Son varios los artistas latinos que alcanzaron el éxito a una edad sorprendentemente temprana. Estos talentos prodigiosos transformaron el género urbano y se convirtieron en íconos por derecho propio.&nbsp;<h2>Bad Bunny</h2>El primero de la lista es&nbsp;Bad Bunny, nacido como Benito Antonio Martínez Ocasio en Puerto Rico, comenzó a subir sus primeras canciones a&nbsp;SoundCloud&nbsp;a los 14 años. Su voz única y su estilo innovador rápidamente captaron la atención de los oyentes, y pronto se convirtió en un nombre reconocido. Su ascenso a la fama fue meteórico, y sus contribuciones al&nbsp;reggaetón&nbsp;fueron revolucionarias.<h2>J Balvin</h2>Desde Colombia, J Balvin, cuyo nombre real es José Álvaro Osorio Balvin, desarrolló un interés por la música también a los&nbsp;14 años. Su pasión por el&nbsp;reggaetón&nbsp;lo llevó a seguir una carrera que lo convertiría en una de las mayores estrellas del género. El estilo colorido y enérgico que lo caracteriza le dio reconocimiento internacional, y una influencia sin igual.<h2>Anuel AA</h2>El sensacional puertorriqueño, comenzó a grabar música a los&nbsp;17 años. Con una voz distintiva y letras crudas, rápidamente se destacó en la escena del trap y ganó seguidores fieles y al mismo tiempo que colaboró con otros grandes del género. Su autenticidad y estilo directo es el secreto de lograr una conexión sólida con su audiencia. En 2016, lanzó su primer sencillo "Sola" que lo catapultó a la fama y en 2018, lanzó su álbum debut "Real Hasta La Muerte".<h2>Karol G</h2>También de Colombia, mostró su talento en&nbsp;"Factor Xs" a los 14 años. Desde entonces, su carrera fue un ascenso constante, consolidándose como una de las principales cantantes femeninas urbanas. Con su poderosa voz y una presencia escénica arrolladora, deslumbra en cada presentación. En 2017, lanzó su sencillo "Ahora me llama" con&nbsp;Bad Bunny, que la llevó a la fama internacional, y en 2019, ganó el&nbsp;Grammy Latino a Mejor Nuevo Artista. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/CANTANTES_LATINOS_FOTO_2_acf6e80496.jpg">La Bichota logró romper barreras y desafiar estereotipos en un género dominado por hombres [Imagen], por Billboard.<h2>Nicky Jam</h2>Nacido en Estados Unidos pero criado en Puerto Rico, inició su carrera musical a los&nbsp;14 años. Su talento innato y capacidad para reinventarse después de tiempos difíciles lo hicieron una leyenda del&nbsp;reggaetón y fue una figura clave en su evolución. Nicky superó desafíos personales y resurgió con fuerza y dejó una marca imborrable en la industria. En 2014, su sencillo "Travesuras" marcó su regreso triunfal y en 2015, lanzó "El&nbsp;Perdón" con&nbsp;Enrique Iglesias.<h2>Ozuna</h2>Comenzó a escribir canciones y a grabar a los&nbsp;12 años. Otro talentoso puertorriqueño con una habilidad para crear éxitos pegadizos y su estilo vocal suave lo transformaron en una fuerza dominante en la música urbana. Su trabajo con múltiples grandes artistas y los premios obtenidos los consolidaron firmemente en la industria. En 2016, lanzó "Si Tu Marido No Te Quiere", su primer sencillo de éxito, y en 2018, su álbum "Odisea" rompió récords de ventas. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/CANTANTES_LATINOS_FOTO_3_3fd77ee5ed.jpg">En 2010,&nbsp;el Negrito de ojos claros&nbsp;se mudó a&nbsp;<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_York">Nueva York</a>, más precisamente a&nbsp;<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Washington_Heights">Washington Heights</a>, donde vivió durante tres años en busca de oportunidades en la música&nbsp;&nbsp;[Imagen], por Santander Music.<h2>Becky G</h2>Nacida en Estados Unidos pero con raíces mexicanas, ganó reconocimiento videos de YouTube a los&nbsp;14 años. Su carisma y talento la llevaron a firmar con una importante discográfica, y desde entonces no paró de lanzar éxitos que combinan el&nbsp;pop&nbsp;y&nbsp;reggaetón. En 2014, su sencillo "Shower" alcanzó el top 20 en&nbsp;Billboard Hot 100, y en 2018, "Sin Pijama" con Natti Natasha se convirtió en un hit mundial.<h2>Maluma</h2>Inició su carrera a los&nbsp;16 años. También colombiano, con una voz seductora y una imagen cuidadosamente cultivada, rápidamente su nombre trascendió en la escena urbana. Sus colaboraciones con grandes estrellas y su constante evolución artística lo mantienen en la cima de las listas de éxitos. En 2015, lanzó "Borró Cassette", que fue un éxito en varios países, y en 2018, su álbum "F.A.M.E." ganó el&nbsp;Grammy Latino a Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo.<h2>Paulo Londra</h2>De Argentina a mundo, comenzó a rapear a los&nbsp;14 años. Su habilidad para contar historias a través de sus letras lo hicieron uno de los artistas más populares del trap. El fue&nbsp;una pieza fundamental para poner a Argentina en el mapa de la música urbana global. En 2017, lanzó su sencillo "Relax", que rápidamente ganó popularidad, y en 2019, su álbum "Homerun" alcanzó gran éxito.<h2>Cazzu</h2>La argentina incursionó en la música a los&nbsp;11 años. Su capacidad para mezclar rap y&nbsp;reggaetón&nbsp;con una estética distintiva le dieron fama internacional, sumado a su autenticidad y por su desafío constante de las expectativas. En 2017, su sencillo "Loca" con Khea y Duki se convirtió en un éxito viral, y en 2019, lanzó su álbum "Error 93".<h2>Lunay</h2>Comenzó su carrera subiendo canciones a&nbsp;SoundCloud&nbsp;a los&nbsp;16 años. Su talento y carisma lo llevaron rápidamente a firmar con una discográfica importante, y lanzó varios éxitos que resonaron en todo el mundo. En 2019, su sencillo "Soltera" con Daddy Yankee y Bad Bunny fue un éxito masivo, y su álbum "Épico" consolidó su carrera.<h2>Duki</h2>Comenzó a ganar notoriedad en la escena del&nbsp;freestyle&nbsp;argentino a los&nbsp;19 años. Su habilidad para improvisar y su estilo distintivo lo forjaron como una figura clave en el movimiento del trap. En 2017, su sencillo "She Don't Give a FO" se volvió un viral, y en 2018, lanzó su álbum "24". Desde su aparición hasta el momento, el artista supo tener una versatilidad notable, que le permitió adentrarse con éxito en múltiples ritmos. <img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/CANTANTES_LATINOS_FOTO_4_00a763e669.jpg"> El Duko ganó la antepenúltima competencia "El Quinto Escalón", en 2016 [Imagen], por El Planeta Urbano.<h2>Myke Towers&nbsp;</h2>Nació en Puerto Rico e inició su carrera musical a los&nbsp;17 años, con&nbsp;mixtapes&nbsp;y canciones en línea. Tiene un estilo lírico y habilidad para abordar temas variados. En 2016, lanzó su "El Final del Principio", y en 2020, su álbum "Easy Money Baby" debutó en el número uno en las listas de Billboard.<h2>Rauw&nbsp;Alejandro</h2>Por último, el puertorriqueño y multifacético que inició su carrera musical a los&nbsp;15 años. Aunque alcanzó fama internacional más tarde, su dedicación y talento En 2017, lanzó su sencillo "Toda" que fue un éxito en América Latina, y en 2020, su álbum "Afrodisíaco" le ganó reconocimiento mundial.Todos estos artistas son generadores de un impacto que trasciende fronteras. El talento y la pasión que los movió desde sus inicios fueron cruciales para que sus edades no los limiten. Hoy por hoy, son los que marcan el ritmo de lo que está por venir en la escena musical urbana global.

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Noticias

Los cantantes urbanos que comenzaron su carrera antes de los 20 años

Desde sus playas siempre concurridas hasta sus barrios como&nbsp;Little Havana, cada parte de&nbsp;Miami&nbsp;ofrece una experiencia única. Con su arquitectura, centros comerciales y escena gastronómica, se presenta como un lugar donde la&nbsp;modernidad&nbsp;y la tradición convergen en un entorno&nbsp;dinámico&nbsp;y cautivador, especialmente para los latinos que se sienten como en casa.<h2>Playas y clima ideales</h2>Las playas son el principal atractivo de Miami, con una temperatura media anual de 24 grados, se encuentran siempre repletas de gente. Su privilegiada ubicación al sur de&nbsp;Florida&nbsp;lo convierte en un destino turístico en el que se puede disfrutar de un clima cálido durante los 12 meses del año.<h2>Diversión y entretenimiento</h2>La Ciudad del Sol tiene mucho más que ofrecer: como días de aventura en el&nbsp;Parque Nacional de los&nbsp;Everglades&nbsp;en busca de caimanes, sentarse tranquilamente en alguna de las terrazas de Ocean Drive y observar el ambiente especial de&nbsp;South Beach,&nbsp;partidos de básquet de los&nbsp;Miami Heat&nbsp;o encuentros de fútbol americano de los&nbsp;Miami Dolphins.<h2>Compras y&nbsp;shoppings</h2>En lugares como el centro comercial&nbsp;Bal Harbour Shops, los turistas pueden encontrar marcas de moda y diseñadores exclusivos.&nbsp;Lincoln Road, en&nbsp;Miami Beach, es famoso por sus tiendas de moda, galerías de arte y restaurantes. Para quienes buscan ofertas, los outlets como&nbsp;Dolphin Mall y&nbsp;Sawgrass Mills son destinos populares, y se pueden encontrar descuentos en una amplia gama de productos.La zona más bulliciosa y concurrida es el centro de la ciudad, que se extiende de cara a la bahía, frente a la cual se levantan edificios como el&nbsp;Miami Tower. En cuanto a&nbsp;Brickell Avenue aglutina el centro financiero, donde hay más densidad de rascacielos y grandes construcciones.<h2>Little Havana</h2>Hay una pequeña parte de Cuba que se mantiene viva dentro de Miami y es en&nbsp;Little Havana, allí comenzaron su nueva vida los disidentes cubanos que escaparon al régimen y mantienen vivos los recuerdos de su patria. Su población es de más de 50.000 personas y conviven artesanos que fabrican cigarros puros, decenas de restaurantes autóctonos o algunas tiendas de música.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MIAMI_FOTO_2_54b456bf35.jpeg"></figure>Little Havana, conocido por ser el epicentro cultural de la comunidad cubanoamericana&nbsp; [Imagen], por&nbsp;bobby's bike hike.<h2>South Beach y Art Decó</h2>South Beach&nbsp;se destaca por tener los mejores restaurantes, bares, tiendas de lujo y hoteles en&nbsp;Miami Beach.&nbsp;Ocean Drive, su paseo marítimo más conocido, encapsula la esencia miamense con las playas idílicas, cócteles tropicales, y&nbsp;música latina que resuena en cada esquina. Los edificios de estilo Art Decó contribuyen a su fama cinematográfica, sirviendo como escenarios para películas emblemáticas como "El Precio del Poder (Scarface)" y "Corrupción en Miami". El&nbsp;Art Decó está muy presente, emergió en la década de 1920 y alcanzó su apogeo durante la Gran Depresión, que atrajo a los estadounidenses con su arquitectura diseñada para levantar el ánimo nacional.&nbsp;

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Miami, el destino ideal de los latinos

El&nbsp;reggaetón&nbsp;dejó de ser solo un fenómeno musical para convertirse en una fuerza cultural&nbsp;que influye en múltiples aspectos de la sociedad, especialmente en la&nbsp;moda. Este género urbano transformó la manera en que los&nbsp;artistas&nbsp;se expresan. La combinación de elementos impulsó un impacto global que ubicó a los reggaetoneros como&nbsp;referentes del&nbsp;streetwear.&nbsp;Este hecho creó&nbsp;tendencias&nbsp;y rompió estereotipos.<h2>Bad Bunny&nbsp;</h2>Uno de los artistas más destacados en esta materia es&nbsp;Bad Bunny. Fue uno de los primeros en derribar barreras en la moda. Opta por&nbsp;atuendos desafiantes, que rompen con los estereotipos de género. Utiliza&nbsp;prendas masculinas y femeninas con total naturalidad, y para él, se volvió un sello personal. Con sus colaboraciones con marcas de&nbsp;streetwear, hizo que la ropa que utiliza se vuelva un objeto de deseo para sus fanáticos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_3_43ca875e17.jpg"></figure>[Imagen], por Cibercuba.<h2>Maluma</h2>El colombiano&nbsp;Maluma&nbsp;llevó su estilo desde las calles hasta las alfombras rojas. Además de ser un músico exitoso, es un&nbsp;fashion icon que demuestra que el reggaetón puede ser sinónimo de&nbsp;elegancia. Tiene una capacidad única para mezclar looks urbanos con elementos de alta costura. De esta manera, se posicionó como un referente en el mundo de la moda y, actualmente, colabora con&nbsp;Versace&nbsp;y es invitado al prestigioso Met Gala.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_4_024eadf4fa.jpg"></figure>[Imagen], por Muy Cosmopolitas.<h2>Ozuna</h2>Con su&nbsp;estilo relajado, destaca en la música y en la moda. El puertorriqueño tiene una predilección por las prendas de mezclilla y los colores brillantes, con estas características, creó un&nbsp;sello propio que es fácil de identificar. Además, popularizó el uso de grandes aros de diamantes, una acción que replicaron sus fanáticos alrededor del mundo. Puede moverse entre lo formal y lo casual sin problema. Sin dudas, es un auténtico referente del&nbsp;streetwear.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_6_d51d461ba1.jpg"></figure>[Imagen], por Loud Cave.<h2>Natti Natasha</h2>La dominicana combina lo sexy y lo sofisticado. Transmite una imagen que exuda confianza y poder, porque no teme experimentar con siluetas ajustadas, transparencias y colores. El hecho de estar presente en&nbsp;alfombras rojas la hizo destacar. En estos acontecimientos, apostó por looks sensuales, significativos de la&nbsp;cultura latina. Ella es una demostración de que las mujeres del&nbsp;reggaetón&nbsp;también son líderes en la industria de la ropa urbana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_5_b1caef84ea.jpg"></figure>[Imagen], por Z101 Digital.<h2>Rosalía</h2>Es un verdadero huracán en la música y en la moda. En sus looks, elige por representar sus raíces flamencas con elementos de estética urbana. La cantante catalana es una de las tantas que rompió barreras. Suele combinar&nbsp;moda callejera con prendas de alta costura. En sus colaboraciones con marcas de lujo y su presencia en pasarelas logró transformarse en una&nbsp;musa indiscutible de la moda contemporánea.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_7_2_2f17d896e0.jpg"></figure>[Imagen], por Pinterest.<h2>J Balvin</h2>Otro ícono reguetonero que pregona que&nbsp;la moda no tiene por qué ser discreta. El estilo&nbsp;excéntrico&nbsp;que elige para vestirse llamó la atención de firmas internacionales como&nbsp;Guess, con quienes colaboró en varias ocasiones. Los atuendos de J Balvin se caracterizan por ser coloridos y extravagantes, que desafían las normas tradicionales del vestuario masculino.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/REGUETON_Y_MODA_URBANA_FOTO_2_631b26329b.jpg"></figure>[Imagen], por HIGHXTAR.El&nbsp;reggaetón&nbsp;utilizó los&nbsp;videoclips como una herramienta poderosa para promocionar la moda urbana. Las prendas de streetwear se muestran de manera prominente, convirtiéndolas en objetos de deseo para los seguidores.&nbsp;Existe una&nbsp;nueva generación de jóvenes&nbsp;que buscan expresarse a través de su estilo personal. A medida que más artistas del género exploran nuevas formas de vestir es probable que se expanda la tendencia. Es un&nbsp;movimiento global que&nbsp;trasciende fronteras, géneros y estereotipos.&nbsp;

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La influencia del reggaetón en la moda urbana

La&nbsp;cultura musical&nbsp;de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;siempre ha estado ligada a la&nbsp;música tropical&nbsp;como el&nbsp;merengue&nbsp;o la&nbsp;bachata&nbsp;y a&nbsp;ritmos&nbsp;más&nbsp;internacionales&nbsp;tales como el&nbsp;pop&nbsp;y el&nbsp;reguetón. Sin embargo, el&nbsp;trap&nbsp;ha sido uno de los&nbsp;géneros&nbsp;que&nbsp;más impacto ha generado en el&nbsp;continente&nbsp;en el último tiempo.<h2>Influencia de Estados Unidos</h2>No hay dudas de que el&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;debe gran parte de su&nbsp;identidad&nbsp;al trap originado en la&nbsp;década de los 90 en el&nbsp;sur&nbsp;de&nbsp;Estados Unidos, particularmente en&nbsp;Atlanta,&nbsp;Georgia. Pioneros del género como&nbsp;T.I.,&nbsp;Gucci Mane y&nbsp;Young Jeezy establecieron los&nbsp;elementos característicos del&nbsp;trap:&nbsp;ritmos de 808 profundos,&nbsp;hi-hats rápidos y&nbsp;letras&nbsp;que retratan la&nbsp;vida&nbsp;en la&nbsp;calle. La influencia pactada por los traperos norteamericanos llegó a&nbsp;Latinoamérica, donde artistas locales empezaron a adaptar el sonido a sus contextos culturales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_TRAP_LATINO_2_dd04893894.jpg"></figure>Gucci Mane, pieza clave en los comienzos del trap estadounidense (Shaniqwa Jarvis - Billboard).<h2>La fuerza del hip-hop y el rap en Latinoamérica</h2>Previo a la llegada del trap, el hip-hop y el&nbsp;rap&nbsp;ya tenían un&nbsp;peso significativo en la&nbsp;cultura musical de&nbsp;América Latina, y también fueron una&nbsp;parte&nbsp;relevante de cara a la&nbsp;explosión&nbsp;del&nbsp;trap latinoamericano. Países como&nbsp;México, Argentina y&nbsp;Puerto Rico, donde el&nbsp;rap&nbsp;tenía una&nbsp;presencia importante, sirvieron como plataforma para el desarrollo del género en el continente.<h2>El aporte del reguetón</h2>Con raíces en&nbsp;Puerto Rico&nbsp;y&nbsp;Panamá, el&nbsp;reguetón&nbsp;también jugó un&nbsp;papel crucial&nbsp;en la&nbsp;formación&nbsp;y el&nbsp;desarrollo&nbsp;del&nbsp;trap latinoamericano. Artistas del género como&nbsp;Daddy Yankee&nbsp;y&nbsp;Don Omar&nbsp;empezaron a&nbsp;experimentar&nbsp;con sonidos típicos del movimiento y otros como&nbsp;Bad Bunny,&nbsp;Anuel AA&nbsp;y&nbsp;Ozuna&nbsp;hasta incluso lanzaron algunas&nbsp;canciones&nbsp;de&nbsp;trap.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_TRAP_LATINO_3_816916817d.jpg"></figure>Bad Bunny fue uno de los artistas de reguetón que tuvo influencia en el trap latino (Emmanuel Monsalve - GQ).<h2>La cultura urbana como eje</h2>La&nbsp;cultura urbana&nbsp;y&nbsp;callejera&nbsp;es otra de las&nbsp;patas fundamentales&nbsp;del&nbsp;trap, tanto en sus raíces estadounidenses como en su versión latina. Si bien con el correr del tiempo el género sufrió cambios, los&nbsp;temas&nbsp;de la&nbsp;vida urbana (violencia, drogas y luchas personales) eran la&nbsp;temática central&nbsp;de las&nbsp;canciones&nbsp;de&nbsp;trap.<h2>Actualidad del trap latinoamericano</h2>El&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;es un&nbsp;fenómeno global&nbsp;en la&nbsp;actualidad. Artistas de diferentes países de&nbsp;América Latina&nbsp;continúan innovando y llevando el género a nuevas alturas. La música trap ha penetrado en las&nbsp;listas de éxitos internacionales y ha ganado&nbsp;premios importantes, demostrando su&nbsp;impacto&nbsp;y&nbsp;relevancia. El&nbsp;trap latinoamericano&nbsp;es un&nbsp;testimonio&nbsp;de la&nbsp;capacidad de adaptación y&nbsp;creatividad&nbsp;de los&nbsp;músicos latinos. Desde sus raíces en el trap estadounidense y el reguetón, hasta su explosión global a través de las redes sociales, el género ha demostrado ser una fuerza imparable en la música contemporánea. A medida que continúa evolucionando, el trap latino seguramente seguirá siendo una&nbsp;parte integral&nbsp;del&nbsp;panorama musical&nbsp;y&nbsp;cultural&nbsp;de&nbsp;América Latina&nbsp;y el&nbsp;mundo.

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El origen del trap latino: ritmos urbanos que revolucionaron América

La Velada del Año VI, organizada por Ibai Llanos, aterrizará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y volverá a reunir a algunos de los creadores de contenido, streamers y artistas musicales más populares del momento. Con combates confirmados, shows en vivo y transmisión gratuita, Street Art Latam te trae toda la información para no perderte ningún detalle del evento.<h2>Ibai Llanos vuelve a convertir Sevilla en la capital del streaming: así será la Velada del Año VI</h2>Desde su nacimiento en el año 2021, La Velada del Año se consolidó como uno de los eventos deportivos y de entretenimiento más importantes del mundo del streaming. Y esta temporada no será la excepción. Organizada por el español Ibai Llanos, la cita volverá a reunir a streamers, creadores de contenido, periodistas y artistas musicales en el Estadio La Cartuja de Sevilla, escenario donde se llevará a cabo la sexta edición del espectáculo.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_64b15eaff8.png">El español Pereira combatiendo en la Velada del Año V (La Velada del Año).La jornada contará con figuras españolas como Viruzz, Plex y TheGrefg y celebridades del género urbano hispanohablante de la talla de Lit Killah y Kidd Keo, además de una fuerte presencia latinoamericana con nombres como el argentino Gastón Edul, la mexicana Rivers y el salvadoreño Fernanfloo, mientras que estrellas como Anuel AA, Bad Gyal y Yandel, entre otros artistas, protagonizarán los tradicionales shows musicales que acompañarán el evento entre combate y combate.La sexta edición de La Velada del Año se celebrará el próximo sábado 25 de julio en el Estadio La Cartuja de Sevilla y podrá seguirse en directo y de forma gratuita a través de los canales oficiales del español Ibai Llanos en Twitch, YouTube y TikTok.<ul><li>España: 19:00 horas.</li><li>Argentina, Uruguay y Paraguay: 14:00 horas.</li><li>Chile, Venezuela, Bolivia, Puerto Rico, República Dominicana y Estados Unidos (Este): 13:00 horas.</li><li>Colombia, Perú, Ecuador, Panamá y Estados Unidos (Centro): 12:00 horas.</li><li>México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Estados Unidos (Montaña): 11:00 horas.</li><li>Estados Unidos (Oeste): 10:00 horas.</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_bc30c0f316.png">Ibai Llanos, la figura detrás de la Velada del Año (La Velada del Año).<h2>¿Quiénes pelearán en la Velada del Año VI?</h2>Uno de los grandes atractivos de La Velada del Año VI volverá a ser su cartelera de combates. La sexta edición contará con un total de diez enfrentamientos—cinco masculinos y cinco femeninos— protagonizados por streamers, creadores de contenido, periodistas, tiktokers y personalidades de internet de distintos países hispanoparlantes, en la programación más extensa desde la creación del evento.<ul><li>Edu Aguirre versus Gastón Edul</li><li>La Parce versus Fabiana Sevillano</li><li>Clersss versus Natalia MX</li><li>Lit Killah versus Kidd Keo</li><li>Alondrissa versus Angie Velasco</li><li>Viruzz versus Gero Arias</li><li>Samy Rivers versus RoRo</li><li>Marta Díaz versus Tatiana Käer</li><li>Plex versus Fernanfloo</li><li>IlloJuan versus TheGrefg</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production%2Fimage_3003b3ad6b.png">Viruzz y Tomás Mazza enfrentándose en la Velada del Año (Velada del Año).<h2>Anuel AA, Bad Gyal y Yandel: los artistas que pondrán música a la Velada del Año VI</h2>Más allá de los combates arriba del ring, La Velada del Año VI volverá a apostar por uno de los sellos distintivos que la convirtieron en un fenómeno global: los shows musicales. Entre combate y combate, algunos de los artistas más importantes de la escena urbana española y latinoamericana serán los encargados de subir al escenario del Estadio La Cartuja, en una grilla que combina figuras consolidadas, referentes internacionales y algunas sorpresas de último momento.<ul><li>Lucho RK</li><li>La Pantera</li><li>Bad Gyal</li><li>Anuel AA</li><li>Yandel</li><li>Juanes</li></ul><div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:550; line-height:18px;">Ver esta publicación en Instagram</div></div><div style="padding: 12.5% 0;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: row; margin-bottom: 14px; align-items: center;"><div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(0px) translateY(7px);"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; height: 12.5px; transform: rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px); width: 12.5px; flex-grow: 0; margin-right: 14px; margin-left: 2px;"></div> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; height: 12.5px; width: 12.5px; transform: translateX(9px) translateY(-18px);"></div></div><div style="margin-left: 8px;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 20px; width: 20px;"></div> <div style=" width: 0; height: 0; border-top: 2px solid transparent; border-left: 6px solid #f4f4f4; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/p/DaQfAQeiFqJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de La Velada Del Año VI (@infolavelada)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div>Sin embargo, la lista todavía no está completa. El propio Ibai Llanos confirmó en redes sociales que habrá artistas sorpresa cuya participación recién se dará a conocer durante el desarrollo del evento en Sevilla, manteniendo una de las tradiciones más esperadas de cada edición de La Velada del Año.

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Todo lo que tenés que saber sobre la Velada del Año VI de Ibai Llanos

Con la sexta edición de La Velada del Año cada vez más cerca, el evento de boxeo entre creadores de contenido organizado por Ibai Llanos volverá a reunir a figuras de todo el mundo en el Estadio La Cartuja de Sevilla. Mientras nuevos representantes latinoamericanos buscarán hacer historia sobre el ring, en Street Art Latam repasamos quiénes fueron los campeones del continente a lo largo de las distintas ediciones.https://streetartlatam.estoes.dev/agenda/evento/mundial-de-redbull-batalla-v2<h2>Ari Gameplays y el primer cinturón para Latinoamérica</h2>Luego de una primera edición sin representación latinoamericana, La Velada del Año II marcó el inicio de la presencia del continente en el evento organizado por Ibai Llanos con la participación de la mexicana Ari Gameplays y el argentino Momo.Y fue justamente la creadora de contenido mexicana quien escribió la primera página de la historia para la región al derrotar por decisión dividida a la española Paracetamor en el Pabellón Olímpico de Badalona y convertirse en la primera campeona latinoamericana de La Velada del Año.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_3d53a12ae6.png">Ari Gameplays, la dueña del primer cinturón latino en La Velada del Año (Instagram/Ari Gameplays).Del otro lado de la cartelera, el argentino Momo no pudo acompañar la conquista mexicana y cayó ante el español Viruzz, quedándose a las puertas de sumar un segundo cinturón para Latinoamérica.Aun así, la victoria de Ari Gameplays abrió el camino para que, en las siguientes ediciones, otros representantes del continente también lograran dejar su huella sobre el ring.<h2>Cuatro cinturones y una noche histórica para el continente en La Velada del Año</h2>La Velada del Año III representó la consolidación definitiva de Latinoamérica dentro del evento organizado por Ibai Llanos. La tercera edición no solo incrementó considerablemente la presencia de representantes del continente, igualando en cantidad a los europeos con seis competidores por lado, sino que también terminó con un claro dominio latino sobre el ring, gracias a cuatro cinturones conquistados.La jornada disputada en Madrid comenzó con la victoria del salvadoreño Fernanfloo, quien derrotó por decisión dividida al español Luzu, mientras que el chileno Shelao se impuso por nocaut técnico sobre el hispano-búlgaro Misho, quien no pudo continuar el combate tras sufrir una lesión en uno de sus hombros.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5bcd820bf1.png">Coscu luego de vencer a Germán Garmendia en La Velada del Año (Instagram/Coscu).La mexicana Rivers también escribió una página histórica. Luego de caer en su primer combate frente a la española Marina Rivers, volvió a subirse al cuadrilátero esa misma noche ante la baja de Amouranth y derrotó por decisión unánime a Mayichi, convirtiéndose en la primera creadora de contenido en disputar dos peleas en una misma edición de La Velada del Año.El cierre quedó reservado para uno de los enfrentamientos más recordados del evento. En el primer combate que enfrentó a dos representantes latinoamericanos, el argentino Coscu derrotó por nocaut técnico al chileno Germán Garmendia, coronándose campeón en una de las peleas más emblemáticas en la historia de La Velada del Año.<h2>La Cobra, Alana y AmaBlitz ampliaron el legado latino en Madrid</h2>La Velada del Año IV volvió a confirmar el protagonismo latinoamericano dentro del evento. En un escenario tan emblemático como el Santiago Bernabéu, la cuarta edición reunió a representantes de Argentina, Chile, México y Colombia, aunque únicamente el argentino La Cobra y el dúo mexicano conformado por Alana y AmaBlitz lograron quedarse con el cinturón de campeón.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_6b2de88045.png">La Cobra intercambiando golpes con el español Guanyar en el Santiago Bernabéu (La Velada del Año).El creador de contenido argentino derrotó por nocaut técnico al español Guanyar, protagonizando además una de las imágenes más recordadas de la jornada al celebrar su victoria levantando una camiseta de Lionel Messi con los colores de Barcelona en pleno Santiago Bernabéu. Por su parte, las mexicanas Alana y AmaBlitz superaron por decisión unánime a las españolas Zeling y Nissaxter, convirtiéndose en las primeras campeonas de una pelea por parejas en la historia de La Velada del Año.Más allá de los cinturones obtenidos, la representación latinoamericana también contó con la presencia del argentino Carrera, el chileno Shelao y el mexicano El Mariana, quienes no lograron imponerse en sus respectivos combates. A ellos se sumaron el colombiano Pelicanger, los mexicanos Roberto Cein y Aldo Geo, y el argentino Unicornio, participantes del Rey de la Pista, el formato especial de batalla campal incorporado por Ibai Llanos para aquella edición.<h2>Alana, la única campeona latinoamericana en Sevilla</h2>Disputada en el Estadio La Cartuja de Sevilla, el mismo escenario que volverá a albergar la sexta edición, la quinta edición de La Velada del Año tuvo nuevamente a una representante latinoamericana entre las campeonas de la noche. La mexicana Alana derrotó por decisión dividida a la española Ari Geli y se convirtió en la única ganadora del continente en una cartelera que volvió a contar con una importante presencia de creadores latinoamericanos.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_5eb414d638.png">La celebración de Alana en La Cartuja de Sevilla (La Velada del Año).Además del triunfo de la mexicana, la quinta edición reunió a figuras como el mexicano Rivaldios, los argentinos Gaspi y Tomás Mazza, el mexicano Belcast y el colombiano WestCOL, quienes no lograron quedarse con el cinturón, pero reafirmaron el crecimiento de la representación latinoamericana dentro del evento organizado por Ibai Llanos.https://streetartlatam.estoes.dev/articulo/todo-lo-que-tenes-que-saber-sobre-la-velada-del-ano-vi-de-ibai-llanos/345<h2>Los latinos que buscarán hacer historia en La Velada del Año VI</h2>Con la sexta edición de La Velada del Año cada vez más cerca, Sevilla volverá a convertirse en el epicentro del boxeo entre creadores de contenido. Allí, una nueva generación de representantes latinoamericanos buscará levantar el cinturón y sumarse al listado de campeones que integran nombres como Fernanfloo, Shelao, Rivers, Coscu, La Cobra, Alana y AmaBlitz.<ul><li>Gastón Edul (Argentina)</li><li>La Parce (Colombia)</li><li>Natalia MX (México)</li><li>Lit Killah (Argentina)</li><li>Angie Velasco (Argentina)</li><li>Alondrissa (Puerto Rico)</li><li>Gero Arias (Argentina)</li><li>Rivers (México)</li><li>Fernanfloo (El Salvador)</li></ul><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/image_d2c8ea4adc.png">Fernanfloo, uno de los latinos presentes en La Velada del Año VI (La Velada del Año).Con una presencia cada vez más fuerte dentro de la cartelera, Latinoamérica volverá a ser una de las grandes protagonistas de La Velada del Año VI. La pregunta ahora es inevitable: ¿qué creador logrará convertirse en el próximo campeón latinoamericano del evento organizado por Ibai Llanos?.

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¿Quiénes son los latinoamericanos que conquistaron La Velada del Año de Ibai Llanos?

José Torres, conocido como "Maligno", se convirtió en el primer argentino en obtener una medalla en París 2024, consagrándose como campeón olímpico en&nbsp;BMX Freestyle de los Juegos Olímpicos.<a href="https://streetartlatam.estoes.dev/agenda/evento/primavera-sound-2026">https://streetartlatam.estoes.dev/agenda/evento/primavera-sound-2026</a>En su primera pasada,&nbsp;sumó 94.82 puntos, se aseguró el primer lugar y puso la presión sobre los demás competidores. Este triunfo marcó un hito personal y un logro significativo para el deporte argentino, al convertirse en el&nbsp;22° oro olímpico en la historia del país.&nbsp;En la competencia, el australiano&nbsp;Logan Martin, favorito y oro en Tokio 2020, sufrió una caída que lo marginó por completo, mientras que otros competidores como el francés&nbsp;Anthony Jeanjean&nbsp;y el norteamericano&nbsp;Marcus Christopher no pudieron superar la presión. Solo el británico&nbsp;Kieran Darren Reilly logró acercarse con 93.70 puntos, pero no fue suficiente.&nbsp;<h2>La reflexión de un ganador</h2>Después de su victoria, el&nbsp;rider&nbsp;reflexionó sobre su camino y las emociones encontradas. Contó que, aunque intenta no mostrar mucho sus emociones, se siente derrumbado y contento al mismo tiempo. Su meta siempre fue representar bien a su país.&nbsp;Uno de sus deseos es que su medalla de oro ayude a potenciar el deporte en la región y mostrar que los atletas latinos pueden competir al mismo nivel que sus pares de otros continentes.&nbsp;<a href="https://streetartlatam.estoes.dev/articulo/quienes-son-los-latinoamericanos-que-conquistaron-la-velada-del-ano-de-ibai-llanos/344">https://streetartlatam.estoes.dev/articulo/quienes-son-los-latinoamericanos-que-conquistaron-la-velada-del-ano-de-ibai-llanos/344</a><h2>Un apodo bien puesto</h2>En la&nbsp;Villa Olímpica, demostró su&nbsp;espíritu travieso y confirmó el por qué de su apodo. Maligno&nbsp;le sacó los asientos y ruedas a las bicicletas, usadas por los atletas para trasladarse dentro del lugar. Dicho sobrenombre se lo puso un amigo y refleja sus bromas y el hecho de reírse cuando algo sale mal para otros. Su carácter irreverente y habilidad en la pista lo hicieron un personaje querido y respetado.&nbsp;<a href="https://streetartlatam.estoes.dev/articulo/a-dedo-y-sin-limites-la-historia-del-hincha-argentino-que-quiere-llegar-al-mundial/330">https://streetartlatam.estoes.dev/articulo/a-dedo-y-sin-limites-la-historia-del-hincha-argentino-que-quiere-llegar-al-mundial/330</a><h2>Los orígenes</h2>Nació en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia y&nbsp;&nbsp;se mudó a Argentina a los 11 años, más precisamente a la&nbsp;provincia de Córdoba. Su primer contacto con el deporte fue a través del fútbol, que practicó junto a Francisco, su hermano mellizo. A los 14 años, su vida cambió drásticamente cuando, impresionado por un ciclista que realizaba un “flair” en el&nbsp;Parque de las Naciones,&nbsp;cerca del estadio Mario Kempes, se decidió a imitarlo y fue en ese momento cuando descubrió una pasión oculta.&nbsp; Los primeros años fueron difíciles porque compartían una sola bicicleta que reparaban ellos mismos. La carrera de Francisco se truncó por una lesión y dejó a José continuar solo, pero siempre con el apoyo de su familia. Con dedicación y esfuerzo triunfó en el&nbsp;campeonato&nbsp;NASS Pro Park en 2017. Dos años más tarde, en los&nbsp;Juegos Panamericanos de Lima 2019, fue uno de los protagonistas y&nbsp; consiguió su primera medalla en la competencia. El año 2023 fue especial, porque se transformó en el primer argentino en ganar una medalla de oro en los prestigiosos&nbsp;X Games en California y obtuvo otra medalla de oro en los&nbsp;Juegos Panamericanos de Santiago. Estos logros lo catapultaron directo a la escena mundial del&nbsp;BMX Freestyle, consolidándose en el foco de atención de los espectadores como uno de los más distinguidos.<a href="https://streetartlatam.estoes.dev/agenda/evento/mundial-de-redbull-batalla-v2">https://streetartlatam.estoes.dev/agenda/evento/mundial-de-redbull-batalla-v2</a><h2>Un recorrido resiliente</h2>En su camino a París, tuvo que superar múltiples obstáculos, entre ellos operaciones debido a caídas y lesiones. Con titanio en varias partes de su cuerpo, su resiliencia se reflejó en su desempeño olímpico. La preparación también estuvo marcada por un problema respiratorio que lo obligó a recibir atención médica, lo que resalta la victoria y la torna aún más memorable. A pesar de todo, siempre encontró la fuerza para regresar. Hoy, se convirtió en un ícono del&nbsp;BMX Freestyle y dejó su huella en la historia del deporte argentino.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MALIGNO_FOTO_2_f28f951deb.jpg"></figure>Al término de su performance, a modo de festejo, Maligno levantó su bicicleta de cara al público [Imagen], por París 2024.

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Argentina obtuvo la medalla de oro en BMX

Los fanáticos del k-pop en Chile están expectantes, con la posibilidad de que&nbsp;Stray Kids, una de las&nbsp;boybands&nbsp;más emblemáticas de la actualidad, incluya a la ciudad de Santiago en su gira mundial de este año. Los rumores encendieron una ola de entusiasmo entre los seguidores, quienes demostraron una devoción sin igual por este género en los últimos años.Desde su aparición, trascendió fronteras y se convirtió en un fenómeno. Puntualmente, en Chile acumuló más de cuarenta mil millones de transmisiones y posicionó al país como el decimoquinto territorio global en consumo de este género. Además, se ubicó en el decimoctavo en cuanto a menciones en X relacionadas con el k-pop, lo que demuestra la magnitud de la popularidad.Este género penetró en el ámbito musical e influyó fuertemente en la cultura popular chilena. La presencia en plataformas digitales como&nbsp;TikTok e Instagram es vasta, con numerosos contenidos dedicados a artistas y grupos coreanos. La influencia fue tan significativa que incluso tuvo un impacto en el contexto político del país, como lo evidencian los&nbsp;estudios de Big Data que relacionan los fandoms del k-pop con la incitación a las protestas durante el estallido social.La llegada de&nbsp;Stray Kids&nbsp;significaría un evento monumental para la escena musical local. Desde su debut en 2018, el grupo capturó a la gente con su estilo audaz y su enérgico desempeño en el escenario. Por el momento no hay ninguna confirmación de fechas ni lugares, pero el solo rumor creó una atmósfera de ansiedad.A pesar del interés en el&nbsp;k-pop, las productoras chilenas son reticentes a invertir en eventos de este tipo. La dificultad principal es que estos artistas tienen un costo elevado de producción. Aunque la productora&nbsp;NoiX Entertainment&nbsp;intentó asumir el riesgo, los problemas financieros y organizativos predominaron, y solo quedó en un fallido.La situación de los eventos de k-pop en Chile refleja una paradoja: a pesar del entusiasmo y la demanda de los fanáticos, las dificultades económicas y logísticas limitaron la realización. La&nbsp;devoción de los chilenos continúa como un factor determinante en la promoción de estos eventos. La posible visita de&nbsp;Stray Kids representa una oportunidad única para el país trasandino.&nbsp;Con una base de seguidores apasionados y un historial de eventos exitosos, Chile está listo para recibir a uno de los grupos más influyentes del K-pop. A medida que la emoción crece, los fanáticos chilenos se preparan para recibir a Stray Kids con el mismo fervor que mostraron en los últimos años.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/K_pop_FOTO_2_f419dd2460.jpg"></figure>El cuarteto coreano Blackpink, 2023 [Imagen], por Emma McIntyre.

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 El k-pop es furor en Santiago

En el marco del&nbsp;429 aniversario de la fundación de&nbsp;San Nicolás de los Garza, el municipio inauguró un mural que inmortaliza los pasajes más memorables de la&nbsp;Selección Mexicana. La obra transformó puentes vehiculares en un museo a cielo abierto de cara al&nbsp;Mundial 2026.<h2>Un lienzo sobre Nogalar y Los Ángeles</h2>Aunque el municipio de San Nicolás de los Garza no será sede oficial de partidos durante la próxima cita mundialista, la fiebre futbolística ya se manifiesta en sus muros. Localizado a tan solo&nbsp;5 kilómetros del estadio de los Rayados, el proyecto de&nbsp;street art impulsado por la alcaldía local dio vida a una obra que acompaña el trayecto de los automovilistas en el cruce de las avenidas&nbsp;Los Ángeles y Nogalar Sur.Esta iniciativa es el punto de partida de un plan que contempla la creación de más de&nbsp;10 murales adicionales en la demarcación, preparativos que buscan recibir con identidad visual el torneo que iniciará en junio.Leé también:&nbsp;<a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-ciudad-de-mexico-anuncio-1000-murales-por-el-mundial-2026/1499">La Ciudad de México anunció 1000 murales por el Mundial 2026</a><h2>De la "tijera" de Negrete al "Chucky" Lozano</h2>La composición visual funciona como una línea de tiempo emocional para la afición. Los artistas locales capturaron con precisión técnica momentos que definieron generaciones:<ul><li>México 1986: la acrobática "tijera" de&nbsp;Manuel Negrete contra Bélgica.</li><li>EE. UU. 1994 y Francia 1998: los festejos icónicos de&nbsp;Jorge Campos y&nbsp;Luis "El Matador" Hernández.</li><li>Corea-Japón 2002: el cabezazo de&nbsp;Jared Borgetti.</li><li>Rusia 2018:&nbsp;Hirving "Chucky" Lozano tras anotar el gol de la victoria frente a Alemania.</li><li>Rumbo a Brasil 2014: la chilena de&nbsp;Raúl Jiménez ante Panamá en el Estadio Azteca.</li></ul>

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Muralismo Mundialista: el Tri invadió San Nicolás de los Garza

¿Sabías que existe un proyecto que le da una segunda vida a los botines de fútbol y los transforma en mates artesanales? Sí, así como suena: Mate-Botín, creado por los exfutbolistas marplatenses Branco Troiano y León Zubillaga, convierte a través del arte pares usados en piezas únicas con identidad bien argentina.<h2>Mate-Botín, la fusión perfecta entre fútbol, arte y cultura</h2>Todos sabemos que el arte no se limita únicamente a los lienzos colgados en una pared ni a las intervenciones que irrumpen en el espacio público. A lo largo del tiempo, distintos artistas han demostrado que la creatividad puede habitar en cualquier objeto, incluso en aquellos que, a simple vista, parecen ajenos a lo artístico. Desde obras confeccionadas con vinilos de música o materiales reciclados hasta creaciones hechas con arena o alimentos, el arte encuentra siempre nuevas formas de expresión, desafiando sus propios límites.

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Del botín a la ronda: el proyecto que transforma fútbol en mate

En la era del&nbsp;streetwear y los&nbsp;drops instantáneos, hasta el cartón tiene su historia. La duda que es viral entre los fanáticos del estilo urbano no es sobre un logo ni una colaboración limitada, sino algo mucho más cotidiano:&nbsp;¿cuántas prendas entran en una caja de Mercado Libre?La pregunta parece salida de una charla de pasillo. Esa&nbsp;caja marrón y amarilla, que cruza barrios, ciudades y fronteras, se volvió el nuevo contenedor de la cultura urbana. Detrás de cada envío hay una narrativa que mezcla ansiedad, deseo y una estética que se multiplica desde la pantalla hasta la vereda.<h2>El hype del cartón</h2>Todo comenzó en las redes sociales. Un creador de contenido argentino grabó cuántas prendas de&nbsp;moda urbana podía meter en una caja de Mercado Libre sin arruinar el look. Entre&nbsp;buzos oversize,&nbsp;camisetas gráficas,&nbsp;joggers y una&nbsp;gorra trucker.Muchos usuarios replicaron el reto, y la caja pasó de ser un simple objeto logístico a un&nbsp;ícono del consumo streetwear. Según cálculos de la comunidad, la caja mediana de&nbsp;Mercado Libre puede contener entre&nbsp;6 y 8 prendas completas, dependiendo del tipo de tela y el doblado. Si se trata de remeras o shorts, pueden entrar hasta&nbsp;12 piezas perfectamente ajustadas.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/moda_urbana_envio_mercado_libre_hype_carton_webp_a8a6e82cbb.jpg"> El streetwear, la moda que se impone.Pero el número exacto es lo de menos. Lo que importa es que esa caja representa una forma de vivir la moda, donde el estilo se&nbsp;despacha desde una app y llega directo a la puerta.<h2>Mercado Libre, el nuevo escaparate</h2>En Argentina, el&nbsp;streetwear independiente encontró en&nbsp;Mercado Libre un aliado inesperado. La plataforma, pensada para todo tipo de productos, se transformó en el&nbsp;nuevo escaparate de la cultura urbana. Los diseñadores usan el sistema de envíos para hacer llegar sus colecciones a cualquier punto del país.Lo cierto es que detrás de cada caja puede haber un&nbsp;hoodie edición limitada, una&nbsp;colaboración entre artistas o una&nbsp;camiseta intervenida a mano. Lo que antes requería buscar en ferias o showrooms, de un tiempo a esta parte, llega en 48 horas y sin intermediarios.<h2>Envíos con actitud</h2>Abrir una caja se volvió parte del ritual. Los videos de&nbsp;unboxing se comparten como si fueran videoclips, y el momento del “click en comprar” se siente tan emocionante como estrenar la prenda.<img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/streetwear_unboxing_caja_mercado_libre_cuantas_prendas_jpg_1ed18783e7.jpg"> La sensación incomparable del unboxing.La caja de&nbsp;Mercado Libre transporta historias, emociones y códigos. Cada envío refleja la velocidad del presente, donde la identidad se mueve con la misma agilidad que un repartidor en moto cruzando Buenos Aires.

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¿Cuántas prendas entran en una caja de Mercado Libre?

José Ignacio Chávez con solo 22 años, se prepara para representar a Argentina en el Mundial de Freestyle Fútbol. El misionero es un prodigio con el balón, con una visión clara de su disciplina. Desde sus inicios, marcados por un video de YouTube, hasta el presente, donde las redes sociales son una extensión de su cancha, encarna la&nbsp;perseverancia que exige este deporte.<div class="raw-html-embed"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/YiG5bPhUg0Y" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen=""></iframe></div><h2>El eco viral de Praga</h2>La primera vez que Igna vio su video de Praga hacerse viral, experimentó una sensación sin igual. "Sentí mucha alegría. Hacía mucho tiempo que no tenía un video&nbsp;viral como ese", confiesa. El último, que también superó el millón de visualizaciones, fue en 2021. Para un freestyler, el reconocimiento en plataformas digitales es un motor. "Fue excelente para un nuevo subidón de&nbsp;seguidores, algo que aparece cada tanto", explica. Aquel momento en las calles de Praga, donde cautivó a la gente con sus trucos, fue una mezcla de planificación y espontaneidad. "Al estar esos días sin competir, andábamos paseando y teníamos tiempo libre. Aprovechábamos esos momentos para hacer&nbsp;shows espontáneos en la calle", recuerda, mostrando cómo la&nbsp;práctica se integra en su vida.Freestyle fútbol a la gorra, el último video que lo hizo viral en redes sociales [Video], por Instagram/ @ignachav.La repercusión del video trajo consigo sorpresas gratas. "Gracias a ese video, conseguí dos contactos muy importantes que me marcaron profundamente", revela. Uno de ellos es Rodrigo, quien se ofreció como su&nbsp;sponsor para el próximo Mundial, un apoyo crucial para un deportista de su calibre. La otra, una compatriota misionera residente en París, lo invitó a alojarse en su hotel durante su gira europea. "Como ya tenía planeado conocer otros países del continente, esta invitación a París me vino de diez", afirma, destacando el impacto de la visibilidad en su carrera.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="tiktok-embed" cite="https://www.tiktok.com/@scaffold.clo/video/7532671270916246790" data-video-id="7532671270916246790" data-embed-from="embed_page" style="max-width:605px; min-width:325px;"> <section> <a target="_blank" title="@scaffold.clo" href="https://www.tiktok.com/@scaffold.clo?refer=embed">@scaffold.clo</a> Dia 2 Creando mi propia marca desde 0 <a title="ropa" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/ropa?refer=embed">#ropa</a> <a title="streetstyle" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/streetstyle?refer=embed">#streetstyle</a> <a title="streetwear" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/streetwear?refer=embed">#streetwear</a> <a title="creator" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/creator?refer=embed">#creator</a> <a title="styleinspo" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/styleinspo?refer=embed">#styleinspo</a> <a title="mine" target="_blank" href="https://www.tiktok.com/tag/mine?refer=embed">#mine</a> <a target="_blank" title="♬ sonido original - Scaffold" href="https://www.tiktok.com/music/sonido-original-7532671288596974341?refer=embed">♬ sonido original - Scaffold</a> </section> </blockquote> <script async="" src="https://www.tiktok.com/embed.js"></script></div>&nbsp;Para Igna, las redes son un escaparate, pero principalmente una herramienta fundamental. "El reconocimiento en&nbsp;redes sociales es absolutamente vital, diría que bastante importante", enfatiza. Su objetivo es claro: "Sirve para&nbsp;transmitir que el freestyle es un deporte". A menudo, se encuentra con la confusión del público. "Mucha gente lo ve y no sabe que es una disciplina, sino que piensa que solo hacemos trucos y listo", señala. Por ello, considera esencial "usar las redes sociales para mostrar nuestras&nbsp;competencias, nuestro&nbsp;entrenamiento y demostrar que es un&nbsp;deporte profesional". De esta forma, espera que "más personas se animen a empezar a&nbsp;practicarlo".<h2>Un deporte que crece</h2>El&nbsp;Freestyle Fútbol, también conocido como fútbol de estilo libre, se define como el arte de realizar trucos creativos y acrobáticos con un balón, con cualquier parte del cuerpo, excepto los codos. No se limita a un campo de juego tradicional, se centra en la&nbsp;habilidad individual, la&nbsp;creatividad y el&nbsp;control absoluto del esférico.&nbsp;Los freestylers combinan malabares, movimientos de baile y acrobacias, creando un espectáculo visual y deportivo. Si bien sus orígenes se remontan a antiguos juegos del sudeste asiático y a las exhibiciones de artistas de circo del siglo XIX, su popularización global, impulsada por campañas de marketing y la difusión de videos en Internet, ocurrió a partir de los 2000.&nbsp;Muchos atribuyen un impulso fundamental a las habilidades de&nbsp;Diego Maradona en sus calentamientos, quien, aunque no fuera un freestyler en sí, demostraba un control excepcional que inspiró a muchos pioneros.<h2>Referentes, sueños de viaje y un mensaje a su yo del pasado</h2>En el universo del freestyle, tiene un faro. "Mi máximo ídolo es&nbsp;Boi Cortis, de Colombia", comparte. Fuera de la cancha, sus referentes son más cercanos: "Mis profesores de gimnasia, mis amigos y también Rodri, un freestyler de acá". En su filosofía está presente siempre aprender de todos: "Siempre intento absorber el&nbsp;conocimiento de las personas que me rodean, tanto freestylers como personas en general".Aunque no persigue el freestyle callejero como un fin en sí mismo, sus viajes están intrínsecamente ligados a la&nbsp;competencia. "Mis viajes están más ligados a las&nbsp;competencias", aclara. Si logra clasificar en el Mundial Sudamericano, se abrirán puertas a eventos globales. "Hay un Mundial que es rotatorio y se mueve de continente en continente. En ese sentido, me gustaría muchísimo conocer&nbsp;Asia", confiesa, con un interés particular en&nbsp;Tokio, una ciudad que, según sus palabras, "llama muchísimo la atención, ya que hay muchos freestylers allí".Si pudiera viajar en el tiempo y hablar con su "yo" de niño, ese que empezaba a hacer "jueguitos" en la vereda, su mensaje sería claro y contundente: "Le diría que&nbsp;continúe, que no lo deje por nada del mundo". Con la sabiduría de la experiencia, sabe que su pasión lo habría impulsado de todas formas. "Sinceramente, sé que no lo hubiera hecho; por eso estoy acá hoy", reflexiona. Desde muy joven, vislumbró su futuro. "Creía que todo esto, el poder conocer el mundo a través del freestyle, iba a ser posible", recuerda. Su vida es la materialización de un anhelo: "Siempre&nbsp;trabajé para eso, siempre fue mi&nbsp;más grande sueño, y el año pasado pude cumplirlo al competir en el Mundial".<h2>Los cimientos de un campeón</h2>El inicio de su idilio con el freestyle se gestó en un video de YouTube. "Yo ya hacía 'jueguitos' con la pelota, pero no trucos elaborados", relata. Fue al ver la&nbsp;disciplina que "lo que me atrapó fue ese&nbsp;control, ese&nbsp;dominio absoluto que se tiene sobre la pelota y los trucos de fútbol". Con una base ya establecida, el progreso fue rápido. "Me fue muy bien; en pocos días logré sacar varios trucos, y a partir de ahí, fue una continuidad que se extendió durante nueve años de&nbsp;práctica constante".<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/un_ganador_nato_de_competencias_de_freestyle_el_freestyler_igna_aaf45230f6.jpg"></figure>Las múltiples distinciones obtenidas en su participación en Bata Freestyle [Imagen], por Instagram/ @ignachav.El camino no estuvo exento de desafíos. "Lo más difícil, sin duda, fue la&nbsp;técnica", confiesa. "Hay trucos que son extremadamente técnicos y requieren muchísima&nbsp;precisión y&nbsp;dedicación". Sin embargo, la&nbsp;constancia nunca fue un obstáculo. "Si hacés algo que amás, eso lo hacés de forma automática, casi sin pensarlo", explica. Su&nbsp;entrenamiento diario es la prueba: "Yo ahora entreno muchísimo, pero no lo veo como una carga, sino que simplemente lo hago porque el cuerpo me lo pide y lo disfruto plenamente". Y la vergüenza, un sentimiento común en las apariciones públicas, le es ajena. "Nunca la tuve. Es más, me encanta mostrar el freestyle porque es un talento y me gusta promoverlo como deporte para que la gente lo conozca y se anime a&nbsp;practicarlo", subraya.El primer hito técnico que recuerda haber dominado fue la&nbsp;vuelta al mundo. "El primer truco de todos, si la memoria no me falla, fue la&nbsp;vuelta al mundo. Y también, puede ser la&nbsp;triple vuelta al mundo", afirma. Pero el que realmente lo marcó fue el segundo: "Lo que más recuerdo, y lo que me generó una sensación de logro inmensa, fue el momento en que dominé la&nbsp;triple vuelta al mundo".Tiene una rutina de&nbsp;entrenamiento que es un reflejo de su compromiso. "Voy al complejo polideportivo casi todos los días por la noche", detalla. Las condiciones climáticas en Misiones son un factor a considerar. "En Misiones, hace demasiado calor por la tarde, y además el polideportivo suele estar ocupado", explica. Por ello, opta por el horario nocturno: "Suelo entrenar de noche, unas dos o tres horas. Mi rutina de todos los días es ir al complejo a las siete y volver a las nueve o diez, o ir a las ocho y volver a las once". Esas horas de&nbsp;práctica son innegociables.<h2>Panorama latino</h2>En América Latina, la escena del Freestyle Fútbol crece con talentos que brillan a nivel mundial.&nbsp;Exponentes como el argentino Charly Iacono, el colombiano Boyka Ortiz o la venezolana Laura Biondo son nombres reconocidos que dejan una marca en la disciplina. La región fue testigo del surgimiento de ligas y eventos que, aunque a veces enfrentan desafíos de reconocimiento oficial, son impulsados por la&nbsp;pasión y el&nbsp;talento de sus practicantes.&nbsp;"La escena del freestyle football en Argentina está mejor que hace unos años", observa. El pico histórico fue en 2019, con casi cien freestylers y numerosos torneos. La pandemia, como en tantos ámbitos, impactó negativamente. "Después de la&nbsp;pandemia, obviamente, eso decayó un poco. Pero ahora se está recuperando", asegura. La reactivación de una liga mensual es una señal positiva. "Está volviendo a usarse una liga que se hacía hace muchos años, que es&nbsp;mes a mes, lo que permite que los freestylers volvamos a competir con&nbsp;constancia, porque el año pasado no hubo torneo nacional", explica. Para un crecimiento sostenido, la clave es el apoyo. "Creo que lo que le falta para crecer más es el&nbsp;apoyo de marcas, sí, más que nada, un apoyo de marcas que ayuden a hacer eventos aún más grandes y que puedan invitar a más gente, dándole mayor visibilidad a nuestra&nbsp;disciplina y a nuestra&nbsp;práctica".<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.us-east-1.amazonaws.com/production/desde_la_cornisa_tirando_magia_con_la_redonda_el_freestyler_igna_f4e3ff9e3b.png"></figure>Desde su Misiones natal, Igna tira magia con la pelota y lo comparte en las redes sociales [Imagen], por Instagram/ @ignachav.Si tuviera que encapsular el freestyle en una sola palabra, no duda: "Perseverancia". Su elección está profundamente arraigada en la exigencia de la disciplina. "Sinceramente, no conozco otro deporte que te exija tanta&nbsp;demanda", confiesa. Si bien no busca desmerecer otras actividades, para él, el freestyle "está a la par de aquellos que te exigen tanto&nbsp;tacto fino y tanta&nbsp;demanda de tiempo en la&nbsp;práctica".&nbsp;La consecuencia de la inconstancia es inmediata: "Si pasás una semana sin entrenar, podés llegar a perder varios trucos que dominabas". A esto se suma el manejo de la frustración. "Está la&nbsp;frustración de intentar cosas que no te salen, entonces tenés que saber cómo manejar esa emoción. Y saber cómo manejar esa&nbsp;constancia para seguir adelante a pesar de los desafíos", concluyó.&nbsp;

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Viral y mundial: la historia del argentino que domina el freestyle fútbol

El&nbsp;mundo del&nbsp;freestyle&nbsp;es vertiginoso, lleno de&nbsp;emociones y adrenalina. Dentro de este universo,&nbsp;Loop&nbsp;está emergiendo como una joven promesa. Es oriundo de Buenos Aires,&nbsp;Argentina, tiene 20 años y su verdadero nombre es Rodrigo Cabaña. Comenzó su camino impulsado por la pasión que le transmitieron sus hermanos mayores y su mejor amigo. Desde entonces, desarrolló un estilo único, alimentado por diferentes influencias culturales y musicales.Loop recuerda con mucha claridad su primer acercamiento al&nbsp;freestyle. Desde chico, sus hermanos lo llevaron a las famosas&nbsp;batallas de Red Bull. El artista "G. Sony" fue su primera gran referencia. Sin embargo, fue su mejor amigo el que&nbsp; lo empujó a tomar el micrófono por primera vez y participar en competencias locales. "Él ya competía, y eso fue lo que me motivó. Me enamoré de la cultura y me quedé", confiesa Loop.Este impulso inicial fue esencial para su&nbsp;carrera, pero no fue su única fuente de inspiración. Con el tiempo, encontró en artistas nacionales&nbsp;como&nbsp;Acru, Kodigo y Duki, figuras clave que lo marcaron. Para él, estos referentes representaban mucho más que competidores: “Eran gente que sobresalía en cada competencia que pisaban”, comenta.<h2>La confianza</h2>A la hora de&nbsp;prepararse para una competencia, Loop resalta un aspecto esencial: la&nbsp;confianza. "Sentir que sos el mejor, aunque no lo creas realmente. Es un juego mental", explica. Para él, la preparación psíquica es tan importante como la práctica. Hacer rimas antes de una batalla es parte de su ritual, pero nada de esto sería suficiente sin una&nbsp;dosis de seguridad&nbsp;que lo impulse a superar cada desafío. "Si no lo crees, no vas a poder llegar a la meta", asegura.<h2>El trampolín para llegar a más personas</h2>En el&nbsp;mundo digital de hoy, las&nbsp;redes sociales son una herramienta clave para cualquier artista emergente, y Loop lo sabe bien. La&nbsp;creación de contenido le permitió expandir su música y conectar con&nbsp;audiencias más amplias, que quizás de otra manera no hubiera podido. "Las redes son el 50% de tu carrera", afirma, consciente de que vivimos en una era donde todo se mueve a través de internet.Además, destaca la importancia de las plataformas digitales como un escaparate para su música y para interactuar directamente con sus seguidores. "La manera más fácil de conectar con más personas es mediante las redes", señala.Loop tiene claro que el miedo es uno de los principales obstáculos para quienes comienzan en el mundo del&nbsp;freestyle&nbsp;o la creación de contenido. Por eso,&nbsp;aconseja&nbsp;a quienes tienen ganas pero todavía no se animaron a introducirse en este universo. "Anímense. El que no arriesga no gana". Para él, el miedo a perder o a ser juzgado puede ser paralizante, pero también es lo que impide avanzar. "Intenten y no se queden con el 'quizás'."<h2>El motor creativo</h2>Cuando se trata de&nbsp;crear rimas o contenido nuevo, se inspira con los aspectos más simples de la vida cotidiana. "Desde una juntada con amigos hasta comidas familiares", afirma. Todo puede ser una fuente de ideas. Es fundamental hablar de temas que resulten familiares para el público, eso permite generar una mayor conexión. "Hablar de cosas cotidianas para que el público se sienta identificado", agrega.Las emociones, las charlas con amigos y las experiencias diarias son, para él, elementos clave que alimentan su&nbsp;proceso creativo. Estas vivencias se transforman en rimas, contenido para&nbsp;Instagram&nbsp;o incluso canciones que resuenan con quienes lo siguen.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/ENTREVISTA_LOOP_FOTO_2_fbb4e16681.jpg">[Imagen], por Loop.<h2>Pilares para destacar</h2>Loop subraya dos elementos fundamentales para sobresalir tanto en el freestyle como en la creación de contenido: la&nbsp;creatividad&nbsp;y la&nbsp;originalidad. En su opinión, no basta con seguir las fórmulas establecidas, sino que hay que buscar una manera única de transmitir las ideas. "Transmitir al público, hacer que empaticen con el otro", sostiene y sigue "La confianza es el pilar para hacer cualquier cosa que uno se proponga", concluyó.

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La Argentina, un semillero de talento urbano

Argentina&nbsp;es uno de los países de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;con más&nbsp;riqueza cultural. No solo cuenta con un abanico de paisajes impresionantes, una flora y fauna especial y única y una gastronomía espectacular, sino que también posee una gran historia musical:&nbsp;Carlos Gardel y el&nbsp;tango,&nbsp;Atahualpa Yupanqui&nbsp;y el&nbsp;folclore,&nbsp;Soda Stereo&nbsp;y el&nbsp;rock nacional&nbsp;y&nbsp;Damas Gratis&nbsp;y la&nbsp;cumbia. Sin embargo, el&nbsp;trap&nbsp;ha sido uno de los géneros musicales que&nbsp;más terreno ha ganado&nbsp;en los&nbsp;últimos años&nbsp;y se ha establecido como uno de los&nbsp;estilos más escuchados en&nbsp;Argentina. Duki&nbsp;es, sin dudas, el&nbsp;máximo exponente&nbsp;del&nbsp;trap argentino. Si bien a lo largo de su carrera musical ha incursionado en varios géneros, como el reguetón o el pop, el nacido en Almagro, Buenos Aires, es el&nbsp;pionero&nbsp;y la&nbsp;pata principal del&nbsp;estilo&nbsp;en el&nbsp;país sudamericano. La&nbsp;cantidad&nbsp;de&nbsp;seguidores&nbsp;en sus redes sociales, las&nbsp;millones de visualizaciones en las diversas plataformas y los&nbsp;múltiples logros&nbsp;que ha conseguido de la mano del trap, lo vuelven el&nbsp;número uno del género en el país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_2_bf85d33174.jpg"></figure>Duki durante su concierto en el Santiago Bernabéu, estadio de Real Madrid (Ricardo Rubio - Europa Press).YSY A, también conocido como Alejo, es la&nbsp;segunda espada&nbsp;del&nbsp;trap&nbsp;en&nbsp;Argentina. Con más de&nbsp;cinco discos&nbsp;de&nbsp;estudio&nbsp;y un amplio repertorio de&nbsp;giras&nbsp;y&nbsp;conciertos, el&nbsp;ex organizador del&nbsp;Quinto Escalón, histórica competencia de freestyle en el país sudamericano, se convirtió en uno de los&nbsp;máximos referentes&nbsp;del&nbsp;género&nbsp;en&nbsp;Argentina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_3_3a7227a4a9.jpg"></figure>YSY A, parte fundamental del trap en Argentina (German Garcia Adrasti).Neo Pistea&nbsp;es otro de los&nbsp;pilares&nbsp;del&nbsp;trap&nbsp;en&nbsp;Argentina. Además de ser uno de los&nbsp;primeros traperos&nbsp;del país, el rapero compuso “Tumbando el club”,&nbsp;himno nacional&nbsp;del&nbsp;género,&nbsp;y formó parte de&nbsp;Modo Diablo junto con&nbsp;Duki&nbsp;e&nbsp;YSY A, grupo que marcó un&nbsp;antes&nbsp;y un&nbsp;después&nbsp;en la&nbsp;historia&nbsp;del&nbsp;trap argentino.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_4_328eba3b82.jpg"></figure>Neo Pistea, historia del género musical en Argentina (Manuel Cascallar).Khea&nbsp;también forma parte de la lista de los&nbsp;pioneros&nbsp;del&nbsp;trap argentino. El rapero es una de las voces principales del estilo en el país y el protagonista de uno de los&nbsp;hitos más importantes en la&nbsp;historia&nbsp;del&nbsp;género: la creación del sencillo “Loca”, una de las&nbsp;canciones pilares del&nbsp;trap argentino.&nbsp;A su vez, cuenta con presentaciones en los&nbsp;principales festivales de&nbsp;Latinoamérica&nbsp;como el&nbsp;Lollapalooza&nbsp;y ha sido invitado a giras de artistas tales como&nbsp;Daddy Yankee,&nbsp;Anuel AA&nbsp;y&nbsp;Nicky Jam.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_5_0357b17347.jpg"></figure>Khea, uno de los líderes del movimiento trap en Argentina y Latinoamérica (Interscope Records).Conocida como "La Jefa",&nbsp;Cazzu&nbsp;es una de las&nbsp;artistas más influyentes en la&nbsp;escena&nbsp;del&nbsp;trap argentino. Con&nbsp;cuatro álbumes&nbsp;en su currículum y varios shows por el país, la cantante logró consolidarse como una de las&nbsp;referentes femeninas&nbsp;del estilo. Además, su participación en&nbsp;festivales internacionales de renombre y&nbsp;colaboraciones&nbsp;con artistas de alto calibre&nbsp;la posicionaron como una&nbsp;estrella global.<figure class="image"><img></figure><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PIONEROS_TRAP_6_1_5e6ef93873.png">Cazzu, la reina del trap en Argentina (Mezcalent).Obie Wanshot,&nbsp;Lucho SSJ,&nbsp;Bhavi,&nbsp;Dillom,&nbsp;Muerejoven,&nbsp;Taichu&nbsp;y&nbsp;Saramalacara&nbsp;son otros de los artistas que han aportado su granito de arena para que el trap se establezca como uno de los&nbsp;géneros musicales&nbsp;más escuchados en&nbsp;Argentina.Con el tiempo, y gracias a la ayuda de referentes como Duki o YSY A, el trap argentino dejó de ser un fenómeno underground para convertirse en un pilar de la música popular. El trap pasó a dominar las listas de éxitos y a llenar grandes escenarios, atrayendo a miles de fanáticos en todo el país y más allá de sus fronteras.

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Trap made in Argentina: los pioneros que definieron una generación

El mundo del arte evolucionó más allá de los confines físicos y las limitaciones de las galerías tradicionales gracias a la aparición de galerías itinerantes. Estas iniciativas llevan el arte a contextos variados y salen de lo convencional.&nbsp;Una de las innovadoras iniciativas es No Man’s Art Gallery, que se destaca por su enfoque audaz. Nacida en Amsterdam, comenzó como un proyecto “falso” en línea, ideado por la joven estudiante de leyes Emmelie Koster y se convirtió en un fenómeno global. Se mueve constantemente, y ya organizó exhibiciones en ciudades como Shanghái, Bombay y Hamburgo. En cada destino, la galería recluta a artistas locales y crea una mezcla que resuena con coleccionistas. Incluso, algunas exposiciones llegaron a realizarse en completa oscuridad, sumergiendo a los espectadores en un viaje sensorial.La propuesta de Amy Smith-Stewart rompió con la tradición de las galerías convencionales de Nueva York. Después de una carrera en instituciones tan prestigiosas como el MoMa PS1, decidió abandonar el espacio físico para llevar el arte directamente a la gente, organizando exposiciones itinerantes en lugares inesperados. La naturaleza casi secreta de sus exhibiciones, que tuvieron lugar en sitios emblemáticos como el Socrates Sculpture Park y el Noguchi Museum, añade un elemento de sorpresa y anticipación. Esta capacidad de adaptarse y transformar cualquier espacio la posicionó como una figura prometedora.Argentina no se quedó atrás y se sumó a la tendencia, con uno de sus centros culturales más importantes, el CCK. Este promueve exposiciones a lo largo y ancho de sus ocho pisos que van cambiando cada mes. Además, expandió su alcance más allá de las paredes del edificio. Es así que democratizan el acceso a la cultura y generan un mayor conocimiento del arte contemporáneo.&nbsp;Al moverse de una ciudad a otra, de un país a otro, estas propuestas crean conexiones interculturales, permiten descubrir nuevos talentos y ofrecen experiencias artísticas que van más allá de la contemplación pasiva. El arte se convierte en un acto de descubrimiento continuo, donde cada nueva exposición es una invitación a explorar lo desconocido, a dejarse sorprender y a participar en una experiencia que se transforma constantemente. <img><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Salon_de_imagenes_en_el_Centro_Cultural_Libertad_591d9615bc.jpg"> En la sala de “negativos encontrados” armaron un sector con fotos tamaño carnet iluminadas [Imagen], por Adrián D’andrea.The Pool NYC es otro exponente del arte itinerante. Fue fundada por Fabrizio Moretti, Viola Romoli y Luigi Franchin y sin sede fija recorre el mundo desde 2009. Cada exposición se adapta al contexto cultural y geográfico de la ciudad anfitriona, lo que permite que la galería mantenga su relevancia y conexión con un público global. Este enfoque flexible y dinámico que le permitió crear una plataforma única para artistas emergentes y establecidos, ofrece una experiencia artística que es tan fluida y cambiante como el mundo en el que se mueve.Es evidente que surgió una nueva tendencia global que refleja un cambio cultural y artístico profundo. En una sociedad donde la movilidad y la conectividad son pilares esenciales, la capacidad para poder acceder al arte es más valorada que nunca.&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Camaras_de_fotos_antiguas_44629ef070.jpg">También en la sala de “negativos encontrados”, se expusieron un conjunto de cámaras de fotos de antaño [Imagen], por Adrián D’andrea.

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La revolución del arte itinerante

Son varios los manjares latinoamericanos que se destacaron en la clasificación internacional de&nbsp;Taste Atlas. Esta reconocida guía culinaria incluyó una variedad de dulces típicos en su ranking de los&nbsp;mejores 100 postres del mundo.<h2>Las delicias que integran la lista de 100</h2>De abajo para arriba, los primeros en aparecer son los&nbsp;picarones&nbsp;peruanos. Esos buñuelos en forma de dona que se sumergen en miel, hechos de camote y zapallo, se ubican en el&nbsp;puesto 89. Son crujientes por fuera y suaves por dentro.&nbsp;El&nbsp;pudim de leite condensado es un flan de leche condensada, proveniente de&nbsp;Brasil&nbsp;y se encuentra en la posición&nbsp;número 64. Este postre gelatinoso es una mezcla de leche, huevos y azúcar, cocido al baño María hasta alcanzar una consistencia perfecta.El&nbsp;tembleque, un pudín de coco que se encuentra en el&nbsp;quincuagésimo lugar. Tiene una textura cremosa, y es preparado con leche de coco, azúcar y fécula de maíz. Originario de&nbsp;Puerto Rico, se adorna con un toque de canela y queda con un sabor tropical refrescante.Los&nbsp;marranitos mexicanos&nbsp;ocupan el puesto&nbsp;45. Son dulces que asemejan pequeños cerditos, con un acabado brillante y un gusto característico a canela. Su forma crujiente hacen de ellos una rica opción para grandes y chicos.El&nbsp;mousse&nbsp;de maracuyá, también de&nbsp;Brasil, fue clasificado como&nbsp;trigésimo primero. Es una combinación perfecta de crema, leche condensada y jugo de maracuyá. La simplicidad de sus ingredientes y la uniformidad en las porciones lo hacen muy popular, con sus particulares sabores ácido y dulce que conquista el paladar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/TASTE_ATLAS_FOTO_2_a38dbee1a3.jpg"></figure>Mousse&nbsp;cremoso de maracuyá, también conocido como chinola o parchita [Imagen], por Laylita.com.Otra delicia&nbsp;mexicana&nbsp;es la&nbsp;carlota de limón, ubicada en el&nbsp;puesto 25. Este pastel frío, que se ensambla sin necesidad de horno, combina galletas con una crema de limón. Las capas alternas de galletas y crema se congelan para obtener una textura suave y fresca.El&nbsp;pavé&nbsp;es otro plato&nbsp;brasileño&nbsp;en la lista, ocupó la plaza número 21. Con similitudes a la carlota de limón, se prepara con bizcochos empapados en jugo de frutas o licor, y se adorna con galletas y a veces chocolate. Sus comensales lo describen como una explosión de&nbsp;sabores.&nbsp;<h2>Supremacía latina en el Top 10</h2>Argentina&nbsp;también aparece en la lista por la distinción de dos de sus postres. El&nbsp;dulce de leche, posicionado en el&nbsp;puesto 8, es un clásico de su&nbsp;gastronomía. Se elabora mediante la cocción de leche con azúcar hasta espesarse y obtener un gusto caramelizado. Es ideal para untar sobre pan o incluso disfrutar solo. Los alfajores son otra joya argentina, que ocupan la séptima posición en el ranking. Estas galletas rellenas de dulce de leche, bañadas en chocolate o espolvoreadas con azúcar, son una combinación perfecta.&nbsp;Su popularidad traspasó fronteras y son un símbolo de la repostería del país.Perú&nbsp;vuelve a aparecer en la clasificación por su&nbsp;queso helado. Ubicado como&nbsp;tercero&nbsp;es una preparación artesanal que sorprende con su nombre. Pese a su denominación, no contiene queso, es un helado cremoso de frutas y leche, espolvoreado con canela. Uno de los favoritos en las regiones costeras del país.<figure class="image image_resized" style="width:100%;"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/TASTE_ATLAS_FOTO_3_7b9e752f15.jpg"></figure>Rankeado entre los tres mejores, es simple para comer y llevar, y compartir en familia o con amigos [Imagen], por Tripadvisor.<h2>La joya del ranking</h2>Nuevamente&nbsp;Brasil, aquí estableciéndose en el&nbsp;TOP 2 por&nbsp; el&nbsp;bombocado, una tarta suave hecha de huevo, leche, azúcar, queso rallado y harina. Su nombre significa “buen bocado” y es un reflejo de su textura ligera y su&nbsp;delicioso sabor.Cada cuál cuenta una historia, desde sus ingredientes tradicionales hasta sus métodos de preparación. Son representativos de la riqueza y diversidad de la gastronomía latinoamericana y demuestran cómo la dulzura puede ser una experiencia cultural única. &nbsp;

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Los postres latinoamericanos entre los mejores del mundo

Guadalajara&nbsp;vivió una gran jornada culinaria con el&nbsp;Street Food Festival. Este evento destacó por elevar la comida callejera mexicana a nuevas alturas, y atrajo a los amantes de la&nbsp;gastronomía&nbsp;de toda la región. La celebración fue en el Salón Bellaterra, ubicado en Av. Naciones Unidas 8600, Zapopan. La entrada general incluyó acceso a una variedad de platos y bebidas, sin costos adicionales durante la jornada.<h2>Oferta gastronómica y chefs invitados</h2>La rica oferta de comida callejera de Guadalajara se distinguió, con estaciones dedicadas a&nbsp;lonches, birria, tacos, nieves de garrafa y tejuinos. El público disfrutó de una experiencia local auténtica de la&nbsp;comida urbana. Los&nbsp;platos, transformados por&nbsp;chefs&nbsp;de renombre, combinaban técnicas modernas con sabores tradicionales, una nueva perspectiva sobre los clásicos.Entre los presentes estuvieron&nbsp;Poncho Cadena, juez de&nbsp;MasterChef Celebrity y chef del renombrado restaurante Hueso. También participaron&nbsp;Óscar Garza de Bruna, Tomás Bermúdez de La Docena, Mario Papa de Teté Cocina de Barrio, David Castro de Fauna, Chuy Villarreal de Cara de Vaca y Carlos Espinosa de Tikuun. Estos cocineros transformaron platos simples en obras de arte sin perder la&nbsp;esencia callejera.<h2>Más que solo comida</h2>Uno de los grandes atractivos del festival fue la&nbsp;mixología. Tequila 1800 presentó&nbsp;cócteles&nbsp;diseñados para realzar los sabores de la&nbsp;comida callejera. El público pudo disfrutar de combinaciones sorprendentes, versiones clásicas del tequila o mezclas más nuevas con sabores frutales y especiados. La&nbsp;música&nbsp;en vivo fue otro de los grandes aciertos.&nbsp;Aveparadiso, Omar Vera y Esa Mi Pau complementaron la experiencia culinaria con un ambiente de festejo. Los&nbsp;ritmos latinos crearon una atmósfera dinámica y relajada, ideal para disfrutar.<h2>Guadalajara como epicentro gastronómico</h2>El éxito reafirmó a Guadalajara como uno de los destinos más importantes de&nbsp;México. La ciudad consolidó su lugar como un punto de referencia para experiencias culinarias. El&nbsp;Street Food Festival 2024 fue una cita obligada para los amantes de la comida callejera. Los sabores, la música y la mixología se entrelazaron en un evento que celebró el amplio abanico de la riqueza de la&nbsp;gastronomía mexicana.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/GUADALAJARA_FOTO_2_f2fee9a295.jpg"></figure><figure class="image"><img></figure>[Imagen], por Playas y Plazas.

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La experiencia gastronómica imperdible del Street Food Festival de Guadalajara

El famoso&nbsp;reggaetonero, que cautivó a millones con su música, se lanzó a una nueva aventura en el mundo de la moda y marca tendencia con sus originales diseños. Desde sus comienzos, Lennox fue una figura en el&nbsp;reggaetón junto a Zion, formaron el legendario dúo&nbsp;Zion &amp; Lennox. Su trayectoria la marcaron los éxitos y reconocimientos, como el&nbsp;Billboard Award&nbsp;al Mejor Dúo Latino durante tres años consecutivos. Sin embargo, ahora el artista se aventuró en un nuevo terreno y dio vida a su propia línea de ropa,&nbsp;Durini Streetwear.&nbsp;<h2>La inspiración detrás de Durini Streetwear</h2>Para llevar adelante este proyecto, se&nbsp; inspiró en su admiración por&nbsp;el diseñador Virgil Abloh&nbsp;y el arte de la moda urbana. Empezó a gestarse durante el huracán María, cuando Lennox y su equipo se encontraron varados en Florida, comenzaron a discutir sobre lo que significaba ser "duro" en su contexto. De esas conversaciones surgió el término "durini", que Lennox empezó a utilizar en redes sociales, y pronto se convirtió en un movimiento conocido como&nbsp;"Durini mentality".<h2>Un debut a lo grande</h2>La Federación de Diseñadores de Latinoamérica (FDLA) organizó un desfile especial en&nbsp;Canoe Studios, un lugar icónico en&nbsp;West Chelsea, donde el artista reveló y explicó su visión única de la moda urbana. En febrero, la Semana de la Moda de Nueva York fue el escenario de un evento emocionante y significó el debut de Durini&nbsp;Streetwear. El desfile fue todo un acontecimiento para la marca, con una presentación que destacó el talento de Lennox como creador y su capacidad innovadora. Hubo múltiples diseñadores latinos y españoles, como&nbsp;Custo Barcelona, Agatha Ruiz de la Prada y Jemma Russo, un verdadero crisol de creatividad y estilo en la capital de la moda. Sin embargo, el gran atractivo mayor fue el debut de Lennox, por su creación y capacidad innovadora.<h2>Colección y precios</h2>La colección&nbsp;está comercializada en&nbsp;durinistreetwear.com e incluye piezas que reflejan la esencia del&nbsp;reggaetón&nbsp;y el estilo de vida de Lennox. Los precios son variados e incluso hay productos con sus precios rebajados. Las zapatillas tienen un valor de 200 dólares, los buzos hoodie rondan los 100 dólares y las remeras van desde 60 a 90 dólares. Además, cuenta con una sección exclusiva con talles para niños.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/LENNOX_FOTO_2_fe4feaa1f8.jpg"> Lennox presenta dos modelos de zapatillas, que aún mantiene a la venta [Imagen], por fashionunited.es.Su influencia va más allá de la simple estética. El hecho de haber experimentado el mundo del entretenimiento, le aporta una perspectiva distinta a la industria de la moda.&nbsp;Durini&nbsp;Streetwear&nbsp;es una extensión de su historia y personalidad, que encapsula la esencia de sus vivencias e influencias culturales.&nbsp;

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Lennox lanzó Durini Streetwear, su línea de ropa propia

Agostina Hidalgo es la mente creativa detrás de&nbsp;Agoshida. En&nbsp;JT, con&nbsp;Jessica Trosman como mentora, hasta el lanzamiento de su propia marca, trazó un camino caracterizado por la pasión y una visión única que integra lo tradicional con lo moderno.<h2>El camino a liderar en JT</h2>Originaria de&nbsp;San Martín, Buenos Aires, superó todas las expectativas al adentrarse en la fabricación de indumentaria. La carrera de Agostina comenzó mientras estudiaba&nbsp;Diseño en la UBA y continuó como pasante en JT, donde en sus inicios descosía jeans y pronto se convirtió en la diseñadora a cargo. Este viaje fue una experiencia formativa y la transición, luego de la partida de Jessica Trosman, implicó mantener el estilo distintivo de la marca mientras incorporaba sus propias ideas.<h2>Mentoría en el mundo del diseño</h2>Sus maestras en la facultad, Andrea Saltzman y Verónica Fiorini, le enseñaron el universo poético del diseño y la parte práctica del producto. Trosman le mostró cómo ser una diseñadora de autor, trabajar un concepto de principio a fin, y manejarse en una&nbsp;industria machista. Esto le significó una generosidad tal que le dejó una huella imborrable. La combinación de formación académica y experiencia práctica moldeó su identidad artística.<h2>El nacimiento de la marca</h2>El lanzamiento de Agoshida a finales de 2021, en la pandemia y en medio de su “crisis de los 30”, fue una decisión audaz.&nbsp; En ese lapso pudo acumular telas, muchas con historias que inspiraron su nueva aventura. Este impulso interno la llevó a fundar su propia marca, una combinación de sensaciones y determinación que la empujó a, finalmente, dar el paso. Su desafío actual es incorporar técnicas autóctonas y crear prendas masivas con un enfoque de venta hacia el interior del país.<h2>El impacto de las redes sociales</h2>La marca lleva su nombre y sus redes sociales son un reflejo personal, por eso Agoshida es una extensión de ella misma en la que su público aprecia la cercanía y realidad&nbsp;que propone, con su contenido diario. Los festivales de&nbsp;Arte BA se le presentan como una posibilidad para profundizar la relación con su audiencia y crear una gran sinergia, lo que se convierte en una forma de destacarse aún más.&nbsp; Si se considera que la mayoría de sus clientes son artistas, se entiende que valoren el diseño y el disfrute por la exclusividad de las prendas.<h2>El BAFWEEK y proyección&nbsp;</h2>Tras consolidarse entre la nueva generación de diseñadores locales, presentó su colección de invierno 2024 en las pasarelas de&nbsp;BAFWEEK y ganó el concurso en colaboración con&nbsp;FAD Connection, asistirá a un curso de Imagen y Estilismo de Moda en el Istituto Marangoni de Milán.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/AGOSHIDA_FOTO_2_5b1ff85fef.jpg"></figure>Traje de algodón gaimán, diseñado de Agoshida y modelado por Cosima Fricke [Imagen], por Instagram @agoshida.Agostina vistió a artistas como Pilar Dibujito, Juana Molina, Lucrecia Martel y Mariana Enríquez, descrito por ella como un honor. Estas mujeres influenciaron su obra, pero sus expectativas son aún mayores y sueña con vestir a&nbsp;Cristina Fernández de Kirchner.<h2>Rompiendo moldes</h2>El hecho de haber participado en la exposición&nbsp;"Sastrería: Oficio &amp; Historia"&nbsp;del Museo de la Historia del Traje significó un logro en su carrera. Su diseño de organza de seda gris, rompió con las normas tradicionales, demostró su&nbsp;enfoque disruptivo y logró fusionar la elegancia con una interpretación moderna. La próxima colección de Agoshida, "Argenta", se basará en una Argentina con monarquía, inspirándose en la hija de&nbsp;San Martín&nbsp;y elementos del Virreinato como perlas y encajes. Con sus intervenciones textiles innovadoras, buscará reivindicar la artesanía de las abuelas que cosían a mano, lo que refleja una habilidad para combinar lo histórico con lo contemporáneo e infundir cada pieza con detalle y significado.

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Agoshida, la marca que se volvió tendencia en la moda urbana

Además de ser una de las ciudades más pobladas de Brasil, Río de Janeiro cuenta con un enorme abanico de lugares turísticos para visitar: la estatua de Cristo Redentor, el Pan de Azúcar, las playas de Copacabana e Ipanema y el estadio Maracaná, entre otros. Sin embargo, también ofrece una vibrante escena artística que mezcla lo contemporáneo con lo tradicional.<h2>La Escalera de Selarón</h2>La Escalera de Selarón es uno de los puntos turísticos más importantes y más visitados de Río de Janeiro. Ubicada en el barrio Santa Teresa, la escalera fue creada por Jorge Selarón, un pintor y artista de cerámica chileno que vivía en la zona. En la actualidad, la escalera cuenta con más de 2000 azulejos de 60 países distintos con una inmensa variedad de colores y diseños.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_RIO_2_f3520ccf81.jpg"> El abanico de colores es una de las características de la Escalera de Selarón (Expedia).Además de ser un sitio fotográfico, la escalera apareció en comerciales de American Express, Fanta y Pepsi y fue escenario de videoclips musicales de bandas y artistas mundialmente conocidas como U2 (en la versión internacional de "Walk&nbsp;on"), Wisin y Yandel ("Pam Pam") y Snoop Dog (“Beautiful”).<h2>Fábrica Bhering</h2>Originalmente, la Fábrica Bhering fue una de las primeras fábricas de chocolates de todo Brasil, pero con el paso del tiempo, la fábrica cerró y el edificio quedó abandonado y en desuso. Sin embargo, en los últimos años, ha sido reconvertido y se ha establecido como uno de los epicentros de la escena artística independiente de la ciudad. El sitio cuenta con estudios de artistas, galerías, tiendas de diseños, bibliotecas, lugares para comer y shows de música en vivo, entre otras actividades.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_RIO_3_56c0a0390a.jpg"> La Fábrica Bhering desde afuera (O Globo).<h2>Museo del mañana</h2>El Museo del Mañana es un museo de ciencias neofuturista diseñado por el español Santiago Calatrava y construido junto al mar en el Muelle Mauá. Además de contar con una arquitectura futurista atractiva e impresionante, el museo posee una actividad principal que invita a los visitantes a viajar a través cinco zonas (Cosmos, Tierra, Antropoceno, Mañana y Ahora) mediante experimentos y experiencias.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_RIO_4_fa40d6aebd.jpg"> La estructura del Museo del Mañana por afuera (Bernard Miranda Lessa).A su vez, la ciudad cuenta con otros museos como el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói o el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro que también son destinos turísticos obligatorios para aquellos amantes del arte.<h2>Centro Cultural Banco do Brasil</h2>Inaugurado en el año 1989, el Centro Cultural Banco do Brasil es uno de los espacios culturales más activos de Río de Janeiro. El sitio tiene dentro de sus instalaciones tres salas de teatro que acogen obras teatrales y espectáculos musicales, un cine con capacidad para más de cien espectadores, una sala de vídeo y más de mil metros cuadrados destinados a exposiciones de obras de artistas plásticos distribuidos entre la gran rotonda central de la planta baja y el primer, segundo y cuarto piso.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_RIO_5_c9eda48c54.jpg"> La cúpula del Centro Cultural Banco do Brasil (Wikipedia).<h2>Mural das Etnias</h2>Pintado por el artista brasileño Eduardo Kobra para los Juegos Olímpicos de Río 2016, el Mural das Etnias es uno de los lugares más fotografiados de la ciudad y uno de los murales más icónicos del mundo. La obra está ubicada en el Boulevard Olímpico de la ciudad y su temática principal es la unión de los pueblos de la Tierra y la diversidad de las etnias de los cinco continentes. Además, la obra de tres mil metros fue reconocida como el mural más grande del mundo.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_RIO_6_87907763d8.jpg"> Parte del Mural das Etnias creado para los Juegos Olímpicos (Agência Brasil).

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De murales a museos: los lugares artísticos que hacen única a Río de Janeiro

Cartagena de Indias es una&nbsp;ciudad histórica ubicada en la costa norte de&nbsp;Colombia, a orillas del mar Caribe. Conocida por su&nbsp;rica historia colonial,&nbsp;arquitectura impresionante&nbsp;y&nbsp;vibrante cultura, la Heroica es un&nbsp;destino casi obligatorio para los amantes de los viajes.<h2>Ciudad Amurallada, historia de Cartagena de Indias</h2>La&nbsp;Ciudad Amurallada&nbsp;es el&nbsp;centro histórico de la ciudad de Cartagena de Indias y ha sido declarado tanto&nbsp;patrimonio nacional de Colombia como&nbsp;Patrimonio de la Humanidad&nbsp;por la&nbsp;UNESCO. Hogar de los nobles y las personas importantes en la época de la Colonia, la Ciudad Amurallada presenta un&nbsp;amplio abanico de lugares históricos&nbsp;para recorrer: el Palacio de la Inquisición, el Museo del Oro Zenú, el Museo de Arte Moderno, la Plaza de los Coches, la estatua de Pedro de Heredia, la Iglesia y el Convento de San Pedro de Claver y la Alcaldía Mayor.<h2>Islas del Rosario: playas, artesanías y gastronomía</h2>Ubicadas a tan solo una hora y media en lancha de la ciudad, las&nbsp;Islas del Rosario&nbsp;o Corales del Rosario es un&nbsp;pequeño archipiélago&nbsp;compuesto por&nbsp;más de 25 islas&nbsp;que forma parte de la&nbsp;zona insular de Cartagena de Indias. Además de contar con uno de los&nbsp;parques nacionales naturales de Colombia, las Islas del Rosario son un sitio espectacular para pasar el día. ¿Qué actividades se pueden realizar? Aquellas personas que deseen visitar el archipiélago podrán bucear y conocer la vida marina del lugar, comprar artesanías hechas por artistas locales, hacer alguna parada para recargar energía en los puestos de comida y demás.<h2>Castillo de San Felipe de Barajas, la fortaleza de Cartagena de Indias</h2>El&nbsp;Castillo de San Felipe de Barajas es una&nbsp;fortaleza de la época colonial española&nbsp;construida sobre el&nbsp;Cerro de San Lázaro para proteger la&nbsp;única entrada por tierra a Cartagena de Indias. Considerada una de las obras más destacadas de la ingeniería militar española en América, el castillo es, sin dudas, un destino obligatorio para aquellas personas que visiten la ciudad de Colombia y quieran conocer una pizca de su historia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CARTAGENA_3_38fb1bf552.jpg"></figure>El Castillo de San Felipe de Barajas de noche (Shutterstock).<h2>Plaza La Serrezuela: pasado y presente en un mismo lugar</h2>El centro comercial de lujo&nbsp;Plaza La Serrezuela no solo es impactante por sus tiendas y por su arquitectura, sino que también por la historia que hay detrás del edificio. A comienzos del siglo XX, la&nbsp;plaza de toros de Cartagena de Indias&nbsp;ocupaba dicho espacio. Luego de la&nbsp;guerra&nbsp;de los&nbsp;Mil Días, la estructura debió ser desmontada y la plaza de toros se convirtió en un circo-teatro que alberga una gran variedad de actividades, como presentaciones de artistas, espectáculos boxísticos y, hasta incluso, es el hogar del Festival de Música del Caribe.<h2>Getsemaní, el arte de Cartagena de Indias</h2>Getsemaní&nbsp;es uno de los barrios más emblemáticos, culturales y coloridos de toda Cartagena de Indias, y sin dudas uno de los sitios a visitar de propios y ajenos. El&nbsp;arte callejero es un aspecto característico de la zona, que está repleta de graffitis, murales y pinturas. Además, es un sitio que con el paso de los años dejó atrás las drogas y la prostitución y dio paso al arte urbano, música y gastronomía.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CARTAGENA_2_5e8c57af2f.jpg"></figure>El arte del barrio Getsemaní (Unsplash).No hay dudas de que Cartagena de Indias es uno de los destinos colombianos más excitantes para recorrer: historia, cultura, arte, diversión y vida.

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Cartagena de Indias: historia, cultura y arte de Colombia

Santiago, también conocida como&nbsp;Santiago de Chile, es la&nbsp;capital&nbsp;de&nbsp;Chile. Con más de&nbsp;ocho millones de habitantes, la ciudad principal del país de Sudamérica cuenta con un&nbsp;gran abanico de lugares turísticos para recorrer para aquellas personas que deseen visitar la ciudad: desde construcciones históricas hasta sitios artísticos.<h2>Lugares para visitar</h2>Sky Costanera es una&nbsp;experiencia obligatoria&nbsp;para aquellos que viajen a conocer la ciudad de Santiago de Chile. Ubicado a 300 metros del suelo, el mirador te permite conocer la capital chilena desde las alturas y tomar las mejores fotos. No hay visita a Santiago de Chile sin conocer el&nbsp;Centro Histórico, el&nbsp;barrio&nbsp;donde se dio&nbsp;origen&nbsp;a la&nbsp;ciudad&nbsp;y, con el correr del tiempo, se ha transformado en el&nbsp;corazón administrativo,&nbsp;político,&nbsp;cultural&nbsp;y financiero de la capital chilena. La Plaza de Armas, la Catedral, el edificio de Correos de Chile, el ex Congreso Nacional son algunos de los edificios que se encuentran en el lugar. Además, el Centro Histórico cuenta con&nbsp;galerías comerciales y&nbsp;paseos peatonales&nbsp;como Paseo Ahumada y Huérfanos<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_SANTIAGO_3_5d372a5cab.jpg"></figure>La Plaza de Armas, ubicada en el Centro Histórico de Santiago de Chile (Dreamstime).El&nbsp;Cerro Santa Lucía, antiguamente conocido como&nbsp;Cerro Huelén&nbsp;(dolor en mapuche),​ es un&nbsp;parque urbano ubicado en la zona financiera de la ciudad de Santiago de Chile. Con una arquitectura muy llamativa y colorida, el parque forma parte de la historia del país sudamericano al ser la&nbsp;primera fortaleza española en la ciudad. Si bien ha sufrido remodelaciones, el Cerro Santa Lucía todavía mantiene algunos elementos desde su creación que lo vuelven un sitio aún más extravagante.<h2>Arte en las calles</h2>El&nbsp;arte callejero es otro de los aspectos que distinguen a Santiago de Chile.&nbsp;Barrio Franklin, Barrio Brasil, Barrio Yungay&nbsp;y Bellavista&nbsp;son, sin dudas, los lugares más artísticos de la capital del país sudamericano. Los artistas y colectivos muralistas se han encargado de llenar las paredes de estos barrios con su arte y ocuparon los muros con graffitis, pinturas y murales.<h2>Santiago Urbano</h2>El&nbsp;deporte urbano en Santiago de Chile ha crecido considerablemente en los últimos años. Las actividades como el&nbsp;skateboarding,&nbsp;BMX&nbsp;y&nbsp;parkour&nbsp;se han convertido en algunas de las&nbsp;disciplinas deportivas más practicadas en la capital del país sudamericano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_SANTIAGO_1_2fa84ad616.jpg"></figure>El arte en las calles de Santiago de Chile (blvckimvges).El&nbsp;Parque de Los Reyes&nbsp;es uno de los skateparks más grandes y conocidos de Santiago de Chile. A su vez, el&nbsp;Skatepark Parque Bustamante, ubicado en el centro de la ciudad, es otro de los sitios populares entre los skaters locales.El&nbsp;Parque O'Higgins es uno de los sitios más recurridos de los bikers en Santiago de Chile por sus espacios amplios y áreas diseñadas específicamente para la práctica de BMX. Además de ser un lugar para el skateboarding, el&nbsp;Skatepark de La Florida también es un lugar frecuentado por aquellos bikers que practican BMX.El&nbsp;Parque Forestal y la&nbsp;Plaza de Armas&nbsp;son dos de los sitios más concurridos por aquellas personas que practican parkour. La diversidad de estructuras y áreas abiertas son ideales para la práctica de la disciplina.La mezcla de edificios históricos, paseos artísticos y demás vuelven a Santiago de Chile en un destino top para aquellas personas que disfrutan de recorrer lugares.

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Santiago de Chile: historia, arte y deporte urbano

La popularidad e impacto que produjeron estos géneros, los posicionaron como los principales del momento en la escena urbana. El reggaetón, trap, hip hop, R&amp;B y afrobeats destacan por las historias que transmiten y los artistas influyentes que ofician de intérpretes.<h2>El ritmo que trasciende épocas</h2>El&nbsp;reggaetón, con sus raíces en el reggae y el dancehall, emergió en la década de 1990 en Puerto Rico. Sus orígenes se remontan a la mezcla de ritmos caribeños con influencias del hip hop y el rap. El ritmo inconfundible, marcado por el&nbsp;dembow, y las letras enérgicas, a menudo celebran la vida nocturna, el amor y el desamor. Artistas como&nbsp;Daddy Yankee, con su emblemático hit "Gasolina", y&nbsp;J Balvin, con éxitos como "Mi Gente", se encargaron de globalizar el género. Su repercusión fue tal que impuso tendencias en la moda, arte y cultura.<h2>Un versión renovada</h2>Originado en los barrios de Atlanta a finales de los años 90, el&nbsp;trap es una variante del rap caracterizada por sus beats pesados y sus letras crudas. Este subgénero capturó la esencia de la vida urbana e indaga en temas como la lucha personal y la supervivencia en entornos difíciles. En&nbsp;América Latina, el trap se estableció con artistas como&nbsp;Rauw&nbsp;Alejandro, junto a él, figuras como&nbsp;Anuel AA y Cazzu ayudaron a definir el sonido del trap en español, y fusionaron elementos locales con la estética global del género.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/GENEROS_URBANOS_FOTO_2_f4acd636ee.jpg"></figure>Rauw Alejandro obtuvo una reciente victoria en los&nbsp;Latin GRAMMY y cuatro nominaciones al&nbsp;GRAMMY&nbsp;[Imagen], por Europa&nbsp;FM.&nbsp;<h2>El origen del movimiento urbano</h2>Por su parte, el&nbsp;hip hop nació en los años 70 en el&nbsp;Bronx de Nueva York. Se distingue por ser abarcativo, tiene una amplia gama de estilos,&nbsp;desde el rap clásico hasta el trap moderno. Se lo conoce por su influencia en la moda, el arte y la política, como una voz poderosa para las comunidades marginadas. En&nbsp;Latinoamérica, el género creció con artistas como&nbsp;Residente, con letras incisivas y un marcado compromiso social. Otros como&nbsp;Nicky Jam combinaron el&nbsp;hip hop con el&nbsp;reggaetón, en busca de una mayor versatilidad.<h2>Un puente entre lo clásico y lo contemporáneo</h2>El&nbsp;R&amp;B o&nbsp;Rhythm and Blues surgió en los años 40 y 50 en Estados Unidos, combina&nbsp;elementos de soul,&nbsp;jazz&nbsp;y pop. Tiene melodías suaves y sus letras emotivas, con temáticas de amor, pérdida y esperanza.&nbsp;Alicia Keys es una de las artistas que influenció a la generación de músicos hispanohablantes. La puertorriqueña Cosculluela y Shakira también incursionaron en este género, pese a ser reconocidas por otros.<h2>El estilo que conquista a Latinoamérica</h2>Por último, el&nbsp;afrobeats, que es contemporáneo y combina ritmos africanos tradicionales con elementos de pop y&nbsp;hip hop. Originario de Nigeria y Ghana, obtuvo una gran popularidad en los últimos años.&nbsp;Wizkid&nbsp;y Burna Boy colaboraron con músicos internacionales y, de esa manera, expandieron considerablemente el alcance del género. En América Latina, el afrobeats comenzó a influir en artistas urbanos como&nbsp;J Balvin o&nbsp;Bad Bunny que incorporan estos ritmos africanos en sus producciones.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/GENEROS_URBANOS_FOTO_3_b57f72b49c.jpg">Mónaco, una de las canciones del último álbum de&nbsp;Bad Bunny, es el tema con más streams en Iberoamérica y entre la audiencia latina en USA [Imagen], por&nbsp;BBC.Todos estos géneros urbanos representan la diversidad musical y la rica composición de influencias culturales que le dan forma a lo contemporáneo. Cada uno ofrece una ventana única hacia las historias y las experiencias.

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Los cinco géneros urbanos del momento

Tirone José González Orama, conocido artísticamente bajo el nombre de&nbsp;Canserbero, fue uno de los raperos más importantes en toda la historia de&nbsp;Venezuela y Latinoamérica.<h2>El origen de Canserbero</h2>Luego del fallecimiento de su madre, el venezolano se fue a vivir con su&nbsp;padre&nbsp;y adoptó el sobrenombre de&nbsp;Canserbero, aludiendo a su gran interés en la&nbsp;mitología griega&nbsp;y&nbsp;Cerbero&nbsp;(también conocido como Can Cerbero), el perro del dios griego&nbsp;Hades, encargado de guardar el inframundo y vigilar que los muertos no salieran y los vivos no entraran en él.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CANSERBERO_1_3ccb0b3e8e.jpg"></figure>Canserbero durante uno de sus recitales (El Espectador).<h2>La etapa musical</h2>Uno de los primeros pasos de Canserbero en la música fue la creación de la banda&nbsp;Códigos de Barrio junto al cantante&nbsp;Blackamikase&nbsp;y al productor&nbsp;Afromak. Sin embargo, el grupo sólo pudo grabar&nbsp;tres canciones por&nbsp;falta de recursos económicos. Dos años después de la muerte de su madre, el rapero&nbsp;perdió a su medio hermano en un tiroteo, desgracia que influyó de gran manera en su música.Mientras estudiaba,&nbsp;Canserbero&nbsp;conoció a&nbsp;Marlon Morales, conocido artísticamente bajo el nombre de&nbsp;Lil Supa, quien le invitó a formar parte de “Basyco, Base y Contenido”, un proyecto junto con otros protagonistas de la escena del rap venezolano. A su vez, el nacido en Caracas grabó&nbsp;Can+Zoo, disco que rápidamente se convirtió en una joya del rap latinoamericano. El año 2010 fue un periodo importante en la carrera musical de Canserbero. El rapero de Venezuela lanzó su&nbsp;primer álbum como solista llamado&nbsp;Vida, junto con su gran amigo y productor&nbsp;KPU. El disco contiene varios de sus clásicos como “Mucho Gusto”, “Aceptas”, “Pensando en ti”, “Perdiendo la Fe” y “Ley de Hielo”. Dos años después, Tirone dio a luz a&nbsp;Muerte, su segundo álbum en solitario&nbsp;y la continuación del anterior. El disco habla sobre temas como la muerte, la violencia, el crimen y el desamor y contiene dos de sus canciones más reconocidas: “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=FEbBEAzqqtg" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Es épico</a>” y “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=a9jxNusr0tE" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Jeremías 17:5</a>”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_CANSERBERO_2_158c6b1b96.jpg"></figure>Además de rapero y compositor, Canserbero fue activista social (Eri Milosavlevic).<h2>El fallecimiento y la confesión de los asesinos</h2>El 20 de enero de 2015, el cuerpo de Tirone José González Orama fue encontrado&nbsp;sin vida en la localidad de&nbsp;Andrés Bello, Maracay. Los medios venezolanos afirmaron en un principio que la muerte de Canserbero se trataba de un&nbsp;suicidio. Sin embargo, la hipótesis sobre la muerte del rapero varió con el tiempo y, hace algunos meses,&nbsp;Natalia y Guillermo Améstica confesaron haber&nbsp;asesinado&nbsp;al artista.Natalia, en ese entonces mánager de Tirone, declaró que utilizó&nbsp;benzodiacepinas&nbsp;para adormecer a&nbsp;Carlos Molnar, quien era su pareja, y a&nbsp;González. Luego, los apuñaló en distintas partes del cuerpo y llamó a su hermano&nbsp;Guillermo&nbsp;para manipular la escena y simular un&nbsp;homicidio-suicidio.A pesar de haber fallecido hace nueve años, el legado de Canserbero permanece vigente en el rap de Latinoamérica. Las letras de sus canciones siguen sonando dentro y fuera del continente y su historia continúa inspirando a un gran número de artistas.

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La historia de Canserbero, ícono del rap venezolano y latinoamericano

Desde sus inicios,&nbsp;El Quinto Escalón se destacó por su capacidad para atraer a los talentos más prometedores del&nbsp;freestyle. Lo que comenzó&nbsp;en las calles de Buenos Aires pronto se transformó en un fenómeno de enorme repercusión. Las batallas que se llevaban a cabo en&nbsp;Parque Rivadavia se convirtieron en eventos de gran envergadura, que generaban la atracción de multitudes.<h2>El origen</h2>A principios del 2012, un grupo de&nbsp;freestylers, con Muphasa a la cabeza,&nbsp;decidió utilizar una plaza como un lugar para exhibir sus habilidades. Lo que comenzó como una reunión casual entre amigos pronto evolucionó masivamente. Cada semana, cientos de jóvenes se enfrentaban en batallas de&nbsp;freestyle, donde la&nbsp;agilidad mental y la creatividad se ponían a prueba en un formato de improvisación. Estos encuentros ofrecieron una plataforma para que los artistas emergieran y crearán una comunidad unida.La esencia de la competencia radicaba en su capacidad para&nbsp;democratizar el acceso a la fama.&nbsp;Mientras que las batallas&nbsp;en otros lugares requerían conexiones y recursos, esta ofreció una oportunidad equitativa para todos los participantes. Su filosofía permitió que una amplia gama de artistas pudieran demostrar su valía y ser reconocidos por su habilidad. El impacto de El Quinto Escalón se refleja en los nombres que emergieron de sus filas. Artistas como&nbsp;Trueno, Wos, Sony, Lit Killah, MKS, Klan, Duki, Paulo Londra, Ecko, Acru, Wolf y MP fueron parte fundamental de este movimiento. Cada uno con sus estilos únicos y sus aportes individuales, ayudaron a moldear la escena del&nbsp;freestyle&nbsp;y el rap en Argentina. Los enfrentamientos fueron momentos decisivos en sus trayectorias, que impulsaron sus carreras y les permitieron alcanzar un reconocimiento que se tradujo en éxito.<h2>Batallas memorables</h2>Wos, una de las leyendas del freestyle argentino, demostró su habilidad y logró adquirir una base sólida para su posterior éxito en el ámbito musical. La final entre Wos y Dtoke, dos de los nombres más prominentes del en la práctica de este arte, es recordada como uno de los eventos más emblemáticos de la competencia. Dtoke, en ese entonces una revelación en el movimiento, se enfrentó al&nbsp;bicampeón argentino y campeón mundial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/5_TO_ESCALON_FOTO_2_f9a866e20d.jpg"></figure>Wos es una voz activa en cuestiones sociales y políticas, con su alcance mediático supo abordar temas como la desigualdad y la injusticia [Imagen], por Vía País.<h2>Un legado eterno</h2>La integración de elementos culturales adicionales enriquecieron la experiencia, porque no solo se limitaron a enfrentamientos verbales, sino que se convirtieron en una celebración de la cultura urbana. Sin embargo, no estuvo exento de desafíos, a medida que el evento se popularizó, también atrajo la atención de la prensa y autoridades. Las colosales reuniones, que en su mayoría eran informales, provocaron preocupaciones sobre el orden público y la seguridad. Estas tensiones llevaron a una serie de conflictos y regulaciones que impactaron en el funcionamiento del evento.&nbsp;Con el tiempo, el éxito llevó a los organizadores a enfrentar nuevos retos. La plaza, que una vez fue el epicentro de la competencia, dejó de serlo y decidieron enfocarse en nuevos proyectos, lo que marcó&nbsp;el fin de una era para El Quinto Escalón. En su última edición, el evento se realizó en un escenario más grande, y representó el cierre de un capítulo importante y un testimonio del crecimiento del&nbsp;freestyle&nbsp;en Argentina.&nbsp;Su legado persiste en la forma en que los artistas y los fans continúan la celebración de la cultura que nació en Parque Rivadavia. La historia se conserva en&nbsp;el canal de YouTube de Juancín, donde se puede revivir la esencia de aquellos momentos inolvidables.

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El Quinto Escalón, un eterno ícono urbano

Surgida en los&nbsp;años 80&nbsp;en San Pablo,&nbsp;Brasil, la&nbsp;pichação&nbsp;es una forma de arte visual urbana caracterizada por la intención de los artistas por&nbsp;mostrar un descontento con la sociedad. Los&nbsp;pichadores, nombre que reciben aquellas personas que hacen este tipo de técnica artística, buscan en las&nbsp;cornisas superiores o fachadas de los rascacielos de la ciudad los espacios más deseados y escriben su&nbsp;pseudónimo&nbsp;y el de su&nbsp;grupo.<h2>Características y ejemplos</h2>La&nbsp;técnica&nbsp;de la&nbsp;pichação&nbsp;se distingue por&nbsp;dos elementos especiales: tiene una&nbsp;tipografía peculiar y, además, se realiza en&nbsp;zonas altas de muy difícil acceso. A su vez, los&nbsp;trazos angulosos y verticales&nbsp;y la&nbsp;similitud con las runas son algunos de los aspectos que caracterizan a dicha forma de arte.Al contrario que en otros tipos de arte, la&nbsp;estética&nbsp;de los&nbsp;pichos, como se les llama a los trabajos hechos bajo esta técnica, es algo&nbsp;secundario.&nbsp;La tipografía de los nombres y los números de los jugadores en las equipaciones de la&nbsp;selección brasileña y de&nbsp;Corinthians, equipo de la Primera División de Brasil o la tapa de los discos de algunas bandas como&nbsp;KISS&nbsp;o&nbsp;Iron Maiden&nbsp;son algunos de los ejemplos más representativos de la pichação.<h2>La palabra de Ache, pichador ecuatoriano</h2>“A diferencia de ese montón de prácticas estéticas que vemos, la pichação no busca complacer sino tensionar e incomodar. Es un acto principalmente político porque al usar pocos recursos se muestra la precariedad de sus autores”, comentó el artista ecuatoriano&nbsp;Ache, quien se familiarizó con la práctica mientras estuvo en Brasil, en una entrevista en&nbsp;Cartel Urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PICHACAO_1_8745d55d1e.jpg"></figure>Picho creado por Nómada, artista bogotano (Nómada).<h2>Choque de opiniones</h2>Sin embargo, la pichação posee&nbsp;defensores&nbsp;y&nbsp;detractores&nbsp;dentro del mundo artístico. Hay personas que consideran que esta forma de arte visual urbana es simplemente una manera distinta de realizar arte y hay otro grupo que no apoya el movimiento por la ilegalidad y peligrosidad que afrontan los artistas a la hora de crear sus obras.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_PICHACAO_3_634c1c488f.jpg"> Pichos en las calles de Brasil (Compulsive Contents).<h2>Expansión en Latinoamérica</h2>Si bien surgió en Brasil, la pichação traspasó fronteras y llegó a distintos países de Latinoamérica como Colombia o Ecuador gracias a exponentes como&nbsp;Djan, Zé, Libert City, Os Catalixo, Menor, Cariri y Opera.Más allá del peligro al cual se enfrentan los artistas que realizan el arte de la pichação, no hay dudas de que es una forma de expresión artística distinta y especial por todos los condimentos que la caracterizan.

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Pichação, la peligrosa forma de arte que empapó los rascacielos y las calles de Brasil

En las calles de Buenos Aires, un enigmático fenómeno irrumpió con fuerza y desafió las convenciones del arte urbano. La frase&nbsp;"No me baño", que adornaba discretamente algunos espacios, se convirtió en una icónica declaración en las&nbsp;paredes, persianas, techos y tachos de basura de la capital argentina.<h2>El surgimiento</h2>La esencia del movimiento radica en su capacidad para&nbsp;provocar y desconcertar. Se originó entre un&nbsp;grupo de&nbsp;skaters, conocido como "No me baño", que, tras recibir el apodo de manera despectiva, decidió adoptarlo y llevarlo a la esfera pública a través del&nbsp;graffiti. La frase resonó en el imaginario y se convirtió en un&nbsp;símbolo de rebeldía y originalidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_2_68a09c36ca.jpg"></figure>En la Ciudad de Buenos Aires, la corriente juvenil dejó su huella en un flanco de un edificio&nbsp;[Imagen], por Indie hoy.<h2>Influencia del graffiti</h2>Al igual que el&nbsp;graffiti&nbsp;neoyorquino de los años 70, que se manifestaba en los trenes y en las calles con&nbsp;tags&nbsp;y firmas, "No me baño" encontró su lugar en el&nbsp;paisaje urbano de Buenos Aires y navega entre aguas turbulentas. Este ofrece una estética que&nbsp;desafía las normas y, al mismo tiempo, se enfrenta a la desaprobación de algunos sectores de la sociedad.La dinámica del&nbsp;graffiti, por su naturaleza, es territorial y provocativa. Es una forma de expresión que choca, tal es así, que con frecuencia es percibido como&nbsp;vandalismo&nbsp;por aquellos ajenos a la práctica, mientras que para los artistas es una forma legítima de intervención urbana. En el caso de "No me baño", la frase en sí misma actúa como un lienzo en blanco que invita a una&nbsp;libre interpretación.<h2>Evolución y popularidad</h2>A diferencia de otros grupos que operan con siglas o nombres enigmáticos, "No me baño" adoptó una&nbsp;forma más explícita de comunicación. Inicialmente representados por&nbsp;las siglas NMB, comenzaron a utilizar la frase completa en sus pintadas, lo que generó una mayor visibilidad. La frase, que puede parecer trivial, desencadenó un&nbsp;fenómeno cultural.El movimiento creció en popularidad y las&nbsp;redes sociales jugaron un papel crucial en su difusión. Las imágenes de las pintadas, acompañadas por hashtags y publicaciones en Instagram, permitieron a los seguidores compartir y celebrar su presencia en diferentes rincones de la ciudad. Esta estrategia, que contribuyó a su expansión, creó una comunidad en torno a la frase y fomentó la participación de sus admiradores.<h2>Identidad e interpretaciones</h2>Con un desafío constante a las normas de limpieza y presentación personal, proponen una&nbsp;visión alternativa que celebra la libertad e individualidad. En un contexto donde la apariencia se asocia con el estatus, ellos muestran una perspectiva refrescante. De esta manera, dejaron una marca en la cultura popular e influenció la moda, el arte y la música. Artistas y creadores exploraron temas relacionados con la identidad y la autoaceptación, inspirados por la filosofía de "No me baño".&nbsp;Es importante reconocer que no es un&nbsp;fenómeno monolítico porque dentro del movimiento, existen múltiples interpretaciones. Esta diversidad añade una capa de complejidad al fenómeno y lo hace aún más fascinante de explorar.La frase, que inicialmente podía parecer un simple acto de provocación, se convirtió en un símbolo. A pesar de la controversia y las críticas, ofrecen una reflexión sobre la relación entre la apariencia, la higiene y la identidad y promueve una visión más flexible de la autenticidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MOVIMIENTO_NMB_FOTO_3_5f6b8cfd3b.jpg"></figure>A la izquierda, una casa abandonada revitalizada mediante graffitis y dibujos. A la derecha, un cerco usado por el área de tránsito del gobierno porteño también intervenido por NMB [Imagen], por Indie hoy.

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La historia del movimiento “NO ME BAÑO”

We Art Colombia es un&nbsp;colectivo de artistas independientes&nbsp;creado por&nbsp;Juan Mantilla en 2015. El objetivo del movimiento es&nbsp;promover el arte colombiano a nivel mundial, generar exposiciones de arte de alto nivel e intervenciones artísticas en distintas ciudades del mundo como Nueva York,&nbsp;Londres,&nbsp;Roma,&nbsp;Miami&nbsp;o&nbsp;Tokio.<h2>Aptitudes del movimiento</h2>Una de las cualidades de We Art Colombia es el&nbsp;repertorio de obras de arte. El grupo ha presentado trabajos que van desde la pintura al óleo tradicional hasta collages, lienzos inspirados en graffitis con plantillas, arte con juguetes, esculturas y más. A su vez, la&nbsp;versatilidad&nbsp;a la hora de crear piezas es otra de las cosas que el público artístico destaca y pondera del movimiento.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/WE_ART_COLOMBIA_FOTO_2_a61c2b0489.jpeg"> Juan Mantilla junto a algunos de los artistas de We Art Colombia (El Espectador).<h2>De Colombia para el mundo</h2>Además, el trabajo de We Art Colombia ha sido cubierto por importantes medios de prensa tanto locales como internacionales tales como&nbsp;El Espectador, CityTV, RaiNews&nbsp;de Italia, Viceversa Magazine, Metropolis Magazine y Tokyo Beat de Japón, entre otros.We Art Colombia lleva nueve años mostrando el arte de su querido país por todo el mundo, y serán muchos más.

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We Art Colombia, el colectivo artístico que lleva el arte colombiano por todo el mundo

El automovilista Sergio Pérez dejó una huella profunda en la&nbsp;Fórmula 1 y en el deporte mexicano. Tal es así, que Claudio Robledo Mtanous y Dariana Vázquez Guajardo, dos creadores de arte urbano, le dedicaron un impresionante mural en Nuevo León.&nbsp;<h2>Un homenaje a toda velocidad</h2>La obra retrata a&nbsp;Checo Pérez con su uniforme de Red Bull y su característica gorra número 11, cifra que utiliza en su monoplaza RB19. El realismo del rostro del piloto, principalmente, detallado en su barba y sonrisa es impactante. El fondo muestra al mexicano de espaldas, con su casco que lleva detalles de la escudería austriaca.<h2>La técnica y dedicación detrás del mural</h2>El uso de&nbsp;aerosol y pinceles permitió a los artistas dar vida a esta pintura urbana, que no es la primera dedicada a figuras deportivas originarias de México, ya que Claudio también inmortalizó a Charly Rodríguez y Julio César Chávez. Esta obra es una celebración del talento del deportista y un reflejo del&nbsp;compromiso artístico de honrar ídolos deportivos.&nbsp;El mural destaca por la dedicación y el detalle puesto en cada pincelada. Durante cinco días seguidos, Claudio y Dariana trabajaron bajo un intenso calor y luego de capturar el proceso creativo en un video, este se volvió viral tras el&nbsp;Gran Premio de Bélgica.&nbsp;&nbsp;<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/Mural_Checo_Perez_FOTO_2_42e8a60ca4.jpg">El proceso de creación [Imagen], por Instagram / @clau_mtanous / @daarianaaaa.<h2>Un punto de encuentro para fanáticos del arte</h2>Está ubicado en la Avenida Calzada Unión, en la colonia Hacienda Los Morales de San Nicolás de los Garza. Es resultado del programa Arte Urbano del Instituto Municipal de Desarrollo de Cultura de San Nicolás (IMDEC), que se encarga de facilitar espacios para que artistas jóvenes puedan plasmar todo su talento en las calles.Cientos de fanáticos de la Fórmula 1 y amantes del arte, acudieron para sacarse fotos y compartir este increíble homenaje a uno de los más grandes del automovilismo mexicano.

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Checo Pérez, automovilista e inspiración artística

Los murales interactivos son obras que, además de brindar una experiencia visual para los espectadores, permiten que las personas puedan interactuar con ellas de diversas maneras, ya sea a través de aplicaciones, realidad aumentada, elementos sensoriales o, hasta incluso, mediante la participación directa en la creación del mural.Además, los murales interactivos no solo ofrecen una vivencia artística, sino que también pueden proporcionar a los espectadores una experiencia educativa.El fenómeno de los murales interactivos ha ganado popularidad en diversas ciudades del continente latinoamericano, donde artistas y colectivos han ido explorando y creando nuevas formas de comunicación visual.<h2>Arte interactivo en México</h2>Ubicado en el noroeste del país norteamericano, Nuevo León es uno de los estados de México que cuenta con una zona con varios murales interactivos.&nbsp;Ubicados sobre la calle Laureles, entre las avenidas Calzada Unión y Rómulo Garza en la Colonia Los Laureles, las personas pueden “integrarse” en las diversas obras, ya sea saliendo de una boca gigante, lanzando un hadouken (poder del famoso videojuego de lucha Street Fighter) o deteniendo un vaso gigante a punto de atraparte como insecto.Estas piezas fueron pintadas como parte de un concurso de arte urbano, que se llevó a cabo por parte del Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_MURALES_INTERACTIVOS_LATAM_2_1277c4d2f2.jpg"> El mural interactivo del videojuego Street Fighter en acción (@LAMIRADADELTAXI).Atlixco es otro de los tantos sitios de México con murales interactivos en sus paredes. La ciudad ubicada a los pies del volcán Popocatépetl cuenta con varias obras para que las personas participen: desde pasear a un perro hasta ser abducido por un platillo volador.<h2>Esperanza, centro artístico interactivo de Santa Fe, provincia argentina</h2>Situada en el centro-este de la provincia de Santa Fe, Esperanza es una de la ciudades de la jurisdicción argentina que posee en su currículum un paseo de murales interactivos. El mismo está compuesto por cuatro obras: “Portales al Arte”, “Humanidad Despierta”, “Girasoles” y “Monte vivo”.Las obras están acompañadas de cartelería informativa y de códigos QR, mediante los cuales los espectadores podrán acceder a una página web donde encontrarán información sobre el proyecto, así como también datos útiles de cada una de las casas de arte e instituciones participantes, de las obras presentadas, su fundamentación y sus autores.<img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/FOTO_MURALES_INTERACTIVOS_LATAM_3_cd4106a5db.jpg"> Uno de los murales interactivos que forma parte del Proyecto Murales Interactivos de Esperanza (Municipalidad de Esperanza).<h2>Muralismo y realidad aumentada en Colombia</h2>Ubicado en el Valle de Aburrá del departamento de Antioquia, La Estrella es un municipio de Colombia que también cuenta con murales interactivos al igual que Esperanza o Nuevo León. A través de la realidad aumentada, la obra diseñada cobra vida y se descubren árboles, flores y pájaros que le dan un toque único y divertido a la pieza.

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Murales interactivos: el arte que cobra vida en las calles de Latinoamérica

En la moda urbana boliviana, varias marcas se destacan por su creatividad y autenticidad. Estas capturan la esencia de las calles de Bolivia y la transforman en ropa que resuena por todos lados. Reflejan la diversidad cultural del país, combinan elementos tradicionales y contemporáneas y logran piezas únicas.<h2>Tradicionalismo contemporáneo</h2>Arrancamos con Punto Blanco Bolivia, una marca que ganó popularidad por su enfoque fresco y juvenil. Tiene una combinación entre influencias urbanas con detalles tradicionales bolivianos, mediante las que ofrecen camisetas, buzos y accesorios. Sus diseños presentan gráficos y colores llamativos, una forma de&nbsp;representar la energía y el dinamismo de la juventud boliviana. Además de centrarse en la moda,&nbsp;promueve un estilo de vida activo y positivo, que conecta con sus seguidores a través de eventos y colaboraciones con artistas locales.<h2>Sostenibilidad y respeto a la Madre Tierra</h2>Sweet Pachamama se destaca por su compromiso con la sostenibilidad y el respeto por la madre tierra, de la que toma su nombre.&nbsp;Utiliza materiales orgánicos y reciclados en sus prendas, con el fin de minimizar su impacto ambiental. Sus diseños están inspirados en la rica herencia cultural de Bolivia e incorpora patrones y símbolos andinos en ropa moderna y cómoda. Esta marca viste a sus clientes e intenta&nbsp;educar sobre la importancia de la conservación ambiental y la preservación de las tradiciones indígenas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_2_da96a582ed.jpg"></figure>La&nbsp;fusión perfecta de tradición, estilo y modernidad. Con una capa 100% única y hecha por manos artesanas bolivianas&nbsp;[Imagen], por Instagram/ @SweetPachamama.<h2>Amor y pasión por las raíces&nbsp;</h2>Es el turno de Munay, cuyo nombre significa "amar" en quechua. Esta marca celebra la pasión y el cariño por la cultura boliviana, y logró posicionarse en el último tiempo. Sus colecciones cuentan&nbsp;tejidos tradicionales que conectan con las raíces culturales del país. Su enfoque está puesto en la creación de productos que embellecen y ofrecen a los consumidores una experiencia enriquecedora.<figure class="image image_resized" style="width:98.61%;"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_3_ce779affab.jpg"></figure>La tienda cuenta con cinco sedes a lo largo del país [Imagen], por Facebook/ Munay Bolivia.<h2>Una revolución que conserva la esencia local&nbsp;</h2>Asatex&nbsp;es reconocida por su dedicación a la innovación textil. Tiene una especialidad para la producción de ropa urbana que integra técnicas avanzadas de confección con detalles artesanales. La indumentaria que confeccionan es un&nbsp;equilibrio entre modernidad y tradición, esencia de la cultura boliviana y a su vez tendencias globales. El objetivo es proveer una&nbsp;moda de alta calidad e impulsar el desarrollo económico local&nbsp;mediante la colaboración de productores nacionales.<h2>Un arte que viste</h2>El nombre&nbsp;se inspiró en el reconocido artista boliviano Roberto Mamani Mamani&nbsp;y su búsqueda es entrelazar el arte y la moda. Las prendas de&nbsp;Mamani Mamani Clothing&nbsp;presentan los coloridos diseños característicos del pintor, que celebran la cultura aymara y la cosmovisión andina. Tiene una gran variedad de productos, todos adornados con las obras de&nbsp;Mamani Mamani. Además de su atractivo estético, se enorgullecen de apoyar a artesanos locales, un&nbsp;plus&nbsp;que posee la marca.<h2>Moda ancestral</h2>Ayni Bolivia realiza la confección de&nbsp;ropa urbana con toques artesanales. Se destacan por realizar&nbsp;colaboraciones con comunidades indígenas para crear prendas estéticamente atractivas y socialmente responsables. Una de sus especialidades es el uso de textiles tradicionales bolivianos, los cuales incorpora en diseños modernos y funcionales. Su&nbsp;enfoque en la sostenibilidad y la ética en la producción resonó entre sus consumidores y convirtió la marca en una de las más respetadas en el ámbito.<figure class="image image_resized" style="width:100%;"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/MARCAS_BOLIVIANAS_FOTO_4_86da9eb1c7.jpg"></figure>Tienen seis talleres familiares, donde fabrican prendas de Alpaca en máquinas manuales para exportarlas o comerciarlas en tiendas de La Paz, Bolivia [Imagen], por Aynibolivia.com.<h2>Autenticidad andina</h2>La siguiente es&nbsp;Suma Qamaña, cuyo nombre significa "vivir bien" en aymara y refleja un profundo respeto por la cultura y los valores andinos en su indumentaria. Se distinguen por usar&nbsp;materiales naturales y técnicas de teñido artesanal. Una de sus misiones principales es crear ropa que sea tan sostenible como auténtica. Esta marca también es conocida por involucrarse en proyectos comunitarios, promover el desarrollo local y el empoderamiento artesano.<h2>Una herencia cultural</h2>Por último,&nbsp;Warisata Streetwear toma su nombre de la primera escuela indígena en Bolivia, lo cual simboliza el compromiso con&nbsp;la educación y la herencia cultural. Cuenta con una línea de ropa urbana con un estilo moderno y accesible. Los diseños tienen símbolos y patrones andinos, reinterpretados de manera creativa en busca de llamar la atención de la audiencia joven. Warisata también&nbsp;organiza talleres y eventos educativos, que tienen como finalidad la apreciación de la cultura boliviana.Puede ser que la moda urbana en Bolivia no sea tan famosa mundialmente e incluso que los propios bolivianos no tengan en claro cuáles son las marcas sus marcas autóctonas, pero es indiscutible que el país del altiplano destaca por su diseños innovadores y un fuerte e inquebrantable compromiso con la sostenibilidad y la promoción de la cultura local.&nbsp;

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