&nbsp;Taichu&nbsp;y&nbsp;Saramalacara&nbsp;son otros de los artistas que han aportado su granito de arena para que el trap se establezca como uno de los&nbsp;géneros musicales&nbsp;más escuchados en&nbsp;Argentina.Con el tiempo, y gracias a la ayuda de referentes como Duki o YSY A, el trap argentino dejó de ser un fenómeno underground para convertirse en un pilar de la música popular. El trap pasó a dominar las listas de éxitos y a llenar grandes escenarios, atrayendo a miles de fanáticos en todo el país y más allá de sus fronteras.

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Trap made in Argentina: los pioneros que definieron una generación

En el corazón de&nbsp;Nayarit, un rincón de México cautiva con su&nbsp;misticismo&nbsp;y belleza natural. La&nbsp;Laguna de Santa María del Oro, rodeada de montañas verdes y aguas cristalinas, es un destino imperdible para quienes buscan una conexión profunda con la naturaleza. El origen, atribuido a un antiguo meteorito que dejó un&nbsp;cráter volcánico, formó un cuerpo de agua que se mantiene enigmático y fascinante, con una profundidad que todavía desafía a quienes intentan desentrañar sus secretos.<h2>El espectáculo cromático y las leyendas de la laguna</h2>Uno de los fenómenos más sorprendentes de esta laguna es su constante&nbsp;cambio de color.&nbsp;A lo largo del año, varía desde un turquesa brillante hasta un verde profundo o incluso marrón. Este es el resultado de la particular&nbsp;composición química del agua, rica en nitrógeno y fósforo, lo que también explica la ausencia de oxígeno en sus profundidades. Las fluctuaciones de temperatura y la interacción con su entorno montañoso contribuyen a este baile de colores, que asombra a todos.La Laguna de Santa María del Oro atrae por su belleza escénica, pero también porque sus aguas están impregnadas de leyendas que pasaron de generación en generación. Una de las historias más conmovedoras narra el trágico&nbsp;amor entre dos jóvenes de tribus enemigas, cuyas lágrimas habrían dado origen a la laguna. Más allá de su componente místico, añaden una capa cultural que enriquece la experiencia de quienes visitan este lugar. La mezcla con lo sobrenatural crea un&nbsp;ambiente de misterio&nbsp;que envuelve a todo el entorno.<h2>Actividades para hacer</h2>Además de la contemplación, la laguna tiene un&nbsp;sinfín de actividades para quienes buscan emociones al aire libre. Los paseos en&nbsp;kayak&nbsp;y lancha permiten explorar desde dentro, mientras que el buceo es una invitación a descubrir los secretos que yacen en sus profundidades. Los senderos serpentean entre la&nbsp;vegetación&nbsp;y cuentan con rutas para el&nbsp;senderismo y el&nbsp;ciclismo de montaña. Cerca de allí, está la&nbsp;cascada La Silla, con un paisaje espectacular y una piscina natural en la que refrescarse después de una caminata.La experiencia no estaría completa sin incursionar en la&nbsp;gastronomía local. Los restaurantes a orillas de la laguna ofrecen platillos que reflejan la rica herencia culinaria de la región. El chicharrón de pescado, crujiente y lleno de sabor, y la capirotada, un postre tradicional son los destacados, un cierre perfecto de un día lleno de actividades.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/LAGUNA_DE_NAYARIT_FOTO_2_6aa77b3839.jpg">[Imagen], por Quadratin Jalisco. El viaje hacia Santa María del Oro es una&nbsp;travesía&nbsp;en sí misma. Situada a más de&nbsp;700 kilómetros de la Ciudad de México, la ruta hacia esta laguna escondida en la Sierra Madre Occidental&nbsp;y es un anticipo de la belleza que espera al final.&nbsp;Definitivamente es un refugio natural&nbsp;donde el tiempo parece detenerse. Tiene la capacidad para combinar la serenidad del entorno con la intensidad de sus leyendas, con un espacio único. Para quienes buscan un destino que encapsule la esencia de la naturaleza mexicana, Nayarit es una experiencia inolvidable, donde cada visita revela un nuevo matiz y una nueva historia.

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