Desde las calles de Melbourne hasta los muros de Chile, Felipe Salinas convirtió su curiosidad por descubrir nuevos lugares en una forma de documentar el arte urbano.<h2>De los álbumes familiares al arte urbano: cómo nació la mirada de Felipe Salinas</h2>Antes de convertirse en uno de los fotógrafos de arte urbano más reconocidos de Chile y Latinoamérica, Felipe Salinas mantuvo un estrecho vínculo con la fotografía desde su infancia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_50a9066a11.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Nueva York (Felipe Salinas).</figcaption></figure>En su hogar siempre hubo cámaras de fotos y de video, además de álbumes familiares repletos de registros de cumpleaños, celebraciones como Navidad o Año Nuevo y distintos eventos escolares capturados por su madre. Revisar esas imágenes y reconstruir historias alrededor de cada recuerdo era una práctica habitual que, con el tiempo, terminó despertando su interés por registrar el mundo que lo rodeaba.Con el paso de los años, ese vínculo comenzó a tomar otro significado. El hecho de no contar con un automóvil propio lo llevó a recorrer distintos lugares caminando o utilizando el transporte público, una rutina que le permitió observar con mayor detenimiento los espacios, descubrir detalles y desarrollar una mirada cada vez más curiosa sobre el entorno.&quot;He tenido la posibilidad de estar en Chile, Argentina y Australia, rodeado de cosas nuevas que me llamaban la atención, algunas más que otras, que eran las que solía registrar con mi celular y con mi cámara. La curiosidad de ir viendo el mundo me dio la posibilidad de encontrar cosas que valían la pena para mi atención&quot;.Sin embargo, el verdadero punto de quiebre llegó durante su estadía en Australia. Allí recorrió gran parte de Melbourne con una cámara compacta registrando los murales y las distintas expresiones de arte urbano que encontraba en las calles.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaoW-lXM5jX/"></oembed></figure>Fue entonces cuando entendió que aquellas fotografías podían convertirse en algo más que simples archivos guardados en una carpeta. Esa idea terminó impulsándolo a crear su perfil de Instagram, un espacio que hoy reúne cerca de 20.000 seguidores y funciona como un archivo visual dedicado al arte urbano de Chile y distintos rincones del mundo.<h2>El contexto detrás de cada mural como objetivo fotográfico</h2>Felipe Salinas tiene bien en claro qué es lo primero que busca a la hora de registrar una intervención artística. Para el fotógrafo chileno, el entorno en el que está inmersa una obra tiene un papel fundamental a la hora de decidir cuándo sacar la cámara y qué imagen terminará formando parte de su archivo.“Lo más importante es el contexto, el ambiente, el entorno donde está sumergida la obra y no solo registrar el mural en sí mismo, sino cómo este convive con otros elementos para crear un panorama completo. Eso es lo que más me motiva a registrar, así como un mural que habla de algún personaje importante o evento histórico que se haya vivido en ese pueblo, ciudad o barrio, porque ahí hay una historia, una intención detrás de rendir honores y homenajear que lo hace muy valioso de registrar”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8124369cdf.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Londres (Felipe Salinas).</figcaption></figure>Además del contexto, lo estético también tiene un peso importante en la elección. Un muro cargado de colores, realizado en un formato de grandes dimensiones o con una composición particularmente llamativa, puede convertirse en un elemento mucho más atractivo para el fotógrafo que otra intervención de características diferentes.<h2>Cuando el mural desaparece, queda la fotografía: el archivo de Felipe Salinas</h2>Todos sabemos que hay murales que viven apenas unos días, otros que permanecen durante semanas y algunos que logran quedarse durante años. En ese escenario, el trabajo de Felipe Salinas adquiere una función documental: fotografiar una obra permite conservar el registro de una intervención que, con el paso del tiempo, puede desaparecer.Cada fotografía se convierte así en una especie de recordatorio de aquellos murales que alguna vez ocuparon un espacio de la ciudad y que hoy, por distintas circunstancias, ya no están.“El arte callejero le entrega mayor valor al trabajo que uno realiza, porque son muros que ya no existen, obras que no van a volver, pero que existen en los registros que uno va tomando”, señala el chileno.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3fbc635515.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h2>Mucho más que un mural: la evolución de su mirada fotográfica</h2>La elección de cómo tomar una fotografía también cambió con el correr de los años para Felipe Salinas. En sus comienzos, el fotógrafo chileno se centraba principalmente en la obra, sus detalles y las características propias de cada intervención.Con el tiempo, esa mirada se amplió y el contexto comenzó a ocupar un lugar cada vez más importante. El paisaje, los edificios, las personas y todos aquellos elementos que rodean al mural pasaron a formar parte de la composición.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d8279bc58d.png" alt=""><figcaption>Fotografía de Felipe Salinas en Valparaíso (Felipe Salinas).</figcaption></figure>“Con los años y con la experiencia que uno ha adquirido, lo que forma parte de la composición ha mutado. En un principio, eran más la obra, el muro y los detalles. Con los años, aparecieron el contexto, los elementos del paisaje donde está ubicada la obra (perros, gatos, vecinos, tiendas aledañas) y hoy día intento siempre mostrar algo que sea del lugar. Actualmente trato de incluir algo propio del lugar y, por supuesto, si hay plantas, texturas de metales o maderas donde se nota el paso del tiempo, suma”.En la actualidad, Salinas entiende que una de las claves está en transmitir la esencia del momento y conseguir que quien observe la fotografía pueda imaginar qué significaba estar allí. La temperatura, la cantidad de personas que había en el lugar, si se trataba de una zona residencial o de un espacio concurrido y hasta los pequeños detalles del entorno forman parte de esa construcción.<h2>La mirada de Felipe Salinas sobre el arte urbano</h2>Como fotógrafo especializado en arte urbano, Felipe Salinas también desarrolló una mirada propia sobre la escena y sobre las diferencias que existen entre las distintas ciudades que recorrió. Su experiencia le permitió establecer comparaciones entre el arte urbano latinoamericano y el que encontró en destinos internacionales.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DSvu9I0DdIp/"></oembed></figure>“En Valparaíso, Santiago u otras ciudades, el arte urbano tiene un componente social, político e histórico importante, donde se busca recordar, hacer memoria y resistencia de personajes y eventos históricos. Aunque probablemente se diferencia de lo que hay en destinos como Australia, Estados Unidos, Francia o Alemania, donde se enfoca más en lo estético o la habilidad de los propios artistas, con diferencias más estructurales”.Así, su trabajo no solo busca registrar qué hay pintado sobre un muro, sino también comprender qué hay detrás de cada intervención, dónde está ubicada y qué representa dentro de la ciudad que la contiene.

Fotografia_de_Felipe_Salinas_en_Talca_Felipe_Salinas_1_46705bcdef.avif

Noticias

Arte urbano y fotografía: la mirada de Felipe Salinas

Charly García volvió a dejar su huella en las calles porteñas. En la terraza de la emblemática esquina de Corrientes y Callao, el muralista Martín Ron inauguró un homenaje de casi 200 metros cuadrados inspirado en la icónica portada de “Clics Modernos”, convirtiendo a la obra en uno de los nuevos puntos culturales de Buenos Aires.<h2>Charly García ya tiene un nuevo homenaje gigante en las calles de Buenos Aires</h2>Hablar del rock argentino es, casi de manera inevitable, hablar de Charly García. Canciones como “Demoliendo hoteles”, “Nos siguen pegando abajo”, “Los dinosaurios” o “No voy en tren”, discos que marcaron generaciones y conciertos que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva transformaron al músico en una de las figuras más importantes de la historia cultural del país.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1684e012ba.png" alt=""><figcaption>Vista del mural en homenaje a Charly García hecho por Martín Ron en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure>Y en los últimos días, el legado del artista volvió a dejar su huella en la Ciudad de Buenos Aires con la inauguración de un gigantesco mural realizado por Martín Ron, uno de los muralistas más reconocidos del mundo.La tradicional disquería y librería Zivals, ubicada en la emblemática esquina de las avenidas Corrientes y Callao, decidió celebrar un nuevo aniversario convocando al artista argentino para crear una intervención dedicada a Charly García: el resultado fue &quot;Modern Streets&quot;, un mural de casi 200 metros cuadrados emplazado sobre la terraza del histórico local.La obra toma como inspiración la icónica portada de “Clics Modernos”, el álbum que Charly lanzó en 1983, reinterpretando aquella histórica fotografía tomada en Nueva York. Sin embargo, la versión creada por Martín Ron traslada el espíritu de aquella imagen a Buenos Aires, incorporando escenas y elementos característicos del paisaje urbano porteño, en un diálogo entre las dos ciudades que marcaron la historia del músico.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZDra5Gh6vC/?hl=es"></oembed></figure>El proyecto contó además con la participación de los artistas Mariana Parra, OBLVKIZMO y Emiliano Mariani, quienes acompañaron el proceso creativo de una de las intervenciones urbanas más importantes inauguradas recientemente en la capital argentina.&quot;Gracias a todos los que pasaron, miraron, tocaron bocina, frenaron un rato o compartieron una charla durante estos días de pintura. La calle y todo lo que allí sucede también forma parte importante de la obra&quot;, escribió Martín Ron en sus redes sociales.El propio muralista explicó que la intención fue trasladar a la pared esa mezcla de ciudad, modernidad, arte callejero y sensibilidad que Charly García convirtió en una marca registrada de su carrera, uniendo la Nueva York de los años 80 con una Buenos Aires que sigue respirando cultura en cada una de sus esquinas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce0cacbd62.png" alt=""><figcaption>Martín Ron sentado junto a su homenaje a Charly García (Martín Ron).</figcaption></figure>Con su inauguración, “Modern Streets” no solo se suma al extenso catálogo de obras de Martín Ron, sino que también se convierte en uno de los homenajes urbanos más importantes dedicados a Charly García y en una nueva parada obligada para fanáticos del rock argentino y del arte urbano en la Ciudad de Buenos Aires.<h2>¿Quién es Martín Ron, el artista detrás del mural de Charly García?</h2>Más allá de encontrarse en boca de todos por ser el responsable del nuevo mural en homenaje a Charly García en el corazón de Buenos Aires, Martín Ron cuenta con el privilegio de ser uno de los máximos referentes del muralismo argentino y uno de los artistas urbanos más reconocidos a nivel internacional.Con más de 400 obras realizadas a lo largo de su trayectoria, el muralista bonaerense dejó su huella no solo en distintos rincones de Argentina, sino también en ciudades de renombre mundial como Miami, Londres, Berlín, Bristol y Tenerife, consolidándose como uno de los grandes embajadores del arte urbano nacional.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ec7523e709.png" alt=""><figcaption>Martín Ron, el muralista detrás del homenaje artístico a Charly García en Buenos Aires (Martín Ron).</figcaption></figure>Su currículum artístico incluye intervenciones gigantes dedicadas a algunas de las figuras más importantes de la cultura y la historia argentina, con murales en homenaje a Diego Armando Maradona, Lionel Messi y el Papa Francisco, entre muchos otros personajes icónicos.Ahora, con “Modern Streets”, Martín Ron suma una nueva obra a su extenso legado artístico y vuelve a demostrar por qué es considerado uno de los grandes nombres del muralismo contemporáneo, transformando una de las esquinas más emblemáticas de Buenos Aires en un nuevo homenaje a la figura y el legado de Charly García.

El_homenaje_artistico_de_Martin_Ron_a_Charly_Garcia_en_las_calles_portenas_5c1a89ae9b.avif

Así es el mural de Charly García que transforma una de las esquinas más icónicas de Buenos Aires

Desde Gualeguaychú, Entre Ríos, Gurí construyó una trayectoria de más de quince años vinculada al arte urbano y al espacio público, donde se consolidó como uno de los grandes referentes del muralismo en el interior de Argentina.En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó sus comienzos, la elección de la calle como soporte, su evolución artística y el mensaje que busca dejar en cada mural.<h2>Los comienzos de Gurí y la calle como espacio de expresión</h2>Más allá de aquellos nombres que se consolidaron como emblemas de la escena porteña, el interior de Argentina también construyó su propia identidad dentro del arte urbano.En Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, aparece Gurí, un artista con más de quince años de trayectoria que encontró en el espacio público una forma de expresión cultural, humanitaria y de impacto social.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf30c2519e.png" alt=""><figcaption>Gurí durante la creación de un mural (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Comencé a pintar en el espacio público desde mi adolescencia, buscando un terreno donde pudiera expresarse libremente, manteniendo un anonimato, y transmitiendo mis vivencias, pensamientos y sentimientos. Con el tiempo fui experimentando diferentes técnicas, ampliando mi propósito y cambiando mi forma de intervenir los espacios”.El vínculo con el espacio público terminó siendo mucho más que una elección estética. Gurí encontró en la calle una herramienta de comunicación capaz de acercar su obra a personas de distintos contextos y realidades: “Lo especial es que no distingue clases y no tiene ningún condicionante, solo con estar en el espacio público ya es un puente y un mensaje directo para toda la sociedad”.<h2>Naturaleza, cultura y ancestralidad: el universo artístico de Gurí</h2>La esencia de muchos artistas urbanos también puede encontrarse en los temas que eligen para construir sus obras. Algunos encuentran inspiración en el deporte, otros en la flora y la fauna, mientras que Gurí construyó su universo alrededor de la naturaleza, las cuestiones sociales, las culturas ancestrales y los escenarios mágicos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_55a7252ce3.png" alt=""><figcaption>Intervención de Gurí en la Patagonia (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Divido mi estilo en dos ramas, una es el personaje de Guri (que significa niño en Guaraní) donde me expreso con un estilo libre para crear, muy colorido e intuitivo. Un estilo donde muchas personas pueden participar y genera un intercambio, y una participación colectiva. El otro estilo es más ancestral, profundo en su mensaje, tiene símbolos, estética y figuras más complejas, un tratamiento en tres dimensiones”, explica el muralista entrerriano acerca de sus dos estilos como artista.<h2>El mural más allá de la pared: contexto, espacio y comunidad</h2>Más allá de la obra en sí, el lugar donde será realizada también guarda un significado especial. Para Gurí, conocer el espacio antes de comenzar un mural es parte fundamental del proceso creativo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DNPCU0ds-j_/"></oembed></figure>El muralista entrerriano busca conocer el contexto, la historia del lugar, el edificio que será intervenido, la cultura de la comunidad, el pueblo y hasta la naturaleza que rodea al proyecto. Para él, cuanto mayor sea la información disponible, mayores serán las posibilidades de crear una obra capaz de conectar con quienes habitan ese espacio.“Cada factor tiene su orden, en especial el espacio es un condicionante porque la obra se debe adaptar al soporte, y hay que buscar una manera creativa e inteligente de resolver la composición, la paleta y demás cuestiones técnicas”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2671d60707.png" alt=""><figcaption>Gurí durante un trabajo en Estados Unidos (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>Esa búsqueda también aparece al momento de elegir dónde intervenir. Gurí prefiere espacios poco habituales, con alguna particularidad que permita que la obra dialogue con aquello que la rodea, en lugar de trabajar sobre un muro genérico.Para llevar esas ideas a la pared, el artista trabaja con técnicas mixtas y adapta sus herramientas a las necesidades de cada proyecto. Entre sus recursos aparecen el spray, el pincel, el rodillo y el stencil, mientras que utiliza aerosoles de alta calidad, pintura para paredes y acrílicos con resistencia UV para buscar mayor durabilidad.<h2>De la protesta a una mirada social, espiritual y natural</h2>Como ocurre con muchas disciplinas artísticas, las redes sociales se transformaron en una herramienta fundamental para que el arte urbano pueda trascender las paredes donde nace. Para Gurí, funcionan como una ventana que permite que las obras sean fotografiadas, compartidas y conocidas mucho más allá del lugar donde fueron realizadas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DEI7Rh9RA7s/"></oembed></figure>Pero la transformación más importante ocurrió dentro de su propia obra. El paso de los años no solo sumó experiencia y nuevas herramientas, sino que también modificó la manera en la que el artista entiende aquello que quiere comunicar.“Comencé con una actitud rebelde, de protesta y libertad, y luego fui mutando en una visión social, espiritual y más conectado con la naturaleza y la humanidad”.Para Gurí, cambiar forma parte de la propia naturaleza del arte: el artista debe adaptarse, mutar y crecer junto a su obra.<h2>El propósito de Gurí: conectar, transmitir y transformar</h2>Más allá de las técnicas, los colores o las dimensiones de una pared, cada mural también puede convertirse en una experiencia para quien se cruza con él. En el caso de Gurí, generar una reacción en las personas es parte central del propósito de su obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_749876bf0f.png" alt=""><figcaption>Obra de Gurí en la Facultad de Bromatología (Instagram/Gurí).</figcaption></figure>“Más que nada busco conectar con la realidad que vivo, conectar con las personas y transmitir un mensaje positivo, de reflexión o reflejar lo que está sucediendo”.Alegrar a alguien, sacar a una persona de su rutina, generar espacios más coloridos para los niños o simplemente provocar que alguien se detenga frente a una obra son, para Gurí, motivos suficientes para pintar.

Guri_pintando_en_Kibera_uno_de_los_asentamientos_mas_grandes_de_Africa_e8dfd4b34e.avif

“El propósito de mi arte siempre va a ser una ofrenda”

El arte puede aparecer en los lugares y materiales más inesperados: desde una lata de pintura hasta alimentos, arena o elementos reciclados. Y en México, una tradición artesanal encontró una nueva forma de expresarse.Se trata de Taka Arte, un proyecto que lleva el arte huichol al universo Pokémon a través de piezas únicas hechas a mano, donde la cultura pop se encuentra con una tradición cargada de simbolismo.<h2>Taka Arte y la fusión entre Pokémon y arte huicho</h2>El universo artístico no se limita a las obras sobre un bastidor, los murales hechos con pintura o las esculturas tradicionales. Existen propuestas que encuentran en distintos materiales y técnicas una manera de crear, y en México el arte huichol es una de las expresiones que mantiene una fuerte identidad artesanal.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4852f91116.png" alt=""><figcaption>Eevee hecho con arte huichol por Taka Arte (Taka Arte).</figcaption></figure>En ese escenario aparece Taka Arte, un proyecto que tomó esta técnica y la llevó hacia uno de los universos más reconocidos de la cultura pop: Pokémon. A través de piezas únicas realizadas a mano, la propuesta combina personajes de distintas generaciones con una estética artesanal que convierte a cada diseño en una obra particular.Entre los Pokémon que forman parte de su universo aparecen:<ul><li>Mega Gyarados</li></ul><ul><li>Ivysaur</li></ul><ul><li>Charizard X</li></ul><ul><li>Dragonite</li></ul><ul><li>Eevee</li></ul><ul><li>Psyduck</li></ul><ul><li>Squirtle</li></ul><ul><li>Charmander</li></ul><ul><li>Sylveon</li></ul><ul><li>Gengar</li></ul><ul><li>Pikachu</li></ul><ul><li>Rayquaza</li></ul><ul><li>Bulbasaur</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Db1Q4uRyNhP/"></oembed></figure>Más allá del componente visual, cada pieza busca conservar el vínculo del arte huichol con la naturaleza y la espiritualidad. Los colores, símbolos y formas no funcionan únicamente como elementos decorativos, sino que pueden representar historias vinculadas con la protección, la vida y la tradición.<h2>¿Qué es el arte huichol, la técnica con la que Taka Arte transforma los Pokémon?</h2>El arte huichol, también conocido como arte wixárika, es una expresión artesanal vinculada al pueblo wixárika de México. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores intensos, formas simbólicas y elementos relacionados con la naturaleza y la cosmovisión de esta comunidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d82e2f2537.png" alt=""><figcaption>Arte huichol (Marival Resorts).</figcaption></figure>Esta tradición puede encontrarse en distintas piezas y objetos decorativos, donde los colores y símbolos adquieren un significado que va más allá de lo estético. Taka Arte toma esa identidad artesanal como punto de partida para trasladarla a personajes y referencias de la cultura pop.Así, Pokémon se convierte en el puente entre dos universos diferentes: por un lado, una tradición artística mexicana; por otro, una franquicia reconocida mundialmente.

Umbreon_Shiny_by_Taka_Arte_1_b39eefd827.avif

Pokémon, arte huichol y piezas únicas hechas a mano: el universo de Taka Arte

Muchas veces el arte urbano se relaciona con grandes murales, aerosoles y paredes intervenidas. Sin embargo, también puede aparecer en formatos mucho más pequeños y cotidianos, como un cartel pintado a mano, y el tapatío Brandon Mata es una eminencia a lo largo y ancho del territorio mexicano.<h2>Brandon Mata y el arte detrás de cada letrero</h2>En la escena mexicana existen distintos emblemas del arte urbano: algunos encuentran su inspiración en el deporte, otros en la naturaleza y otros en la cultura popular. Pero también están quienes entienden que el arte urbano va mucho más allá de las latas de pintura, los murales y los grafitis.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DbbRIvKlsd7/?img_index=1"></oembed></figure>Y es en Guadalajara donde aparece el nombre de Brandon Mata, uno de los artistas que lleva esa mirada a los carteles y letreros pintados completamente a mano.Brandon Mata es un artista mexicano oriundo de Guadalajara especializado en rotulación a mano, una técnica que utiliza pinceles y pintura para crear carteles, anuncios y diferentes piezas gráficas directamente sobre distintas superficies.Su trabajo puede encontrarse en espacios tan cotidianos como locales gastronómicos, pizzerías, puestos de comida y establecimientos de bebidas. Allí, aquello que a simple vista podría parecer un vinilo o una impresión industrial tiene detrás el pulso y la precisión del artista tapatío.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5c26279d8b.png" alt=""><figcaption>El trabajo de Brandon Mata en acción (Instagram/Brandon Mata).</figcaption></figure>La rotulación convierte así una herramienta comercial en una pieza visual que combina tipografías, colores, composiciones y detalles realizados completamente a mano.Aunque Guadalajara aparece como uno de los principales puntos de trabajo de Mata, su obra también llegó a diferentes ciudades y regiones de México.<ul><li>Guadalajara.</li></ul><ul><li>Puerto Vallarta.</li></ul><ul><li>Aguascalientes.</li></ul><ul><li>Nayarit.</li></ul><ul><li>Querétaro.</li></ul><ul><li>Jalisco.</li></ul>Su recorrido demuestra cómo la rotulación puede trascender la función de anunciar un producto o negocio para convertirse en una expresión artística propia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DI_uyZzuDSB/?img_index=1"></oembed></figure>Y en tiempos donde gran parte de la comunicación visual se produce de manera digital, el trabajo de Brandon Mata recupera el valor de una técnica que depende directamente del pulso, la paciencia y la precisión. Cada cartel tiene, de esta manera, un componente irrepetible: detrás de cada letra, dibujo o composición existe una persona que tomó un pincel y construyó la pieza desde cero.

Brandon_Mata_y_el_arte_de_pintar_letreros_a_mano_1_e22e11f724.avif

Brandon Mata y el arte de pintar letreros a mano

Mientras muchos artistas trabajan con pintura o lienzos, Toto Tatuer eligió un camino completamente distinto. A través del vidrio fracturado, el artista plástico de Ingeniero Maschwitz desarrolló una técnica propia que transforma las grietas en el principal recurso visual de cada una de sus obras.<h2>Conocé a Toto Tatuer, el argentino que crea retratos y símbolos utilizando vidrio fracturado</h2>Dentro de la escena artística argentina conviven propuestas de todo tipo: desde artistas dedicados al muralismo de gran escala hasta tatuadores que llevan el realismo como bandera. Y en ese amplio universo aparece Toto Tatuer, un artista que encontró a través de la resignificación de materiales cotidianos como el vidrio, el hierro y las cadenas una manera particular de construir su propia identidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CiJCSfsJ5oS/?hl=es-la"></oembed></figure>Oriundo de Ingeniero Maschwitz, el artista plástico y también tatuador autodidacta logró convertirse en una de las figuras que más llaman la atención dentro de la escena artística de Buenos Aires gracias a una propuesta tan inusual como desafiante.Su trabajo parte de elementos que forman parte de la vida cotidiana para transformarlos mediante procesos manuales que requieren precisión, paciencia y, en algunos casos, asumir ciertos riesgos durante su elaboración.Actualmente instalado en el barrio porteño de Chacarita, Toto Tatuer llevó su particular mirada artística a proyectos junto a firmas de primer nivel como Samsung, Fernet Branca y McDonald&#x27;s, además de colaborar con figuras de la música como Cazzu.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_95a4a74413.png" alt=""><figcaption>La Gioconda hecha con vidrio destrozado por Toto Tatuer (Toto Tatuer).</figcaption></figure>De esta manera, la obra del artista de Ingeniero Maschwitz logró trascender el circuito artístico tradicional para encontrar nuevos espacios donde los materiales y objetos cotidianos pueden adquirir una segunda vida.<h2>El vidrio roto como sello de identidad artística</h2>Más allá de resignificar materiales cotidianos como el vidrio, el hierro o las cadenas, Toto Tatuer desarrolló un lenguaje visual donde las fracturas se convierten en el principal recurso artístico. A través de impactos cuidadosamente controlados sobre el cristal, el artista construye retratos, animales, símbolos, frases e íconos populares utilizando las propias grietas como líneas de composición.Entre las obras del artista de Ingeniero Maschwitz aparecen reinterpretaciones de clásicos como La Gioconda, escudos deportivos como el de Boca Juniors, corazones anatómicos, ojos, animales y composiciones tipográficas, siempre manteniendo al vidrio quebrado como protagonista absoluto de cada pieza.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DIOssD2R7Dc/?hl=es-la"></oembed></figure>Esa combinación entre técnica, precisión y materiales poco convencionales hace que cada trabajo sea irrepetible, ya que el patrón de fracturas nunca vuelve a repetirse exactamente de la misma manera. El resultado son obras que transforman un elemento asociado a la rotura en una expresión artística cargada de detalle, textura y profundidad.En un contexto donde el arte contemporáneo busca constantemente nuevos lenguajes, Toto Tatuer demuestra que incluso un material asociado a la destrucción puede convertirse en el punto de partida para construir belleza. Una obra que invita a mirar las fracturas desde otra perspectiva y confirma que el arte también puede surgir allí donde muchos solo ven un objeto roto.

Toto_Tatuer_y_el_arte_de_transformar_el_vidrio_roto_en_obras_unicas_4c78021a48.avif

Toto Tatuer y el arte de transformar el vidrio roto en obras únicas

El arte urbano cuenta con un vocabulario propio que va mucho más allá de los pinceles y el aerosol. Desde técnicas y herramientas hasta estilos y conceptos que forman parte del día a día de cualquier artista, conocer este lenguaje es el primer paso para comprender una de las expresiones culturales más importantes del espacio público. Y desde Street Art Latam, repasamos algunos de los términos más utilizados dentro del mundo del arte urbano.<h2>Técnicas</h2><ul><li>Stencil: técnica que consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una misma imagen o diseño sobre distintas superficies. Uno de los recursos más utilizados dentro del arte urbano por su rapidez y capacidad para repetir una obra con gran precisión.</li></ul><ul><li>Paste Up: intervención urbana realizada mediante afiches, ilustraciones o impresiones previamente diseñadas que luego se adhieren a muros, persianas o distintos espacios públicos.</li></ul><ul><li>Wheatpaste: adhesivo elaborado tradicionalmente con agua y harina que se utiliza para pegar los paste ups sobre diferentes superficies. Una técnica muy difundida dentro del street art por su bajo costo y facilidad de preparación.</li></ul><ul><li>Muralismo: disciplina artística basada en la creación de obras de gran formato directamente sobre muros o fachadas. A diferencia del graffiti, suele priorizar la composición visual, la narrativa y el diálogo con el entorno.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_372dd96d7b.png" alt=""><figcaption>Artista realizando una intervención con aerosol en un muro (Unsplash).</figcaption></figure><h2>Estilos y tipos de graffiti</h2><ul><li>Tag: la firma personal de un artista urbano. Generalmente se realiza con aerosol o marcador y funciona como la identidad visual de quien interviene el espacio público.</li></ul><ul><li>Throw Up: pieza realizada de forma rápida, normalmente con letras infladas, uno o dos colores y pocos detalles. Representa un punto intermedio entre un tag y una obra más elaborada.</li></ul><ul><li>Piece: abreviatura de masterpiece. Se utiliza para describir una obra de graffiti mucho más trabajada, con variedad de colores, sombras, efectos y una composición compleja.</li></ul><ul><li>Wildstyle: uno de los estilos de letras más complejos dentro del graffiti. Se caracteriza por formas entrelazadas, flechas, extensiones y conexiones que muchas veces dificultan su lectura.</li></ul><ul><li>Fill In: es el relleno interior de una letra o figura. Puede realizarse con un único color o incorporar degradados, texturas y efectos visuales.</li></ul><ul><li>Outline: contorno que delimita cada letra o elemento de una pieza. Además de aportar definición, permite generar contraste y resaltar el diseño.</li></ul><h2>Herramientas</h2><ul><li>Cap: boquilla intercambiable del aerosol que determina el grosor y la forma en la que sale la pintura.</li></ul><ul><li>Fat Cap: tipo de cap diseñado para expulsar una gran cantidad de pintura, ideal para cubrir superficies amplias o realizar rellenos rápidamente.</li></ul><ul><li>Skinny Cap: boquilla que genera un trazo fino y preciso, utilizada principalmente para detalles, contornos y acabados.</li></ul><ul><li>Aerosol: la herramienta más representativa del graffiti. Permite trabajar con rapidez, generar degradados y cubrir grandes superficies.</li></ul><ul><li>Rodillo: instrumento muy utilizado en muralismo para pintar fondos, grandes planos de color o superficies extensas antes de trabajar los detalles.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6a81743476.png" alt=""><figcaption>Aerosoles y boquillas, dos elementos claves dentro del arte urbano (Pexels).</figcaption></figure><h2>Comunidad</h2><ul><li>Crew: grupo o colectivo de artistas urbanos que comparten una identidad, realizan proyectos en conjunto y suelen firmar bajo un mismo nombre.</li></ul><ul><li>Spot: lugar elegido para realizar una intervención artística. Puede tratarse de un muro, una persiana, un puente o cualquier superficie urbana.</li></ul><ul><li>Bombing: acción de realizar una gran cantidad de intervenciones en distintos puntos de una ciudad durante un período corto de tiempo.</li></ul><ul><li>Jam: encuentro de artistas urbanos donde varios muralistas o escritores de graffiti pintan simultáneamente un mismo espacio o evento.</li></ul><h2>Composición y proceso creativo</h2><ul><li>Boceto (Sketch): dibujo previo que sirve para planificar la composición, los colores y la distribución de una obra antes de comenzar a pintar.</li></ul><ul><li>Trazo: movimiento o línea realizada por el artista con aerosol, pincel o cualquier otra herramienta para construir la imagen.</li></ul><ul><li>Paleta cromática: conjunto de colores seleccionados para desarrollar una obra y transmitir una determinada identidad visual.</li></ul><ul><li>Fondo: parte de la composición que rodea a los personajes, letras o elementos principales y ayuda a dar profundidad y contexto al mural.</li></ul><ul><li>Personaje (Character): figura ilustrada que acompaña una pieza de graffiti o un mural. Puede representar personas, animales o personajes originales creados por el artista.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eb5fbff758.png" alt=""><figcaption>Artista pintando una pared con un aerosol naranja (Pexels).</figcaption></figure>

Dos_artistas_pintando_un_mismo_mural_1_c66761e24d.avif

Los términos del arte urbano que tenés que conocer antes de agarrar un aerosol

La industria de los videojuegos continúa sorprendiendo con propuestas originales, y una de las más recientes es Meccha Chameleon, el título convierte al arte en la principal herramienta para sobrevivir, invitando a los jugadores a camuflarse con el entorno a través de la pintura y la creatividad.<h2>Meccha Chameleon, el videojuego donde el arte es la clave para sobrevivir</h2>En una industria donde los disparos, la aventura y la acción suelen quedarse con gran parte del protagonismo, el mundo de los videojuegos volvió a demostrar que todavía hay espacio para las ideas originales. Y es que, si en los últimos días navegaste por plataformas como TikTok, Instagram o YouTube, seguramente te cruzaste con videos de pequeños personajes blancos que desaparecen frente a los ojos de sus perseguidores al transformarse en paredes, señales de tránsito o cualquier rincón del escenario gracias al arte. Ese fenómeno tiene nombre: Meccha Chameleon.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6cd24c5e06.png" alt=""><figcaption>Imágenes del videojuego Meccha Chameleon (Steam).</figcaption></figure>Si bien los videojuegos de escondidas suelen poner el foco en la estrategia, el sigilo o la velocidad, Meccha Chameleon lleva ese concepto un paso más allá y convierte el arte en la principal herramienta para ganar cada partida. Su propuesta enfrenta a un equipo de buscadores contra otro de escondidos en una versión reinventada del clásico juego de la infancia, donde los jugadores deben pintar su propio cuerpo para camuflarse con el entorno y pasar completamente desapercibidos.<h2>Esconderse y sobrevivir a través del arte: el objetivo de Meccha Chameleon</h2>El lugar elegido para esconderse, la pose y, sobre todo, la creatividad a la hora de pintar el personaje son fundamentales para sobrevivir. El objetivo consiste en lograr un nivel de mimetismo capaz de engañar a los buscadores hasta que el tiempo se agote, mientras estos recorren el escenario intentando descubrir a todos los camaleones ocultos. Si alguno consigue permanecer escondido hasta el final de la ronda, la victoria será para el equipo de los artistas.<h2>Mona Lisa, señales de tránsito y escenas de series: el talento de los usuarios</h2>La creatividad de la comunidad ya comenzó a demostrar hasta dónde puede llegar esta mecánica. En redes sociales circulan partidas donde los jugadores logran convertirse en cuadros inspirados en la Mona Lisa, señales de tránsito, paredes completamente intervenidas y otros elementos del escenario, consiguiendo camuflajes tan precisos que, por momentos, resultan prácticamente imposibles de detectar.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@erthyxz/video/7661079258361548039?q=meccha%20chameleon&amp;t=1784757405170"></oembed></figure>Más allá de su propuesta competitiva, Meccha Chameleon también deja una idea interesante: el arte deja de ser únicamente un recurso visual para transformarse en una verdadera mecánica de juego. La creatividad, la observación y la capacidad de integrarse al entorno terminan siendo tan importantes como la estrategia o los reflejos, demostrando que una buena idea artística también puede definir el resultado de una partida.<h2>¿Cómo jugar Meccha Chameleon?</h2>Para quienes quieran poner a prueba su creatividad, Meccha Chameleon ya se encuentra disponible a través de Steam con un valor de $3,99 dólares estadounidenses.<ul><li>Sistema operativo: Windows 10 de 64 bits.</li></ul><ul><li>Procesador: Intel Core i5.</li></ul><ul><li>Gráficos: Compatible con DirectX 11 o DirectX 12.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f911e313eb.png" alt=""><figcaption>Imágenes del videojuego Meccha Chameleon (Steam).</figcaption></figure>En una industria donde la acción y los disparos suelen marcar el rumbo de los grandes lanzamientos, Meccha Chameleon demuestra que el arte también puede convertirse en el protagonista de una experiencia competitiva. Un videojuego donde la creatividad, la observación y la capacidad para fundirse con el entorno terminan siendo las herramientas más importantes para sobrevivir.

Meccha_Chameleon_el_videojuego_donde_el_arte_es_la_habilidad_mas_importante_b2dcce3fa3.avif

El videojuego que convierte el arte en tu mejor escondite: Meccha Chameleon

Si hay que hablar de referentes femeninas del muralismo contemporáneo en México, el nombre de Camila Ricard ocupa un lugar destacado. En diálogo con Street Art LATAM, la artista repasó sus comienzos, la construcción de su estilo, la escena del arte urbano mexicano y los proyectos que marcaron su carrera.<h2>Un estilo artístico en constante evolución</h2>En el universo del arte urbano conviven una infinidad de estilos, técnicas y formas de entender la creación. Con el paso del tiempo, cada muralista termina construyendo una identidad propia que no solo define sus obras, sino también la manera en la que observa el mundo. En el caso de Camila Yarahuan Ricard, esa identidad tiene una palabra que la resume por completo: la libertad.&quot;Si tuviera que definir mi estilo con una sola palabra, sería libre. Es un estilo que está en constante evolución porque nunca estudié arte de manera formal; todo lo que he aprendido ha sido a través de la experimentación, la intuición y la conexión con las distintas etapas de mi vida&quot;, reconoce la mexicana.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZWTNmLqvdz/"></oembed></figure>Más allá de esa definición, la muralista mexicana reconoce que cada una de sus obras funciona como un reflejo del momento personal que atraviesa. Actualmente encuentra inspiración en crear piezas con propósito, incorporando símbolos, números, repeticiones y elementos que representan conexiones más profundas. Interesada en explorar el comportamiento humano, la energía y la naturaleza, asegura que más que perseguir un estilo fijo, su principal objetivo es crear desde la autenticidad.Entre las influencias que acompañaron el desarrollo de su identidad artística, Camila Ricard destaca a Frida Kahlo como su principal referente. La mexicana admira su capacidad para crear sin filtros y convertir cada etapa de su vida en una obra cargada de significado. Como mujer, también encuentra inspiración en la libertad con la que Kahlo mezclaba símbolos, emociones y experiencias personales.Sin embargo, sus referencias no se limitan únicamente al universo artístico. La naturaleza, los viajes, las personas que conoce en el camino y las conversaciones cotidianas también forman parte de un proceso creativo que busca nutrirse constantemente de nuevas vivencias y perspectivas.<h2>El arte urbano como herramienta para transformar espacios</h2>Para muchos muralistas, el primer acercamiento a las calles nace de la necesidad de expresar una idea, intervenir un espacio o simplemente compartir una parte de sí mismos con quienes transitan la ciudad: “Me parece mágico pensar que una persona pueda cruzarse con una obra en su camino y que, aunque sea por unos segundos, esa experiencia despierte una emoción, una reflexión o simplemente le cambie el día. Poder transformar un espacio compartido en un lugar con identidad y significado es una de las razones por las que disfruto tanto el arte urbano”.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de69395dc8.png" alt=""><figcaption>El proceso creativo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure>Con esa filosofía, la artista mexicana asegura que cada mural representa una oportunidad para dejar un lugar un poco mejor de como lo encontró. Más allá del resultado final, entiende al arte como una herramienta capaz de generar encuentros, despertar emociones y transformar la relación entre las personas y los espacios que habitan.Más allá del espacio donde pinta, la muralista también tiene claro cuál es el mensaje que busca dejar en cada una de sus intervenciones. A través de sus obras intenta transmitir emoción, energía y libertad, sin perseguir la perfección ni el realismo como objetivo principal.Camila explica que trabaja de manera intuitiva, permitiendo que los colores, las formas, las palabras y los símbolos aparezcan de forma natural durante el proceso creativo. Más que controlar cada detalle, siente que actúa como un canal para esas ideas, con la esperanza de que cada obra invite a quien la observa a conectar con algo propio y le recuerde que la creatividad también nace cuando dejamos espacio para sentir.<h2>La visión de Camila Ricard sobre la escena del muralismo en México</h2>No hay dudas de que México se consolidó como uno de los grandes referentes del arte urbano en Latinoamérica, con una escena que no solo ganó visibilidad en los últimos años, sino que también amplió sus espacios de desarrollo gracias al crecimiento de festivales, convocatorias y proyectos colectivos. Una evolución que también perciben quienes forman parte activa de ese movimiento, como Camila Yarahuan Ricard.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b65a7d6ba3.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure>“En México el arte urbano está viviendo un momento muy interesante. Cada vez existen más convocatorias, colaboraciones con marcas, festivales y espacios que apuestan por integrar el arte en la vida cotidiana. También veo una comunidad de artistas mucho más unida y abierta a compartir procesos, conocimientos y oportunidades”, reconoce la muralista.<h2>El proyecto que marcó un antes y un después en su carrera</h2>Todo recorrido artístico tiene una obra o un proyecto que termina marcando un antes y un después. Ya sea por el desafío técnico, el impacto que genera o la historia que lo rodea, hay trabajos que trascienden el resultado final y se convierten en los más significativos de una carrera. Para Camila Ricard, esa experiencia estuvo lejos de un muro y encontró su lugar en el acompañamiento a adolescentes que atravesaban una enfermedad: talleres de arte para adolescentes con cáncer junto a la Fundación ASAC.“Cuando tenía 18 años yo también viví un proceso de cáncer, así que regresar años después desde otro lugar, acompañando a jóvenes que estaban atravesando algo similar, fue profundamente significativo”.Haber atravesado esa misma experiencia le permitió conectar desde un lugar profundamente personal, convirtiendo al arte en una herramienta de expresión, compañía y contención para quienes transitaban un momento difícil.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d516122acc.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Camila Ricard (Camila Ricard).</figcaption></figure><h2>Consejos para quienes comienzan en el arte urbano</h2>Todo camino creativo comienza con una primera obra, un primer trazo o un primer muro. Como sucede en el deporte, la gastronomía o cualquier otra disciplina, quienes recién empiezan suelen buscar referencias y consejos de personas que ya recorrieron ese camino. Y para Camila Charahuan Ricard, hay un mensaje que nunca pierde vigencia.“En el mundo creativo es muy fácil compararse y sentir presión por avanzar más rápido, pero cada artista tiene un proceso distinto. Cuando dejas de mirar el tiempo de los demás y empiezas a confiar en el tuyo, todo comienza a fluir de una manera diferente”, aconseja Camila, quien también considera que atreverse es fundamental para descubrir nuevas oportunidades, incluso antes de sentirse completamente preparado. A su vez, invita a no perder la capacidad de divertirse durante el proceso creativo, convencida de que es justamente en ese espacio de libertad, juego y experimentación donde nacen las obras más especiales.<h2>La obra que mejor representa su carrera: el balón monumental rumbo al Mundial</h2>A lo largo de su carrera, Camila Yarahuan Ricard dejó su huella en distintos rincones de México a través de murales e intervenciones que combinan color, simbolismo y emoción. Sin embargo, uno de los proyectos que más representa su presente artístico llegó de la mano del fútbol y de la cuenta regresiva hacia la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá 2026.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYDvp18KLTy/?hl=zh-cn"></oembed></figure>La muralista mexicana fue una de las artistas seleccionadas por Grupo GICSA para intervenir un balón monumental como parte de Golearte, una iniciativa que reunió a distintos creadores para reinterpretar la pasión que representa el fútbol en México. Sobre la inspiración detrás de la obra, Ricard explicó: &quot;La inspiración nació de la famosa &#x27;ola&#x27; que marcó el Mundial de 1986. A partir de esa idea construí una composición donde cada ola representaba emociones, lugares y personas que conectan a millones dentro y fuera del país&quot;.La intervención fue exhibida en Paseo Interlomas, donde miles de personas pudieron recorrerla, fotografiarse y disfrutar del trabajo realizado por todos los artistas participantes, consolidándose como una de las acciones artísticas más representativas del camino hacia el Mundial 2026.

Camila_Ricard_junto_a_su_trabajo_artistico_para_el_Mundial_de_Mexico_Estados_Unidos_y_Canada_1_d53182d3fa.avif

“Siempre he sentido que el mundo tiene espacio para más arte”

Hablar de las grandes referentes femeninas del arte urbano latinoamericano implica, inevitablemente, detenerse en la figura de Ledania: más de una década de trayectoria, obras en cerca de cuarenta países y una identidad visual reconocible a simple vista.<h2>Color, identidad y una trayectoria sin fronteras: el universo artístico de Ledania</h2>A lo largo y ancho de Latinoamérica existen distintos referentes dentro del universo del arte urbano, cada uno con su estilo, sus técnicas y su propia impronta visual: desde aquellos que encuentran inspiración en el deporte, pasando por quienes toman la cultura popular como eje creativo hasta artistas que convierten la música, las tradiciones o las problemáticas sociales en el centro de sus obras.Y si tenemos que hablar de una de las representantes femeninas más destacadas del arte urbano latinoamericano, tenemos que hablar de Diana Ordóñez, la artista colombiana conocida internacionalmente bajo el seudónimo de Ledania.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f02af1a44.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>Con más de una década de trayectoria y obras distribuidas en alrededor de cuarenta países, la bogotana logró consolidarse como una de las grandes referentes femeninas del muralismo contemporáneo, dejando su huella no solo en Colombia sino también en destinos de la talla de Berlín, Tokio, Madrid, Ciudad de México y países como Singapur, Tailandia, India y Estados Unidos, un alcance no solo a nivel nacional, sino también en rincones internacionales que potencian aún más su figura como estrella en la escena latina.<h2>La explosión de color con la que Ledania conquistó el muralismo</h2>Más allá de la cantidad de países que recorrió o de los espacios donde expuso, una de las claves detrás del reconocimiento internacional de Ledania es su inconfundible identidad visual. Sus obras se caracterizan por una explosión de color que convierte cada muro en una composición vibrante y dinámica, donde conviven rostros humanos, figuras fantásticas, elementos de la naturaleza, personajes imaginarios y formas abstractas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_de1a98ab38.png" alt=""><figcaption>Obra de Ledania (Instagram/Ledania).</figcaption></figure>A través de una paleta cromática intensa y el uso de líneas fluidas, capas superpuestas y composiciones cargadas de movimiento, la colombiana desarrolló un lenguaje artístico propio que transforma cualquier superficie en una experiencia visual difícil de ignorar. Un estilo que no solo le permitió diferenciarse dentro de la escena urbana, sino también convertir cada una de sus intervenciones en una firma reconocible en cualquier rincón del mundo.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-muralista-que-convirtio-los-muros-en-ilustraciones-gigantes/1961">La muralista que convirtió los muros en ilustraciones gigantes</a><h2>La huella internacional de Ledania</h2>Con una infinidad de intervenciones en su natal Bogotá y en otras ciudades colombianas, Ledania construyó una carrera que trasciende el espacio público. Entre sus logros más destacados figura su participación en proyectos vinculados a la promoción de la película “Encanto”, de Disney, así como exposiciones individuales en espacios de relevancia internacional como el Museo del Grafiti de Wynwood, en Miami, considerado uno de los epicentros mundiales del arte urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d2526dd36.png" alt=""><figcaption>La huella artística de Ledania en Beirut, Líbano (Instagram/Ledania).</figcaption></figure><h2>Los orígenes de Ledania: una vida ligada al arte</h2>Proveniente de una familia donde la creatividad siempre ocupó un lugar central —con un padre muralista y pintor, una madre artesana y un entorno profundamente ligado a las expresiones artísticas—, el arte formó parte de su vida desde temprana edad. Más adelante estudió Artes Visuales con énfasis en Gráfica en la Pontificia Universidad Javeriana, una formación que terminó potenciando un lenguaje visual caracterizado por la explosión de color, los personajes fantásticos y la mezcla entre ilustración, muralismo y diseño.Hoy, con murales repartidos por distintos continentes y una identidad artística reconocible a simple vista, Ledania no solo representa a Colombia dentro del mapa global del arte urbano, sino que también se ha convertido en una figura inspiradora para nuevas generaciones de artistas que encuentran en el espacio público una herramienta de expresión, transformación y encuentro cultural.

Ledania_la_embajadora_colombiana_del_color_en_el_arte_urbano_cdc3a207d7.avif

Ledania, la embajadora colombiana del color en el arte urbano

Hablar de Eva Bracamontes es hablar de una artista que encontró en el espacio público mucho más que un soporte para pintar. A través de murales de gran formato, la mexicana construyó una identidad visual que combina color, ilustración y un fuerte compromiso con distintas problemáticas sociales.Con una trayectoria internacional que supera la última década, la ilustradora y diseñadora llevó sus obras a diferentes países de América y Europa, consolidándose como una de las referentes del muralismo contemporáneo latinoamericano gracias a un lenguaje gráfico que une sensibilidad artística y conciencia social.<h2>¿Quién es Eva Bracamontes, la artista urbana mexicana que transforma los muros en espacios de reflexión social?</h2>El arte urbano mexicano reúne a una nueva generación de artistas que encontró en los muros un espacio para desarrollar lenguajes visuales propios. Mientras algunos construyen su identidad a partir de la cultura popular o el mundo del deporte, otros decidieron convertir cada intervención en una oportunidad para abrir el diálogo sobre distintas problemáticas sociales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5f9e1b4018.png" alt=""><figcaption>El mural “Todos los Derechos, Todas las Personas” de la artista urbana Eva Bracamontes (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Y dentro de ese grupo aparece Eva Bracamontes, una artista que logró transformar el muralismo en una herramienta de reflexión y visibilización. A través de un lenguaje cargado de color y simbolismo, sus obras recorrieron distintos países de América y Europa, consolidando una trayectoria que hoy la ubica entre las muralistas mexicanas con mayor proyección internacional.Eva Bracamontes es una artista urbana, ilustradora y diseñadora mexicana cuya obra se caracteriza por abordar temáticas vinculadas a los derechos humanos, la migración, el desplazamiento forzado y la violencia contra mujeres, niñas y niños.Su vínculo con el arte comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente al muralismo. Hija de Alicia y Joel, ambos arqueólogos, creció rodeada de referencias culturales que terminaron marcando buena parte de su imaginario visual y que hoy continúan presentes en sus composiciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5ddc316804.png" alt=""><figcaption>Obra de Eva Bracamontes para Somos México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Antes de comenzar a intervenir espacios públicos, Bracamontes cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se especializó en ilustración, disciplina que continúa siendo una de sus grandes pasiones. Fue justamente durante el período entre la licenciatura y la maestría cuando empezó a experimentar con el arte urbano, un camino que comenzó como un pasatiempo hace ya más de diez años y que, con el paso de los años, se transformó en su principal forma de expresión.<h2>Murales que cruzaron fronteras: la huella artística de Eva Bracamontes</h2>Con el paso de los años, Eva Bracamontes llevó su obra mucho más allá de México y participó en festivales, encuentros e intervenciones de arte urbano en distintos países, consolidando una presencia internacional.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-artista-que-crea-murales-que-aparecen-y-desaparecen-con-el-agua/1988">El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</a>Actualmente cuenta con murales realizados en:<ul><li>Canadá</li></ul><ul><li>Estados Unidos</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>Ecuador</li></ul><ul><li>Venezuela</li></ul><ul><li>Perú</li></ul><ul><li>Argentina</li></ul><ul><li>Francia</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_618f244d33.png" alt=""><figcaption>El homenaje de Eva Bracamontes al boxeador mexicano Juan Manuel Márquez en las calles de Ciudad de México (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure>Dentro de México, su trabajo también puede encontrarse en diferentes ciudades, entre ellas:<ul><li>Ciudad de México</li></ul><ul><li>Guadalajara</li></ul><ul><li>Querétaro</li></ul><ul><li>Oaxaca</li></ul>Este recorrido refleja no solo el crecimiento de su carrera, sino también el interés de distintas organizaciones e instituciones por una propuesta artística capaz de conectar con públicos diversos sin perder su identidad.<h2>El arte como herramienta para hablar de derechos humanos</h2>Uno de los aspectos que distingue la producción de Eva Bracamontes es el compromiso social presente en buena parte de sus murales.A lo largo de su carrera desarrolló proyectos junto a organizaciones como Save the Children y colaboró con organismos vinculados a Naciones Unidas dedicados a la defensa de los derechos humanos, llevando su lenguaje artístico a iniciativas que buscan generar conciencia sobre distintas problemáticas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b84ad4372.png" alt=""><figcaption>Mural de Eva Bracamontes realizado en el marco de la conmemoración de la lucha por la igualdad de derechos para las mujeres y la recuperación de espacios culturales e históricos (Instagram/Eva Bracamontes).</figcaption></figure><ul><li>La migración</li></ul><ul><li>El desplazamiento forzado</li></ul><ul><li>La violencia contra las mujeres</li></ul><ul><li>La protección de niñas y niños</li></ul><ul><li>La defensa de los derechos humanos</li></ul>Más que ilustrar estas realidades, sus murales buscan generar conversación y construir espacios donde el arte funcione como un puente entre las personas y las historias que muchas veces permanecen invisibilizadas.<h2>Una identidad visual que combina color, ilustración y fuerza femenina</h2>La obra de Eva Bracamontes se distingue por una identidad visual fácilmente reconocible. Sus murales suelen estar protagonizados por figuras femeninas de formas voluptuosas, composiciones dinámicas y una paleta cromática intensa que convierte cada intervención en un punto de encuentro para quienes recorren la ciudad.A ese universo visual se suman influencias de la ilustración contemporánea y distintos guiños a la gráfica pop, elementos que aportan dinamismo sin perder el carácter reflexivo de cada pieza. El resultado es un lenguaje artístico que consigue equilibrar belleza estética, identidad latinoamericana y contenido social.

El_talento_artistico_de_la_mexicana_Eva_Bracamontes_1_ff0a4c35c7.avif

Eva Bracamontes, la muralista mexicana que transforma el arte en reflexión

En el trabajo de Pablo Ruarte, el arte urbano aparece como una pausa dentro del ritmo de la ciudad, una imagen que se ofrece al tránsito cotidiano sin imponer un mensaje cerrado. Desde Buenos Aires, Argentina, este muralista de 43 años construye obras marcadas por el realismo, la naturaleza y los rostros cercanos.<h3>Pintar el entorno y la identidad</h3>En los muros de Pablo Ruarte aparecen plantas, animales y personas que, según explica, buscan representar un paisaje cercano. En sus obras hay una presencia clara de la identidad latinoamericana, visible tanto en los rasgos humanos como en la elección de especies nativas del territorio.Cada trabajo comienza mucho antes de tocar la pared. Para el artista, el formato del muro, el barrio, la circulación de personas y las condiciones materiales influyen en la idea inicial. Bocetos digitales o dibujos rápidos le permiten ordenar esa información hasta que la imagen encuentra su forma definitiva en el espacio público.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_925de71e7b.png" alt=""><figcaption>Murales colectivos en Moreno, homenajes a Sandra y Rubén, trabajadores de la educación fallecidos en 2018.</figcaption></figure><h3>La calle como experiencia colectiva</h3>Pintar en el espacio público implica, para Ruarte, aceptar que la obra deja de pertenecer exclusivamente al artista. El mural se expone a la mirada masiva, al comentario espontáneo y al encuentro cotidiano. “Un mural puede cambiar el entorno”, afirmó.La elección de los muros responde, según cuenta, a distintos criterios. En trabajos institucionales, el lugar ya está definido. En obras personales, la visibilidad y la accesibilidad son claves, tanto para el impacto visual como para el proceso de trabajo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c4cd686a75.png" alt=""><figcaption>Identidad y entorno.</figcaption></figure><h3>Técnica, tiempo y permanencia</h3>La técnica de Pablo Ruarte se apoya en pintura acrílica y esmalte al agua, aplicados principalmente con pincel. Con el paso del tiempo, su estilo fue afinándose hacia un realismo cada vez más preciso, sin abandonar la figuración como eje central del arte urbano.El muralismo también es, en su experiencia, un trabajo físico. La escala de los muros, el clima, las escaleras y los tiempos de ejecución exigen atención y energía constantes. Una vez finalizada, la obra queda librada al paso del tiempo y acepta la efimeridad propia del muralismo urbano.<h3>El descubrimiento de una pasión</h3>El dibujo fue una constante desde la infancia. Antes de pensar en murales, había cuadernos, lápices y tiempo. La formación académica llegó después, con un profesorado en artes visuales que amplió su mirada sobre la pintura, la escultura y la historia del arte. “Ahí me di cuenta que el arte era lo que quería seguir haciendo”, recordó.Durante años, la pintura de caballete fue su territorio. El pasaje al arte urbano no fue inmediato ni abrupto. Comenzó con stencil y derivó en el mural cuando, según relata, la escala y la complejidad de la imagen empezaron a pedir más espacio. La expansión del arte urbano en Buenos Aires durante la década de 2010 fue, para él, un impulso creativo.<h3>Arte urbano en Latinoamérica y difusión digital</h3>Desde su mirada, el arte urbano en Latinoamérica creció de manera sostenida en las últimas décadas, lo que permitió que las culturas locales se proyecten en otros territorios y continentes. El mural funciona, según sostiene, como un lenguaje común que conecta escenas y contextos distintos.Las redes sociales cumplen hoy, en su opinión, un rol clave en la difusión del arte urbano contemporáneo, ya que amplían el alcance de las obras y generan nuevas oportunidades para los artistas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DStBh9rAePS/?hl=es-la"></oembed></figure>A quienes desean comenzar en el arte urbano, Pablo Ruarte les recomienda animarse a salir a pintar, formarse técnicamente y construir un lenguaje propio. “Mientras más conocimientos técnicos tengan, más recursos tendrán al momento de pintar”, concluyó.TAGSENTREVISTAMURALISMOARGENTINA

large_pablo_ruarte_mural_arte_urbano_buenos_aires_jpg_8278477f86.jpg

medium_pablo_ruarte_mural_arte_urbano_buenos_aires_jpg_8278477f86.jpg

small_pablo_ruarte_mural_arte_urbano_buenos_aires_jpg_8278477f86.jpg

thumbnail_pablo_ruarte_mural_arte_urbano_buenos_aires_jpg_8278477f86.jpg

pablo_ruarte_mural_arte_urbano_buenos_aires_jpg_8278477f86.jpg

Realismo y naturaleza, la filosofía de Pablo Ruarte

Cada edición de la Copa del Mundo deja historias que trascienden el resultado. Y en esta oportunidad, el recorrido de Lionel Messi vuelve a poner sobre la mesa una enseñanza que también aparece en el arte, la música y la cultura urbana: los grandes sueños no siempre llegan rápido, pero la perseverancia puede convertir cualquier camino en una historia inolvidable.<h2>Las grandes obras no se terminan en el primer intento</h2>Durante años, el deporte pareció acostumbrarnos a que las grandes historias debían escribirse rápido. La irrupción de jóvenes como Lamine Yamal, Jude Bellingham o Pau Cubarsí, capaces de disputar instancias decisivas de un Mundial con apenas un puñado de años como profesionales, parece reforzar la idea de que el éxito tiene que llegar cuanto antes. Sin embargo, existen caminos que demuestran exactamente lo contrario. Y pocos representan mejor esa realidad que Lionel Messi.El rosarino necesitó atravesar dos décadas vistiendo la camiseta de la Selección argentina para volver a encontrarse a un paso de la gloria mundialista. En Alemania 2006 apenas tuvo minutos y observó gran parte del torneo desde el banco de suplentes. Cuatro años más tarde, en Sudáfrica, cargó con la responsabilidad de liderar un equipo que quedó eliminado con una dura goleada. En Brasil 2014 estuvo a centímetros de tocar la Copa del Mundo, pero una derrota en la final volvió a dejar la imagen de un sueño inconcluso. Rusia 2018 tampoco fue el desenlace esperado y las críticas volvieron a caer sobre sus hombros. Muchos dudaron, otros aseguraban que jamás podría coronarse con la camiseta argentina.Pero Messi hizo algo que muchas veces resulta más difícil que ganar: siguió. Volvió a entrenar, volvió a competir, volvió a soportar la presión y volvió a creer. Esa perseverancia lo llevó a levantar la Copa del Mundo en Qatar y hoy le permite afrontar una nueva final, demostrando que el talento necesita tiempo, constancia y resiliencia para alcanzar su máxima expresión.Y quizás esa sea la enseñanza más poderosa de toda su historia. Porque el recorrido de Messi no habla únicamente de fútbol. Habla de cualquier persona que alguna vez persiguió un objetivo importante.Un muralista no pinta una obra que emocione a toda una ciudad el primer día que toma un aerosol. Antes hubo bocetos, paredes descartadas, errores y horas de práctica. Un freestyler no gana una Red Bull Internacional en su primera regional; antes perdió batallas, improvisó frente a pocas personas y aprendió de cada derrota. Un rider de BMX no aterriza su truco más difícil en el primer intento. Un productor musical no crea un éxito apenas abre un proyecto en el estudio. Un tatuador tampoco realiza una pieza hiperrealista la primera vez que sostiene una máquina.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXkvqgYADkz/?hl=es"></oembed></figure>En todas esas disciplinas existe un punto en común: detrás de cada gran logro hay una enorme cantidad de intentos que casi nadie ve. Existe frustración, existe incertidumbre y también aparecen momentos donde abandonar parece una opción mucho más sencilla que continuar. Sin embargo, quienes finalmente dejan una huella suelen ser aquellos que encuentran la fuerza para levantarse una vez más.Vivimos en una época donde las redes sociales muestran únicamente el resultado final. El mural terminado, la canción viral, el campeonato, el nocaut, la medalla o la fotografía perfecta. Muy pocas veces se muestran los años de trabajo silencioso que hicieron posible ese momento. Quizás por eso historias como la de Lionel Messi generan tanta identificación: porque recuerdan que el verdadero éxito rara vez es inmediato.EMás allá de lo que ocurra en la final del Mundial, el legado del capitán argentino ya trasciende cualquier resultado. Su recorrido demuestra que el tiempo nunca debería convertirse en una medida para juzgar un sueño. Algunas metas llegan antes y otras necesitan muchos más intentos. Lo verdaderamente importante es seguir avanzando cuando el camino parece cuesta arriba.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_aead18ea78.png" alt=""><figcaption>La felicidad de Lionel Messi tras una nueva clasificación a la final de la Copa del Mundo (AFA).</figcaption></figure>Porque al final, tanto en el deporte como en el arte urbano, el freestyle, la música o cualquier otra pasión, las grandes historias no pertenecen únicamente a quienes llegan primero. También son de quienes nunca dejaron de intentarlo. Y quizás ahí esté el verdadero impulso que mueve a todas las personas que buscan dejar su huella en el mundo.

El_festejo_de_rodillas_de_Lionel_Messi_tras_eliminar_a_Inglaterra_del_Mundial_88274d1215.avif

El arte de insistir: la mayor enseñanza que deja Lionel Messi

La escena del arte urbano porteño sumará una nueva propuesta competitiva con Riña de Pinceles, el certamen que llegará el próximo sábado 12 de septiembre al Club Cultural Quetrén, donde diez artistas se enfrentarán en una batalla de creatividad y técnica.<h2>Diez artistas, media hora y un jurado especial: así será Riña de Pinceles</h2>No hay dudas de que el arte urbano suele asociarse a los grandes murales que transforman las ciudades o a las intervenciones que llenan de color el espacio público. Sin embargo, existe una faceta mucho menos conocida que también gana cada vez más terreno: la competencia en vivo. Y la ciudad de Buenos Aires volverá a convertirse en el escenario de una de ellas.Y es que el próximo sábado 12 de septiembre, el Club Cultural Quetrén, una tradicional canchita de fútbol ubicada en el Barrio Chino de la ciudad de Buenos Aires, abrirá sus puertas para recibir una nueva edición de Riña de Pinceles, la competencia que reunirá a diez artistas en una batalla donde el talento, la creatividad y la velocidad definirán quién se adueña del pincel.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6d056ba675.png" alt=""><figcaption>Melina Lluvia, artista y organizadora de Riña de Pinceles, en pleno trabajo artístico (Instagram/Melina Lluvia).</figcaption></figure>Riña de Pinceles es una competencia de pintura en vivo en la que el público no solo observará el proceso creativo, sino que también tendrá la responsabilidad de elegir al ganador. Cada uno de los diez participantes contará con media hora para realizar una obra sobre un lienzo de 70 por 50 centímetros, que luego será evaluada mediante un sistema de votación abierto para todas aquellas personas que hayan asistido al evento.Cada persona que ingrese al evento recibirá tres fichas junto con su entrada. La primera servirá para votar en la ronda inicial de competidores, la segunda para elegir a quienes avanzarán a la siguiente instancia y la tercera estará destinada a definir al ganador entre los tres finalistas que resulten del conteo total de votos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaWX5Q5lPVG/?img_index=1"></oembed></figure>Con participación apta para mayores de 18 años de edad, la competencia también contará con premios para los tres artistas que logren llegar al podio:<ul><li>Primer puesto: $120.000 pesos argentinos, un kit XL de productos Eterna, un overall a elección de Salga la Luna y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul><ul><li>Segundo puesto: $80.000 pesos argentinos, un kit XL de productos Eterna, un estuche de acuarelas La Belgrano y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul><ul><li>Tercer puesto: un kit XL de productos Eterna, un estuche de acuarelas La Belgrano y un kit gráfico de inSUMO Arte.</li></ul>Con una propuesta que combina creatividad, velocidad y participación del público, Riña de Pinceles buscará reunir a algunos de los talentos emergentes del arte urbano porteño en una jornada donde el muralismo dejará por un momento las paredes para convertirse en una verdadera competencia artística. Una iniciativa que demuestra que el arte también puede vivirse con el espíritu de una final, donde cada trazo puede marcar la diferencia entre la victoria y la derrota.<h2>¿Quiénes serán los diez participantes de Riña de Pinceles</h2>A tan solo días del evento, Riña de Pinceles dio a conocer quiénes serán los diez artistas invitados que formarán parte de la competencia en el Tren Club Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.<ul><li>El Keni: callejero fino.</li></ul><ul><li>Xina Ocho: trash sensible.</li></ul><ul><li>Gaspa: expresionista y figurativo.</li></ul><ul><li>Emilia Ciciro: expresionista, figurativo, deconstructivo y dinámico.</li></ul><ul><li>Merfacha: llamativo, queer y colorido.</li></ul><ul><li>Morella: figurativo, realista y expresionista.</li></ul><ul><li>Erika Mangas: cromático, texturado y afro.</li></ul><ul><li>Cimico: realista y sombrío.</li></ul><ul><li>Piu Kun: realista, extravagante, inclusivo y tenaz.</li></ul><ul><li>Roberto Trejo: figurativo, simbolista y situado.</li></ul>La jornada estará conducida por Soy Vedette, artista disidente que actualmente impulsa La Rosada, un espacio dedicado al arte drag en todas sus formas.Con los diez nombres confirmados, Riña de Pinceles ya tiene todo listo para una jornada en la que el arte, la velocidad y la creatividad volverán a enfrentarse sobre el lienzo.

El_arte_urbano_competitivo_llega_a_Buenos_Aires_con_Rina_de_Pinceles_1_986f257abf.avif

El arte urbano competitivo llega a Buenos Aires con Riña de Pinceles

Más allá de las paredes intervenidas y los gigantescos murales que caracterizan a São Paulo, la ciudad también alberga espacios dedicados al street art, y uno de los más destacados es Nucle1, un centro cultural que transformó una antigua fábrica en un verdadero templo del arte contemporáneo.<h2>Nucle1, el espacio donde el arte urbano paulista encontró un nuevo hogar</h2>Es de público conocimiento que la ciudad de San Pablo no solo es uno de los principales epicentros del arte urbano en Brasil, sino que también se ha convertido en una verdadera referencia a nivel continental. Sus calles, avenidas y edificios funcionan como enormes galerías a cielo abierto, donde murales e intervenciones forman parte del paisaje cotidiano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_897c631754.png" alt=""><figcaption>Obra del artista Alexandre Puga expuesta en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Sin embargo, más allá de las obras que decoran los espacios públicos paulistas, la ciudad también cuenta con rincones especialmente dedicados a la difusión del movimiento artístico. Y uno de los más importantes surgidos en el último tiempo es Nucle1 (Rua Muniz de Souza 809, Aclimação), un centro cultural de ocho pisos dedicado por completo al arte urbano y contemporáneo.<h2>De una fábrica de corbatas a un edificio de ocho pisos dedicado al arte</h2>Ubicado en lo que antiguamente funcionó como una fábrica de corbatas, Nucle1 transformó el edificio en un espacio cultural de más de 1.500 metros cuadrados intervenido por el artista Enivo, donde los colores, las formas y las expresiones urbanas toman el protagonismo absoluto.Inspirado en experiencias artísticas como “Bauhaus” y “Factory” de Andy Warhol, el centro propone una experiencia inmersiva donde el arte está presente en paredes, techos y prácticamente en cada rincón del edificio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a1c32436fe.png" alt=""><figcaption>El talento artístico de Bieto en Nucle1 (Nucle1).</figcaption></figure>Además de exhibir grafitis e intervenciones urbanas, Nucle1 reúne distintas disciplinas culturales como:<ul><li>Arte urbano</li></ul><ul><li>Escultura</li></ul><ul><li>Diseño</li></ul><ul><li>Moda</li></ul><ul><li>Música</li></ul><ul><li>Intervenciones circenses</li></ul>Con entrada totalmente gratuita, el espacio se consolidó como uno de los puntos de encuentro más interesantes de la escena artística paulista.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-callejon-mas-famoso-de-san-pablo/317">El callejón más famoso de San Pablo</a><h2>Los artistas que dan vida a Nucle1</h2>El espacio también funciona como una gran plataforma para artistas brasileños contemporáneos, reuniendo obras de referentes del arte urbano y visual como:<ul><li>Fefe Talavera</li></ul><ul><li>Priscila Barbosa</li></ul><ul><li>Katia Suzue</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXpkvI2ANfV/"></oembed></figure>La propuesta convierte a Nucle1 en una parada obligatoria para quienes buscan descubrir la riqueza del arte urbano brasileño desde una perspectiva diferente, donde distintas disciplinas conviven bajo un mismo techo.Abierto de miércoles a viernes de 12:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 18:00, el centro cultural demuestra que San Pablo continúa expandiendo los límites del street art, llevando su identidad más allá de las calles y transformándola en una experiencia artística integral.

El_arte_como_protagonista_principal_de_Nucle1_1_7267e369af.avif

El impresionante centro cultural de ocho pisos que celebra el arte urbano en San Pablo

Las redes sociales cambiaron la forma de descubrir nuevos restaurantes y experiencias gastronómicas. En ese escenario, Arturo Lemmen, más conocido como El Arturito, logró construir una comunidad de millones de seguidores gracias a sus reseñas sinceras y un estilo que combina entretenimiento, análisis y cercanía.Con videos grabados en México, Argentina, Estados Unidos, Japón, Francia y otros destinos, el creador de contenido convirtió cada degustación en una oportunidad para recomendar, sorprender y cuestionar propuestas gastronómicas que hoy alcanzan millones de reproducciones.<h2>Reseñas, platillos y millones de visitas: así es el fenómeno gastronómico de El Arturito</h2>No hay dudas de que la gastronomía se apoderó de una gran parte de la creación de contenido en plataformas como YouTube, Instagram y TikTok. Entre recetas paso a paso, recomendaciones de restaurantes y degustaciones, una nueva generación de creadores transformó la comida en uno de los contenidos más consumidos de las redes sociales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f0531bfa55.png" alt=""><figcaption>El Arturillo degustando donas (Instagram/El Arturillo).</figcaption></figure>En México, donde nombres como Chef en Proceso o Robe Grill se consolidaron como referentes del rubro, también aparece una figura que encontró en las reseñas gastronómicas su sello distintivo. Se trata de Arturo Lemmen, más conocido como El Arturito, un creador de contenido que logró convertir cada visita a un restaurante en una experiencia capaz de reunir millones de reproducciones.Con más de seis millones de seguidores —principalmente en TikTok— y una propuesta que lo llevó a recorrer destinos como México, Argentina, Estados Unidos, Francia y Costa Rica, visitando desde pequeños puestos callejeros hasta restaurantes con estrella Michelin, el mexicano se consolidó como una de las personalidades más influyentes del contenido gastronómico digital en Latinoamérica.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DUyakoMAPqN/?hl=es"></oembed></figure>Lejos de limitarse a mostrar los platos más populares de cada lugar, El Arturito construyó una comunidad gracias a un estilo directo y transparente. En cada video comparte su experiencia sin filtros: destaca aquello que lo sorprende, señala cuando una propuesta no cumple con las expectativas y explica qué aspectos convierten a un restaurante en una parada recomendable para sus millones de seguidores.<h2>México, Estados Unidos, Argentina, Francia y Japón: los restaurantes que visitó El Arturito</h2>Bajo el lema &quot;un porcoshon comiendo por el mundo&quot;, Arturo Lemmen construyó una comunidad que sigue de cerca cada una de sus recomendaciones gastronómicas.Su contenido lo llevó a recorrer algunos de los restaurantes más destacados de México, donde combina propuestas tradicionales, alta cocina y nuevos conceptos culinarios que luego comparte con millones de seguidores.<ul><li>Crudo (Oaxaca).</li></ul><ul><li>Abrasamar (Ciudad de México).</li></ul><ul><li>Macuilt Molino (Puebla).</li></ul><ul><li>El Nuevo Poblano (Tijuana).</li></ul><ul><li>Villa Torél (Baja California).</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_94ee1a6090.png" alt=""><figcaption>La huella de El Arturillo en Le Train Bleu en París (Instagram/El Arturillo).</figcaption></figure>Sin embargo, sus reseñas no se limitan al territorio mexicano. Con el paso de los años, El Arturito también llevó su contenido a distintos destinos internacionales, donde exploró desde restaurantes de prestigio hasta propuestas tradicionales que reflejan la identidad gastronómica de cada ciudad.<ul><li>Callie (California, Estados Unidos).</li></ul><ul><li>Mercado Central (San José, Costa Rica).</li></ul><ul><li>Kenny &amp; Ziggy&#x27;s (Texas, Estados Unidos).</li></ul><ul><li>DiverXO (Madrid, España).</li></ul><ul><li>Bruno Oteiza (San Sebastián, España).</li></ul><ul><li>Lawry&#x27;s The Prime Rib (Tokio, Japón).</li></ul><ul><li>Maido (Lima, Perú).</li></ul><ul><li>El Preferido (Buenos Aires, Argentina).</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaGkj9JKpuP/?hl=es"></oembed></figure>Este recorrido internacional refleja una de las principales características de su contenido: la capacidad de descubrir propuestas gastronómicas de distintos estilos, culturas y niveles, manteniendo siempre la misma premisa de ofrecer una opinión honesta sobre cada experiencia.

El_Arturillo_degustando_comida_en_Cusco_Instagram_El_Arturillo_1_88701baa23.avif

Conocé a El Arturito, el influencer que visita de puestos callejeros a restaurantes Michelin

Seguramente alguna vez te cruzaste en redes sociales con una intervención artística capaz de transformar una escalera mecánica, una señal de tránsito o una simple vereda en una obra inesperada. Detrás de muchas de esas creaciones aparece Greg Goya, el artista oriundo de Turín que encontró en la vida cotidiana su principal fuente de inspiración.<h2>El artista que transforma objetos cotidianos en experiencias artísticas: Greg Goya</h2>Si pensamos en arte urbano, es muy probable que las primeras imágenes que lleguen a nuestra cabeza sean las de grandes murales cubriendo fachadas enteras, intervenciones monumentales en edificios o enormes obras capaces de transformar por completo el paisaje de una ciudad. Sin embargo, el arte urbano también puede encontrarse en los detalles más pequeños y cotidianos, aquellos que muchas veces pasan desapercibidos para miles de personas cada día.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DN2tdXz2Nf8/?hl=es"></oembed></figure>Y es precisamente allí donde aparece la figura de Greg Goya. Con más de un millón de seguidores en redes sociales, el artista oriundo de Turín se ha convertido en uno de los principales exponentes internacionales del denominado fast art o arte rápido, una corriente que apuesta por intervenciones simples, inmediatas y profundamente vinculadas con el entorno urbano.Influenciado por nombres como Banksy, Jean-Michel Basquiat y hasta incluso Francisco de Goya —artista que inspiró parte de su pseudónimo—, Greg Goya construyó una identidad visual propia basada en la sorpresa, la interacción y la reinterpretación de los espacios públicos. Lejos de las grandes producciones o de las obras permanentes, encontró en las calles el escenario perfecto para transformar objetos cotidianos en experiencias capaces de modificar la rutina de quienes las encuentran.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8263ba5a45.png" alt=""><figcaption>Greg Goya interviniendo las calles (Instagram/Greg Goya).</figcaption></figure>Escaleras mecánicas, señales de tránsito, veredas, estaciones de metro, mobiliario urbano y cualquier elemento presente en la ciudad pueden convertirse en el lienzo ideal para sus creaciones. Entre sus intervenciones más populares aparecen una rayuela instalada en el acceso a una estación de metro para invitar a los peatones a jugar antes de continuar su recorrido, un gigantesco Pac-Man que parece devorar los escalones de una escalera mecánica o un corazón pintado sobre una baldosa acompañado por la frase “bésense aquí”, invitando a los transeúntes a interactuar con la obra.Su trabajo también suele jugar con las emociones y las decisiones humanas. En una de sus intervenciones más recordadas transformó una bifurcación urbana en una elección simbólica entre un cerebro y un corazón, mientras que en otra reemplazó el clásico contenido de una vitrina de emergencia por un ramo de flores acompañado por la advertencia: “Romper el cristal en caso de amor a primera vista”.La clave de su trabajo radica en generar una interacción inmediata con quienes se cruzan con la obra. No se trata únicamente de observar una intervención, sino de participar de ella. De esa manera, Greg Goya logra convertir trayectos rutinarios en experiencias inesperadas y demuestra que el arte urbano no siempre necesita ocupar grandes dimensiones para dejar una huella en la ciudad.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DBGbhp6Mx9F/?hl=es"></oembed></figure>Con una comunidad digital que sigue creciendo alrededor del mundo y un estilo fácilmente reconocible, el artista turinés se consolidó como uno de los grandes referentes contemporáneos de un movimiento que encuentra en la velocidad, la espontaneidad y la conexión con la vida cotidiana su principal fuente de inspiración.

Greg_Goya_y_el_arte_de_sorprender_en_cada_rincon_de_la_ciudad_1_65c3ec4390.avif

Greg Goya y el arte de sorprender en cada rincón de la ciudad

La histórica actuación de la Selección paraguaya en el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo quedó grabada en la memoria de los hinchas, sino también en las paredes de la ciudad de Asunción. Tras la clasificación frente a Alemania, el muralista Víctor Servín inmortalizó a Orlando Gill y José Canale en una obra que celebra a dos de los grandes héroes de la Albirroja durante el torneo.<h2>Así es el tributo artístico a Orlando Gill y José Canale en Asunción</h2>Con tan solo cuatro partidos como saldo restante del cronograma del Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, ya podemos hacer un listado de los episodios más importantes que nos dejó esta edición de la competencia más importante del fútbol de selecciones nacionales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_696b210e4c.png" alt=""><figcaption>José Canale inmortalizado artísticamente en los muros de Asunción (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure>Y no hay dudas de que dentro de ese recorrido, donde aparecen momentos como el festejo de los hinchas noruegos o la aparición de fans característicos como Lumumba Vea, el aficionado estatua de República Democrática del Congo. Pero si tenemos que hablar de episodios estrictamente futbolísticos y, sobre todo, a nivel latinoamericano, hay que mencionar la actuación de la Selección de Paraguay de Gustavo Alfaro, superando la fase de grupos, dejando fuera a Alemania por penales y cayendo eliminada ante Francia por tan solo un gol. Una participación más que histórica.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-mural-que-celebra-la-huella-de-cucho-hernandez-en-el-mundial/2066">El mural que celebra la huella de Cucho Hernández en el Mundial</a>Y la Selección paraguaya no solo dejó su huella en las canchas de la Copa del Mundo, sino que también impactó en la escena del arte urbano nacional con una intervención homenaje en Asunción a dos de las figuras de la Albirroja en el torneo.Ubicado en el Superviaducto de Madame Lynch, en la ciudad de Asunción, el muralista Víctor Servín, junto a sus colegas Justo “Toto” Servín y Francisco Rivas, convirtió uno de los muros del sector en un tributo artístico a Orlando Gill y José Canale, los héroes de la histórica clasificación ante Alemania en Boston.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaXyxoCDs7E/?img_index=3"></oembed></figure>La intervención representa dos de los momentos más importantes de la tanda de penales entre Paraguay y Alemania: el penal de la clasificación de José Canale en el lado izquierdo y la atajada de Orlando Gill en el otro costado de la superficie, con la presencia de una franja roja y blanca en la parte superior como guiño a la camiseta de la Albirroja.“Siempre tuve ese anhelo de pintar en algún túnel o viaducto, como se hace en otros países, y formar parte de eso, pero con una temática nacionalista o, como prefiero decir, paraguayística. Estábamos en plena tendencia futbolera. Paraguay era noticia prácticamente en todo el mundo por la hazaña de eliminar a Alemania, entonces coincidimos en que esta sería una buena temática para esta ocasión”, cuenta el muralista Víctor Servín acerca de la pieza.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_fa3be839e2.png" alt=""><figcaption>El homenaje artístico a Orlando Gill del muralista Victor Servín (Instagram/Victor Servín).</figcaption></figure>Más allá de su valor artístico, la obra también refleja cómo el Mundial logró trascender el terreno de juego para instalarse en otros espacios de la cultura. En este caso, el muralismo volvió a convertirse en una herramienta para preservar la memoria colectiva y rendir homenaje a dos futbolistas que ya forman parte de una de las páginas más importantes en la historia reciente de la Selección paraguaya.

Del_Mundial_al_arte_urbano_el_mural_que_inmortaliza_a_Orlando_Gill_y_Jose_Canale_en_Asuncion_1_9b091f2769.avif

Del Mundial al arte urbano: el mural que inmortaliza a Orlando Gill y José Canale en Asunción

Roberto Jiménez encontró en el arte gráfico una manera única de reinterpretar la cultura pop. A través del proyecto artístico llamado Basurita Blanca, el mexicano creó un universo de pósters e ilustraciones donde el humor y las referencias cotidianas son protagonistas.<h2>¿Quién es Roberto Jiménez, el creador de Basurita Blanca y sus icónicos pósters de cultura pop?</h2>El arte urbano y la ilustración contemporánea encontraron en la cultura pop una fuente inagotable de inspiración. Desde reinterpretaciones de personajes icónicos hasta referencias a películas, series, música y situaciones cotidianas, esta corriente artística logró construir un lenguaje propio que conecta rápidamente con el público. Y dentro de México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Roberto Jiménez, creador de Basurita Blanca.Póster de Basurita Blanca (Basurita Blanca).Con un estilo marcado por el humor, la sátira y una fuerte identidad visual, el artista mexicano desarrolló un proyecto que transforma referencias de la cultura popular en pósters e ilustraciones cargadas de personalidad. A través de diseños que mezclan cine, televisión, música, deportes y el día a día con guiños a la identidad mexicana, Basurita Blanca logró construir una comunidad propia de seguidores y convertirse en uno de los proyectos gráficos más llamativos del país.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reels/DWpugK3Bfr0/"></oembed></figure>El trabajo de Roberto Jiménez se caracteriza por tomar personajes y situaciones ampliamente reconocibles y reinterpretarlos desde una mirada fresca, divertida y, muchas veces, nostálgica. Sus obras no solo funcionan como ilustraciones o piezas decorativas, sino también como una forma de contar historias y conectar distintas generaciones a través de elementos compartidos de la cultura pop.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_da8d840f33.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Basurita Blanca (Basurita Blanca).</figcaption></figure>Y es que el universo de Basurita Blanca va mucho más allá del diseño de un simple póster. Cada creación combina ilustración, humor e identidad cultural, consolidando a Roberto Jiménez como uno de los exponentes mexicanos que mejor supo trasladar el lenguaje de internet y la cultura popular al mundo del arte gráfico contemporáneo.

Basurita_Blanca_el_proyecto_mexicano_que_transforma_la_cultura_pop_en_arte_urbano_aa86249a26.avif

Basurita Blanca, el proyecto mexicano que transforma la cultura pop en arte urbano

Con sede en Venecia y una trayectoria que lo posicionó entre los grandes certámenes del arte contemporáneo, el Arte Laguna Prize abrió la convocatoria para su vigésimo primera edición, y desde Street Art Latam repasamos cómo inscribirse, cuáles son los requisitos y qué premios ofrece el concurso.<h2>¿Qué es el Arte Laguna Prize?</h2>El universo del arte contemporáneo internacional ya puso en marcha una nueva edición de uno de sus concursos más importantes. Se trata del Arte Laguna Prize, el certamen con sede en Venecia que se prepara para celebrar su vigésima primera edición y que, año tras año, reúne a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades en busca de impulsar sus carreras a nivel global.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e38957ceaf.png" alt=""><figcaption>Exposición en Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Nacido del deseo de la Asociación MoCA de valorar el arte en todas sus formas y con la misión de impulsar artistas internacionales, el premio se consolidó como uno de los principales certámenes de arte contemporáneo del mundo. Cada edición, un jurado integrado por especialistas selecciona a los finalistas y ganadores, cuyas obras se exhiben durante un mes en el emblemático Arsenale Nord de Venecia.La convocatoria está abierta a disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotografía, videoarte, performance, arte digital, land art, arte urbano, street art y diseño, entre muchas otras, manteniendo una característica que la distingue desde sus inicios: la libertad temática y la diversidad artística como eje central del proyecto.Y este año no será la excepción. El Arte Laguna Prize abrió oficialmente su convocatoria para artistas que deseen exhibir sus trabajos en el histórico espacio veneciano, cuya muestra colectiva tendrá lugar del viernes 6 al domingo 29 de noviembre, reuniendo a creadores emergentes y consolidados de distintas partes del planeta.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9119ff13b8.png" alt=""><figcaption>Los rincones artísticos de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Y tranquilo: Street Art Latam te cuenta cómo participar, cuáles son los premios y todo lo que necesitás saber para intentar exhibir tu obra en Venecia.<h2>¿Cómo participar del Arte Laguna Prize 2026?</h2>Participar del Arte Laguna Prize es un proceso completamente digital y abierto a artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Para hacerlo, los interesados deben ingresar a la plataforma oficial del certamen, crear un perfil personal y completar el <a href="https://artelagunaprize.com/21-edition/">formulario de inscripción</a> antes del martes 30 de junio, fecha límite de la convocatoria.El proceso de aplicación solicita información personal y artística del postulante, incluyendo una breve biografía, antecedentes profesionales y material vinculado a su producción. Además, los artistas deberán presentar parte de su portfolio con imágenes, videos y descripciones de las obras que desean postular.Una vez completada la inscripción y enviada la documentación requerida, las postulaciones serán evaluadas por el jurado internacional del certamen, encargado de seleccionar a los finalistas que formarán parte de la exposición oficial en Venecia.Para conocer todos los requisitos y completar la inscripción, los interesados pueden ingresar al <a href="https://artelagunaprize.com/">sitio oficial del Arte Laguna Prize</a>.<h2>¿Cuáles son los premios del Arte Laguna Prize?</h2>Más allá del reconocimiento internacional y la posibilidad de exhibir en Venecia, el Arte Laguna Prize cuenta con un amplio programa de premios y oportunidades profesionales que buscan impulsar la carrera de los artistas participantes.El certamen divide sus beneficios en cinco grandes categorías:<ul><li>Premios institucionales.</li></ul><ul><li>Residencias artísticas</li></ul><ul><li>Programas Business for Art.</li></ul><ul><li>Exposiciones internacionales.</li></ul><ul><li>Iniciativas vinculadas a sostenibilidad y solidaridad.</li></ul>Entre los reconocimientos más destacados, aparece el Premio Institucional de $10.000 euros, otorgado por MoCA y Arte Laguna Prize al ganador absoluto de la competencia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2981e5b89f.png" alt=""><figcaption>El arte como protagonista en cada edición de Arte Laguna Prize (Arte Laguna Prize).</figcaption></figure>Además, los artistas seleccionados podrán acceder a residencias y experiencias internacionales en distintos puntos del planeta. Pero para Latinoamérica, sobresalen dos oportunidades especiales:<ul><li>Dos semanas de residencia artística en el Estudio Rambar, en Guanacaste, Costa Rica.</li></ul><ul><li>Un mes de estancia artística en la Universidad Ricardo Palma, en Lima, Perú.</li></ul>La convocatoria también incluye residencias en Italia, Australia, Bélgica y China, además de exposiciones en galerías y espacios culturales de ciudades como Bucarest y Génova, fortaleciendo uno de los principales objetivos del proyecto: conectar a artistas emergentes con el circuito internacional del arte contemporáneo.

Personas_admirando_las_obras_artisticas_de_Arte_Laguna_Prize_b2d72430f0.avif

Arte Laguna Prize 2026: qué es, cómo participar y cuáles son los premios

La creación de contenido vinculada al fútbol callejero encontró en las redes sociales una plataforma ideal para expandir su alcance a escala continental. Y si hay un nombre imposible de ignorar dentro de este fenómeno, ese es el de Alexander Rodríguez, más conocido como Alexander00, el colombiano que transformó las canchas de barrio en un escenario digital seguido por millones de personas en toda Latinoamérica.<h2>El creador que llevó el fútbol callejero a millones de pantallas: Alexander00</h2>El contenido deportivo siempre ha tenido un lugar de privilegio dentro de la creación digital, una tendencia que no ha hecho más que crecer en los últimos años. Desde análisis de partidos y reacciones en vivo hasta desafíos virales y experiencias en primera persona dentro de una cancha, el fútbol encontró en las redes sociales un nuevo terreno para expandir su alcance. Y si hay un nombre que logró capitalizar esa conexión entre deporte, entretenimiento y cultura callejera, ese es el del colombiano Alexander Rodríguez, mejor conocido en las redes como Alexander00.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DTJZyFIDviT/"></oembed></figure>Y es que probablemente al escuchar su nombre real no venga ninguna imagen a tu cabeza. Sin embargo, basta con mencionar su apodo para reconocer a uno de los creadores de contenido vinculados al fútbol callejero más populares de Latinoamérica. Con más de un millón y medio de seguidores en redes sociales y cientos de miles de reproducciones acumuladas en sus publicaciones, Alexander00 se convirtió en un verdadero fenómeno digital gracias a un contenido que rescata la esencia más pura del fútbol de barrio.Partidos en canchas populares repletas de personas, gambetas, desafíos, cruces con rivales, provocaciones, jugadas espectaculares y la pasión característica del fútbol callejero forman parte de una propuesta que conquistó a miles de fanáticos tanto dentro como fuera de Colombia. Con un estilo espontáneo, competitivo y cercano, el creador de contenido colombiano logró conectar con una audiencia que encuentra en sus videos la representación de un fútbol más libre, creativo y auténtico, donde la picardía, el talento futbolístico y la esencia callejera toman el protagonismo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d05312207f.png" alt=""><figcaption>Alexander00 durante uno de sus partidos de fútbol callejero en Colombia (Instagram/Alexander00).</figcaption></figure>Sin embargo, su impacto va más allá de los números. Alexander00 también se consolidó como uno de los principales impulsores de esta escena en la región, participando en eventos, colaboraciones y encuentros junto a otros referentes del movimiento, donde aparece el argentino Matías Amboade, conocido como “El Rey de la Balanza”, con quien protagonizó contenidos que ayudaron a conectar comunidades futboleras de distintos países y a expandir el alcance del fútbol callejero a una audiencia continental. Hasta incluso ha llegado a participar de la Kings League, la competencia de fútbol creada por el ex futbolista español Gerard Piqué, llevando las pisadas, la picardía y el talento de barrio colombiano a la élite.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Cr1KqfzMg4F/"></oembed></figure>Con millones de visualizaciones, una comunidad en constante crecimiento y una presencia cada vez más fuerte dentro del ecosistema digital deportivo, Alexander00 no solo se convirtió en una figura destacada de las redes sociales, sino también en uno de los rostros más representativos del fútbol callejero latinoamericano.

Alexander00_el_emblema_colombiano_del_futbol_callejero_f45575bddb.avif

Alexander00, el emblema colombiano del fútbol callejero

Afonsoul utiliza el espacio público como un lienzo para la resiliencia. Este artista visual brasileño, hoy radicado en Portugal, define su búsqueda como una mezcla de elementos figurativos y abstractos orientada a la expresión humana, donde cada mural funciona como un puente de pertenencia y colectividad que invita al diálogo.<h3>El ritual de la creación urbana</h3>En la obra de este muralista, los conceptos de identidad y esperanza en tiempos difíciles son constantes que ofrecen un punto de pausa en el caos citadino. Tiene un proceso creativo que nace de una sensación u observación personal. Luego, lo traduce en sketches digitales y fotos de referencia, aunque siempre deja margen para el improviso. &quot;En la calle, el proceso se vuelve casi un ritual donde la obra se construye técnica y emocionalmente&quot;, detalla Afonsoul.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e7667353cb.png" alt=""><figcaption>Bajo el título &quot;Las pequeñas rebeliones&quot;, esta colección de Afonsoul define el acto de soñar como un ejercicio de resistencia y una luz interna.</figcaption></figure><h3>El reconocimiento internacional</h3>Al instalarse en Lisboa, su trabajo ganó un control técnico que limitó al &quot;ser explorador&quot; de sus inicios, llevándolo a buscar hoy un equilibrio entre la maestría y la disonancia formal para añadir intensidad.Dos obras marcaron su carrera: &quot;Origens&quot; (2022) en São Paulo, que le abrió las puertas de la escena regional, y el mural que le valió el segundo puesto mundial en Street Art Cities en 2024. &quot;Fue un divisor de aguas porque confirmó que estaba construyendo un lenguaje fuerte e internacional&quot;, reconoce Afonsoul.<h3>Del refugio pandémico a la conquista de la calle</h3>Afonso de Oliveira inició su vínculo con la creación gracias a la curiosidad infantil, pero la verdadera transformación profesional ocurrió cuando decidió utilizar la pintura como una válvula de escape ante la crisis global. &quot;Me reconecté durante la pandemia, que fue cuando me sumergí de lleno en este mundo y utilicé el arte como refugio&quot;, cuenta. Esa necesidad de lenguaje y presencia lo empujó hacia el espacio público, atraído por una fuerza que no entiende de jerarquías académicas. &quot;La calle no pide permiso para existir, es viva, directa y fluida&quot;, explica Afonsoul, quien buscaba que su obra fuera accesible y cotidiana para quienes jamás visitan una galería.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c86d1f0512.png" alt=""><figcaption>Inspirado por la emoción de sus raíces, Afonsoul intervino la Casa Arraiá con un muro que celebra el éxito de un camino que une a Santos con el mundo.</figcaption></figure><h3>Los desafíos del entorno urbano</h3>Para el artista, la colaboración y el aprendizaje constante son fundamentales. Mantiene una relación estrecha con la comunidad artística. Respecto a la efimeridad del soporte urbano, la acepta como una característica intrínseca de su belleza, incluso cuando sus mejores trabajos han sido cubiertos en apenas 12 horas. &quot;Aunque la obra desaparezca físicamente, permanece en la experiencia de quien la vio&quot;, reflexiona Afonsoul.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/despues-de-dos-anos-maxi-bagnasco-volvio-a-pintar-en-buenos-aires/1707">Después de dos años, Maxi Bagnasco volvió a pintar en Buenos Aires</a>En cuanto a los obstáculos, menciona las burocracias de Lisboa y el clima, pero enfatiza que el reto mayor es la humildad. &quot;El ejercicio de dejar el ego de lado y ponerse en el papel del otro es lo más desafiante&quot;, asegura Afonsoul, con el entendimiento de que la arquitectura y la luz del lugar son coautores del resultado final.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f21ef1d98d.png" alt=""><figcaption>Con el mural titulado &quot;La soñadora&quot;, Afonsoul simbolizó la resistencia del foco y la pasión personal, recordándonos que el sueño es siempre superior a la fragilidad de nuestro barco o la fuerza de la marea.</figcaption></figure><h3>Redes sociales y la visión sobre América Latina</h3>Si bien las redes sociales son herramientas de difusión clave, su foco permanece en la conexión real. Al observar el panorama en su tierra natal, ve una autenticidad y urgencia envidiables, nacidas de la necesidad cultural frente a la falta de incentivos institucionales. &quot;La esperanza y alegría de nuestro pueblo es visible en nuestra producción artística&quot;, sostiene.Como cierre de su aprendizaje, enfatiza que la consistencia vence al talento y que la inspiración solo llega a través de la disciplina. &quot;El mundo se enamorará de lo que tienes para decir, no de lo que otros dicen y tú simplemente repites&quot;, aconseja Afonsoul a quienes se inician en este camino de intensidad y humanismo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DTU1TBTjAk3/?hl=es-la"></oembed></figure>TAGSENTREVISTAMURALISMOBRASIL

intervencion_callejera_afonsoul_street_art_cities_8aa65a278e.avif

Afonsoul: “utilizo el arte como refugio”

Desde Londres hasta Río de Janeiro, Matt Kiatipis logró transformar simples partidos de streetball en un espectáculo viral para redes sociales: trash talk, uno contra uno callejeros, cientos de personas rodeando la cancha y millones de reproducciones.<h2>Uno contra uno, trash talk y millones de reproducciones: así es el universo de Matt Kiatipis</h2>Más allá de la popularidad en las propias calles y los playgrounds, el deporte urbano también comenzó a construir una enorme comunidad digital de la mano de creadores de contenido que encontraron en las redes sociales una nueva manera de amplificar la escena.Y en el caso del baloncesto callejero, uno de los nombres más importantes a nivel internacional —aunque lejos de Latinoamérica— es el canadiense Matt Kiatipis.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8e2904bd3b.png" alt=""><figcaption>Vista aérea de Matt Kiatipis en pleno enfrentamiento de baloncesto callejero (Instagram/Matgt Kiatipis).</figcaption></figure>Seguramente te hayas cruzado en Instagram, TikTok o YouTube con algún clip de dos personas enfrentándose en una cancha de básquet callejero donde el trash talk, el talento en el uno contra uno y la tensión del ambiente rodeado de cientos de personas terminan convirtiendo el partido en un espectáculo urbano. Detrás de gran parte de ese fenómeno aparece justamente la figura del ya nombrado Matt Kiatipis.Con casi un millón de suscriptores en YouTube y más de tres millones de seguidores en Instagram, el influencer canadiense se transformó en una de las grandes caras digitales del streetball moderno. A través de videos cargados de intensidad, trash talk, jugadas espectaculares y una atmósfera digna de una batalla urbana, Kiatipis logró convertir el clásico uno contra uno en un verdadero espectáculo de consumo masivo para redes sociales, estableciéndose como uno de los emblemas del baloncesto callejero en las plataformas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXBAvesCS56/?hl=es"></oembed></figure>El contenido del canadiense gira alrededor de enfrentamientos callejeros donde no solo importa el talento con la pelota, sino también la personalidad, la presión del público y la tensión propia del ambiente. Cientos de personas rodeando la cancha, gritos, festejos desmedidos, provocaciones entre jugadores y jugadas virales forman parte de una fórmula que terminó posicionándolo como uno de los máximos referentes del baloncesto callejero en internet.Lejos de limitarse únicamente a Canadá, Matt Kiatipis construyó un recorrido global de la mano del streetball, llevando este formato a distintas ciudades del mundo como Londres, París, Los Ángeles, Río de Janeiro, San Pablo, Nueva York, Berlín, Atenas, Ciudad de México, Miami, Barcelona o Milán, entre muchas otras. Una expansión internacional que no solo potenció su figura como creador de contenido, sino que también ayudó a reforzar el crecimiento global del baloncesto callejero como fenómeno cultural y digital.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4f7f72a57.png" alt=""><figcaption>Trash talk, uno de los protagonistas en los duelos callejeros de Matt Kiatipis (Instagram/Matt Kiatipis).</figcaption></figure>En tiempos donde los clips cortos dominan el consumo digital, Matt Kiatipis encontró en el streetball una fórmula perfecta para las redes sociales. Sus videos no solo muestran talento arriba de la cancha, sino también el costado más visceral y competitivo del baloncesto callejero: provocaciones, tensión, desafíos personales y una atmósfera donde cada jugada parece definir el orgullo del jugador frente a todo el playground.Esa mezcla entre espectáculo urbano, cultura del básquet y entretenimiento de consumo rápido terminó convirtiendo al canadiense en mucho más que un creador de contenido. Hoy, Matt aparece como uno de los grandes responsables de trasladar la esencia del streetball tradicional al universo digital, acercando millones de personas alrededor del mundo a la cultura del baloncesto callejero.

Matt_Kiatipis_el_emblema_principal_del_baloncesto_callejero_digital_a4beb0ed00.avif

¿Quién es Matt Kiatipis, el referente del baloncesto callejero en internet?

El arte urbano volvió a rendir homenaje a una de las máximas glorias del deporte argentino: Luis Scola recibió un mural en la Plaza Houssay de Recoleta realizado por Rengraf, una obra que repasa distintos momentos emblemáticos de la carrera del campeón olímpico.<h2>Juegos Olímpicos de Atenas, Houston Rockets y Ferro: así es el mural que homenajea a Luis Scola en Buenos Aires</h2>Es sabido casi a nivel global que Argentina es uno de los países más pasionales del planeta si de deporte hablamos. La garra y el hambre de gloria que muestran los atletas dentro de la cancha, la intensidad de los hinchas en las tribunas y hasta las locuras que realizan por sus ídolos deportivos refuerzan constantemente esa identidad que atraviesa generaciones y disciplinas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXCYH-iEfpd/"></oembed></figure>Y así como muchas figuras son inmortalizadas mediante libros, nombres de tribunas, camisetas o estatuas, el arte urbano se ha convertido en uno de los universos que más homenajea a las grandes glorias nacionales. Casos como los murales dedicados a Lionel Messi, Diego Maradona, Paula Pareto, Manu Ginóbili o incluso ejemplos recientes como Franco Colapinto tras su llegada a la Fórmula 1 demuestran cómo las paredes y espacios públicos también funcionan como escenarios de memoria deportiva.Y una de las últimas glorias del deporte argentino en recibir un homenaje artístico fue Luis Scola, quien ya cuenta con un mural en su honor en la cancha de básquet de la Plaza Houssay, ubicada en el barrio porteño de Recoleta. La obra, realizada por el artista Rangraf, transforma el propio suelo de la cancha en un recorrido visual por distintos momentos emblemáticos de la carrera del ex basquetbolista argentino.El mural reúne diferentes etapas de la trayectoria de Scola. Desde sus primeros momentos en la Liga Nacional en Ferrocarril Oeste, pasando por algunos de los momentos más icónicos de su carrera internacional como su paso por Houston Rockets en la NBA, hasta su histórica etapa con la camiseta de la selección argentina, donde conquistó la medalla dorada en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 tras vencer a Italia y dejar en el camino al Dream Team de Estados Unidos.Además, la intervención también incluye referencias a su despedida del seleccionado nacional con aquella icónica imagen de su último partido en los Juegos Olímpicos de Tokio, con presencia de la bandera argentina y los anillos olímpicos dorados como símbolo del mayor logro de la Generación Dorada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1b23f01880.png" alt=""><figcaption>El acto inaugural del mural de Luis Scola en Recoleta (El Litoral).</figcaption></figure>La obra también forma parte de un proyecto impulsado por la productora nacional La Legión Producciones para homenajear a las figuras históricas de la Generación Dorada del básquet argentino. Uno de los primeros antecedentes de la movida ocurrió en el año 2005, cuando el propio Rangraf realizó un mural dedicado a Andrés Nocioni en el barrio porteño de Parque Patricios, consolidando una serie de intervenciones urbanas que buscan mantener vivo el legado de una de las camadas más importantes en la historia del deporte argentino y, ahora, suma un nuevo capítulo con la figura de Luis Scola.<h2>¿Quién es Rengraf, el artista detrás del mural de Luis Scola?</h2>Detrás del mural homenaje a Luis Scola en la Plaza Houssay de Recoleta aparece la figura de Rengraf, uno de los muralistas con mayor presencia dentro del arte urbano porteño en los últimos años. Con intervenciones distribuidas en distintos puntos de la ciudad de Buenos Aires como Barrio Chino, Avellaneda, Palermo, Caballito y Belgrano, el artista construyó una identidad visual que lo llevó a posicionarse como uno de los emblemas contemporáneos del muralismo urbano local.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d2c6797cc8.png" alt=""><figcaption>Mural de Luffy de One Piece hecho por Rengraf en Avellaneda (Instagram/Rengraf).</figcaption></figure>Con un estilo marcado por la influencia de la cultura asiática como gran protagonista, en sus obras aparecen frecuentemente dragones orientales, gatos de la fortuna, personajes con estética inspirada en la cultura china y referencias directas a íconos del manga y el anime como Son Goku o Monkey D. Luffy. Sin embargo, su trabajo también mantiene un fuerte vínculo con la cultura popular argentina y el deporte, con murales dedicados a figuras como Lionel Messi y distintas intervenciones que ya forman parte del paisaje urbano porteño. Con el homenaje a Scola, Rengraf continúa consolidándose como una de las caras más reconocibles del arte urbano deportivo en Argentina.

Vista_aerea_del_mural_de_Luis_Scola_en_Recoleta_2cc2190bef.avif

Luis Scola, la nueva gloria del deporte argentino homenajeada por el arte urbano

Ilustración, animación 2D y 3D, moda y diseño de personajes forman parte del universo de Artsy Kars, una artista mexicana que convirtió la creación de mundos en su sello personal.<h2>Color, personajes y fantasía: la identidad de Artsy Kars</h2>Hay artistas que crean obras y otros que construyen universos enteros alrededor de ellas. Y en México, Artsy Kars convirtió la ilustración, la animación y el diseño de personajes en su propia forma de crear mundos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9266ab1ced.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Artsy Kars (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure>La artista mexicana Karen Sofía Vega Moreno, conocida artísticamente como Artsy Kars, construyó una identidad visual propia a partir de la combinación de animación, ilustración, diseño de personajes y creación de mundos. Su propuesta se caracteriza por una estética vibrante inspirada en el arte pop, el color y la narrativa, con piezas que mezclan elementos 2D y 3D para desarrollar universos cargados de personajes, emociones y simbolismo.Su proceso creativo le permite moverse entre diferentes disciplinas y técnicas, utilizando ilustraciones digitales y animaciones dinámicas para explorar nuevas dimensiones y darle vida a mundos imaginarios. A esto se suma una fuerte influencia de la moda, que aparece tanto en sus personajes como en prendas y artículos que forman parte de su universo artístico.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DT5-ZbPD87V/?img_index=1"></oembed></figure>Uno de los proyectos centrales dentro de su obra es ArtsyWorld, un mundo ficticio en expansión poblado por personajes, criaturas y narrativas mágicas. A través de este espacio, Artsy Kars explora conceptos como la identidad queer, la transformación, la moda, la mitología, la sensualidad y la belleza surrealista de la vida cotidiana, combinando referencias del anime, el arte pop, la cultura urbana y el arte digital contemporáneo.Su trabajo también trascendió el ámbito personal para llegar a algunas de las principales industrias del entretenimiento, la música y la moda.<ul><li>Sony Music</li></ul><ul><li>Matisse</li></ul><ul><li>Yeri Mua</li></ul><ul><li>Disney</li></ul><ul><li>Adidas</li></ul><ul><li>Natura</li></ul><ul><li>Tecate Emblema</li></ul>Dentro de estos proyectos, la mexicana participó en la creación de promocionales animados, key visuals, portadas ilustradas, diseño de personajes y dirección visual integral, llevando su particular lenguaje artístico a diferentes formatos y plataformas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_84eb601541.png" alt=""><figcaption>Karen Sofía Vega Moreno junto a uno de los personajes de su universo artístico (Instagram/Artsy Kars).</figcaption></figure>La propuesta de Artsy Kars encuentra así uno de sus principales atractivos en la capacidad de construir personajes que funcionan como protagonistas de sus propios mundos: obras combinan color, identidad, moda y narrativa para crear una estética lúdica y expresiva, donde lo cotidiano puede transformarse en escenarios cargados de fantasía.Radicada en Ciudad de México, la artista continúa expandiendo su lenguaje a través de la animación, la ilustración, la dirección de arte y la creación de mundos, consolidando una visión artística donde el color y la imaginación funcionan como herramientas para contar historias.

Karen_Sofia_Vega_Moreno_la_figura_detras_de_Artsy_Kars_1_84068c26b7.avif

Artsy Kars, la artista mexicana que creó su propio universo de color

El stencil es una de las técnicas más reconocibles del arte urbano y una forma sencilla de llevar una imagen, palabra o diseño a una superficie.A diferencia de otras disciplinas, no requiere grandes conocimientos para dar los primeros pasos: con una plantilla, pintura y algunos materiales básicos es posible crear una intervención sobre una superficie permitida.<h2>¿Qué es un stencil y qué materiales se necesitan?</h2>El stencil consiste en utilizar una plantilla recortada para reproducir una imagen o diseño sobre una superficie. Al aplicar pintura sobre las zonas recortadas, el material atraviesa esos espacios y genera la figura elegida.Para comenzar, se pueden utilizar materiales relativamente fáciles de conseguir:<ul><li>Una hoja de papel o cartulina para realizar el diseño.</li></ul><ul><li>Un material más resistente para crear la plantilla, como acetato, plástico fino o cartón.</li></ul><ul><li>Lápiz y regla.</li></ul><ul><li>Cutter o herramienta de corte.</li></ul><ul><li>Pintura en aerosol o pintura aplicada con rodillo o pincel.</li></ul><ul><li>Una superficie permitida sobre la que realizar el diseño.</li></ul><ul><li>Guantes y, si se utiliza aerosol, protección respiratoria adecuada y buena ventilación.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0345934320.png" alt=""><figcaption>Plantilla de stencil (Ana Fernandes).</figcaption></figure><h2>Del diseño hasta la pintura: el paso a paso para hacer un stencil</h2><h3>Elegí el diseño</h3>El primer paso es definir qué imagen, palabra o ilustración querés convertir en stencil. Para empezar, lo recomendable es utilizar una figura sencilla, con pocos detalles y formas fácilmente reconocibles.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artistas pintando sobre un stencil en Chile (Felipe Salinas).</figcaption></figure><h3>Prepará la plantilla</h3>Dibujá o imprimí el diseño sobre el material que vas a utilizar como plantilla. Si la imagen tiene diferentes zonas de color, podés preparar una plantilla independiente para cada capa.<h3>Identificá las zonas que vas a recortar</h3>Antes de utilizar el cutter, definí qué partes de la imagen deben quedar abiertas para permitir el paso de la pintura. Es importante mantener pequeños puentes de material para que las diferentes partes de la plantilla permanezcan conectadas.<h3>Recortá el stencil</h3>Con cuidado, recortá las zonas previamente marcadas. Este paso define gran parte del resultado final, por lo que conviene trabajar lentamente y mantener los bordes lo más limpios posible.<h3>Fijá la plantilla</h3>Colocá el stencil sobre una superficie limpia y permitida y asegurate de que quede bien sujeto. Cuanto menos se mueva durante la aplicación, más definidos quedarán los bordes del diseño.<h3>Aplicá la pintura</h3>Aplicá una capa fina y uniforme de pintura sobre las zonas abiertas de la plantilla. Si utilizás aerosol, evitá cargar demasiado una misma zona para reducir el riesgo de que la pintura se filtre por debajo del stencil.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce7aa6c5e9.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil finalizada en las calles (Hugo L. Casanova).</figcaption></figure><h3>Retirá la plantilla</h3>Una vez aplicada la pintura, retirala con cuidado antes de que se acumule demasiado material en los bordes. De esta manera podrás descubrir el resultado final del diseño.<h3>Experimentá con capas y colores</h3>Cuando ya tengas práctica, podés combinar diferentes plantillas, colores y capas para crear diseños más complejos. Esta técnica permite pasar de una imagen simple a composiciones mucho más elaboradas.El stencil demuestra que el arte urbano también puede construirse a partir de procesos simples: una buena idea, una plantilla bien diseñada y el control de la pintura pueden ser suficientes para transformar una imagen en una pieza visual.

Stencil_como_expresion_artistica_65687e4657.avif

Cómo hacer un stencil: paso a paso para crear tu propia plantilla

José Monsalve Esquivel lleva más de una década vinculado al arte urbano y construyó en Medellín una trayectoria que comenzó en el graffiti y evolucionó hacia una propuesta cada vez más pictórica.En diálogo con Street Art Latam, el artista colombiano repasó sus comienzos, las influencias que transformaron su manera de pintar y la importancia que tienen la historia, las comunidades y el espacio público en cada una de sus obras.Para comenzar, ¿podrías presentarte brevemente y contar a qué te dedicas dentro del arte urbano?Soy José Monsalve o Eskibel, muralista de la ciudad de Medellín, Colombia. Llevo más de 10 años pintando; sin embargo, en los últimos cuatro años he puesto un foco especial en el crecimiento y la consolidación de mi carrera artística.Este momento coincide con un cambio estético hacia una propuesta mucho más pictórica, que se pregunta por la pintura de estudio, por el muralismo clásico y por el estudio teórico de las imágenes, en contraste con una primera etapa dedicada a pintar graffiti y motivos mucho más ligados al street art.¿Cómo y cuándo empezaste a pintar en el espacio público? Empecé a pintar en el espacio público alrededor de 2007 o 2008. En ese momento, mi aproximación era principalmente a través de las firmas: tenía un tag con mi nombre que pintaba en distintos lugares de la ciudad, y fue así como comenzó mi relación con la calle como espacio de expresión.En 2009 tuve la oportunidad de pintar mi primer mural, en un formato que para ese momento consideraba relativamente grande. Esa experiencia me conectó profundamente con la pintura en el espacio público y marcó un punto de inflexión en mi manera de relacionarme con la calle.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9f4d17f3b0.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel en Santa Marta (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>A partir de entonces continué pintando de manera constante. Cada ocho días salía a pintar con compañeros y amigos con quienes, por aquel entonces, conformaba una crew. En la actualidad sigo pintando con ellos: Johan Salazar y Smop. Durante esa primera etapa exploré principalmente el lenguaje del graffiti. Además de las firmas y los tags, hacía piezas más ágiles, como throw-ups, blockers y letras menos estilizadas, que me permitían experimentar con diferentes formas de ocupar el espacio. También exploré la realización de ilustraciones y el stencil.Con el paso del tiempo, mi interés fue desplazándose progresivamente de la letra hacia la imagen. Empecé a preguntarme por las posibilidades de la pintura en el espacio público, especialmente después de conocer la obra de Egon Schiele. Su manera de abordar el cuerpo con líneas sinuosas y de conformar un manierismo anatómico que no solo aparece en la representación del cuerpo humano, sino también en el cuerpo de los girasoles, árboles o casas, me conecta mucho con otra posibilidad de pensar la creación visual.El desafío de proponer pinturas en el espacio público que logren emocionar, cuestionar o provocar reflexiones, a través de procesos participativos, de construcción colectiva con las comunidades y de exploración de los territorios, representa para mí un punto de encuentro entre dos grandes pasiones: por un lado, la sociología y, por el otro, la pintura mural.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_802c57a5d5.png" alt=""><figcaption>Intervención de Eskibel en la ciudad de Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>¿Qué te llevó a elegir la calle como soporte principal y no otros formatos?La calle ha sido para mí un soporte muy fuerte, visible y poderoso. Sin embargo, al menos en el inicio, no fue el único espacio en el que trabajé: también estaban las bitácoras, los lienzos y otros formatos. Con el tiempo, la calle se fue convirtiendo en uno de los soportes que considero más potentes, precisamente por su capacidad de capturar la atención y de establecer un contacto directo con las personas. De hecho, actualmente es el lugar donde más pinto, por encima de cualquier otro formato.Pero si pienso en cómo llegué a elegirla, siento que en realidad no hubo una decisión plenamente consciente. Fue algo que ocurrió de manera muy espontánea y que estuvo atravesado por diferentes influencias musicales, subculturales y políticas. De alguna manera, mi relación con la calle se fue construyendo casi de forma natural, especialmente porque empecé a pintar cuando tenía entre 14 y 15 años, una edad en la que muchas de esas influencias y formas de expresión tienen una presencia muy fuerte.¿Qué temas aparecen con mayor frecuencia en tus trabajos?En el último tiempo, en mis trabajos aparecen principalmente tres elementos: la figura humana, la noche y las plantas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1f1fd6af6f.png" alt=""><figcaption>“El Jardín Thanatos”, mural de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>En la figura humana hay un énfasis particular en la piel, que trabajo a través de manchas y gestos de la pintura con una alta carga expresiva, en un sentido poético puedo decir que en mi pintura; cada mancha es una célula moustrosa que conforma todo de la piel.Me interesa la piel no solamente como una superficie, sino como un órgano social con la capacidad de contar historias sobre la cultura, las ciudades y las vivencias personales.La noche es otro elemento importante dentro de los símbolos que estoy trabajando actualmente. Hay una inspiración muy fuerte en la noche como símbolo de la pintura romántica, pero también en su conexión con el gótico tropical: la idea del misterio, de esa penumbra que no permite ver completamente aquello que se muestra y que, al mismo tiempo, genera una tensión entre lo visible y lo oculto. En ocasiones trabajo esta idea a través de contrastes y luces muy duras.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DSTT_oZlfjk/"></oembed></figure>Y, por último, están las plantas. Vivo en una ciudad llena de jardines, plantas y reservas naturales, y creo que este es un elemento que se ha incorporado a mi pintura de manera más reciente. Me interesa especialmente la relación que puede establecerse entre la noche y la vegetación a través de ese imaginario del gótico tropical, que es un concepto que me interesa mucho explorar y seguir desarrollando.A partir de estos elementos también he empezado a imaginar otros mundos, tiempos y espacios que espero poder plasmar en mis próximos murales, después de haberlos estudiado y explorado un poco más en el taller.¿Cómo encarás un mural desde la idea inicial hasta la ejecución final?Cuando pienso en la producción de un mural, mi principal pregunta no es técnica, sino que está relacionada con el contexto: con la historia, los símbolos y los lugares que habitan ese espacio. Podríamos decir que es una pregunta más cercana a la sociología urbana que al arte en sí mismo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f91016d97.png" alt=""><figcaption>Eskibel en plena producción artística (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Esto se debe a que el núcleo de mi trabajo está en la curaduría de las imágenes. No siempre es un proceso que funciona de la misma manera; algunas veces aparecen símbolos muy poderosos que logran establecer una conexión profunda con el lugar y con las personas que lo habitan, mientras que en otras ocasiones las imágenes pueden pasar, no necesariamente desapercibidas, pero sí generar una conexión menos profunda. Esa búsqueda es, precisamente, una tarea permanente dentro de mi trabajo.Por eso, más que preguntarme cómo abordar un mural en términos estrictamente técnicos —porque creo que existen muchas maneras de hacerlo y que no hay una fórmula específica—, mi principal interés está en pensar qué imagen puede ocupar un lugar determinado y por qué. Para ello, desarrollo previamente diferentes procesos de creación, investigación y exploración visual que me permiten aproximarme a esa decisión.En ese sentido, para mí un mural comienza mucho antes de llegar a la pared: comienza en la lectura del territorio, en la investigación y en la curaduría de las imágenes que finalmente van a entrar en diálogo con ese espacio.¿Qué factores del entorno influyen más al momento de pintar: el espacio, la gente o el contexto social?Al momento de pintar, no diría que hay un factor que influya más que otro. Creo que todos tienen algún tipo de incidencia: el espacio, la gente, el contexto social y, además, otros elementos que a veces no son tan evidentes, como los factores ambientales y la manera en que estos pueden afectar el cuerpo y el rendimiento durante una pintura.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8282459c8a.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Eskibel en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cuando estás lejos de casa, por ejemplo, hay condiciones que empiezan a cobrar importancia: el agua que bebes, la exposición al sol, estar a la intemperie o incluso la calidad del aire, especialmente cuando trabajas en ciudades donde estas condiciones pueden no ser las mejores. Son afectaciones sobre el cuerpo que he ido descubriendo a lo largo del proceso y que he aprendido a manejar desde una actitud más preventiva.Pero no solo están los factores ambientales. También está lo anímico y, en particular, la dimensión simbólica y ritual que puede acompañar la pintura mural. En Latinoamérica, el muralismo está cargado de misticismo y, en muchos casos, se desarrolla en diálogo con comunidades indígenas y afro. Esto dota a la pintura de otros procesos que van más allá del gesto mismo de pintar y que pueden conectarse con los rituales, las creencias y las formas de entender el territorio de una comunidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DX7NSIduHsX/"></oembed></figure>Asimismo, hay una relación con la comunidad y con el territorio, o, más precisamente, con la manera en que se produce socialmente el espacio, que es una pregunta que me interesa mucho y que permanece en mi obra. Por eso, muchas de las imágenes que selecciono están decantadas a partir de una perspectiva histórica que me permite preguntarme por las imágenes que conectan con una revisión del pasado y son necesarias para el presente, porque inciden en la construcción de un futuro deseado.En ese sentido, el entorno no es solamente el lugar físico donde se pinta. Es también el conjunto de relaciones, historias, cuerpos, condiciones ambientales, memorias y símbolos que hacen que un territorio sea lo que es. Y todo eso termina influyendo, de una u otra manera, en las imágenes que decido llevar a la pared.¿Cómo eliges los lugares donde intervienes o cómo llegas a esas paredes?También puede ocurrir que, llegados a este punto de mi trayectoria, no sea yo quien elija el lugar, sino que sean los lugares los que me elijan para llevar alguna de mis propuestas pictóricas. Esto sucede cuando una comunidad, una organización, un festival o una curaduría encuentra una resonancia entre el lugar y mi manera de trabajar, mis ideas o las imágenes que propongo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DJHPkq4A9Uh/"></oembed></figure>En esos casos, las invitaciones pueden surgir con diferentes niveles de relación con el contexto. Algunas veces existe un vínculo muy fuerte con el territorio y la obra se construye directamente a partir de sus historias, sus características o las personas que lo habitan. En otras ocasiones, la invitación parte de un tema determinado que no necesariamente tiene una relación inicial tan estrecha con el lugar, pero que, durante el proceso, puede terminar generando conexiones con el contexto.Entonces, existe también esa otra posibilidad: que no sea solamente el artista quien busque una pared, sino que sean los lugares, las comunidades o quienes gestionan esos espacios quienes encuentren en una propuesta artística algo que quieren llevar a su territorio. En ese sentido, más que escoger a la persona, muchas veces lo que se escoge es una propuesta, un lenguaje y una manera particular de relacionarse con las imágenes y con el espacio público.¿Qué técnicas y materiales usas habitualmente para trabajar en la calle?Dependiendo del lugar y del espacio en el que me encuentre, las técnicas y los materiales pueden variar. Regularmente trabajo con pintura acrílica y brochas para abordar los muros. Sin embargo, cuando tengo mayor control sobre el proceso y sobre los materiales, procuro elaborar mi propia pintura a partir de algunas fórmulas que he aprendido de maestros como Freddy Serna, pintor de Medellín que también ha desarrollado obras vinculadas a técnicas del muralismo.Esta posibilidad de preparar mis propias pinturas me ha permitido experimentar con aspectos como la durabilidad, el brillo, la opacidad y la resistencia de determinados colores a la radiación solar. Para mí, esto evidencia el interés y la conexión que tengo con el muralismo tradicional, que plantea una preocupación por la conservación y la permanencia de la obra, más que por su carácter efímero.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4531bb766d.png" alt=""><figcaption>Obra de Eskibel (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Al mismo tiempo, este interés convive con muchas de las raíces que todavía me acompañan y que provienen del graffiti y el street art. Allí existen otras formas de abordar el espacio, en las que lo efímero también puede ser un valor y una posibilidad técnica. Por ejemplo, hay lugares donde el muro ya está cubierto de musgo, polvo, ruinas o diferentes formas de deterioro, y en esos contextos también es posible desarrollar técnicas que, desde el comienzo, sabemos que no van a permanecer durante mucho tiempo.Me interesa esa tensión entre lo permanente y lo efímero: por un lado, la búsqueda de materiales y técnicas que permitan que una pintura permanezca y se conserve; y, por otro, la posibilidad de trabajar con el paso del tiempo y con las condiciones propias del espacio como parte de la obra.¿Qué dificultades aparecen con más frecuencia al trabajar en el espacio público?El factor más dilemático en mi práctica no proviene de la hostilidad que supone en sí mismo pintar en la calle —estando a la intemperie y expuesto en términos ambientales, salubres y de riesgo en alturas—. Más bien, ubico mi mayor desafío en la negociación que exige una intervención mural con múltiples actores: la gestión de permisos con propietarios, instituciones o vigías del patrimonio, patrocinadores, comunidades e instancias públicas.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9d5786ad24.png" alt=""><figcaption>Eskibel durante el trabajo sobre una cancha de baloncesto en Medellín (Instagram/Eskibel).</figcaption></figure>Cada uno de ellos sostiene una visión propia sobre el arte urbano y una apuesta ideológica respecto a los símbolos del espacio público; posturas que regularmente entran en contradicción debido a la diversidad de intereses que puede tener cada actor. Estas interrelaciones en tensión pueden derivar en la instrumentalización del artista, donde termina por cumplir fines ajenos a los que se propone su propio statement.Justamente por ello, en términos metodológicos, mi trabajo pone el acento en las interrelaciones humanas a partir de una pregunta central: ¿qué ha pasado en términos sociales para que yo esté pintando un mural aquí y ahora? Este interrogante me exige un mayor reconocimiento del entorno donde se ubicará la obra, una perspectiva histórica más amplia y la comprensión del sentido que tiene un territorio para provocar el nacimiento de un mural en sus paredes.Ahora bien, esto no significa que exista un consenso absoluto entre las partes sobre la síntesis de imágenes que propongo después de los procesos de negociación, ni es algo que busque.En ocasiones, los murales pueden abrir preguntas indeseadas, o recuerdos que por algunas capas sociales buscan olvidarse; Así que, más bien, lo que propongo es una forma de construir a partir del disenso, esta constituye una oportunidad para formar públicos del arte urbano, donde se permita establecer un procedimiento metodológico para llegar a un símbolo determinado amparado en proceso de investigación creación y participación.En otras palabras, la autoridad curatorial sobre la obra no tendría por qué quedar en manos de personas ajenas al territorio, aun cuando sean estas quienes, en ocasiones, tomen las decisiones económicas o políticas.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DE5AXuuu_pa/"></oembed></figure>Por último, una vez superado el proceso de mediación que implica la curaduría de las imágenes pictóricas, aparece otro factor que puede resultar agobiante: el tiempo. Por lo general, los costos de producción de un mural son elevados, por lo que acortar los cronogramas se ha vuelto una estrategia para optimizar recursos y convocar a una mayor cantidad de artistas. No obstante, esta dinámica compromete la calidad y afecta los procesos de comprensión de cada territorio, derivando en limitaciones técnicas que impiden llevar al límite las capacidades creativas.Al mismo tiempo, puede inducir a la producción de imágenes cliché que se repiten bajo el argumento del «homenaje», «la memoria» o «la vida cotidiana», sin alcanzar una mayor profundidad conceptual y espacio-temporal. Pintar murales decorativos o sin profundidad no es intrínsecamente malo, pero se convierte en un obstáculo cuando reafirma la instrumentalización de los artistas y la mercantilización de los lugares, lo cual obstaculiza la libertad creativa.

Entre_graffiti_sociologia_y_muralismo_la_mirada_de_Eskibel_1_4997a4225e.avif

Entre graffiti, sociología y muralismo: la mirada de Eskibel

Si alguna vez viste de cerca el proceso de creación de un mural, probablemente hayas notado algo extraño: antes de pintar, el artista llena la pared de garabatos.Y no, no lo hace al azar, sino que es parte de una técnica conocida como doodle grid, que ayuda a trasladar bocetos a gran escala.<h2>Doodle grid: por qué los muralistas llenan de garabatos las paredes antes de pintar</h2>Es muy probable que, si alguna vez prestaste atención a cómo los artistas realizan sus murales, hayas notado que antes de comenzar con la pintura final suelen llenar la superficie de líneas, formas, letras y garabatos. Y aunque a simple vista pueda parecer algo hecho al azar, en realidad se trata de una técnica utilizada para trasladar un boceto a gran escala con mayor precisión.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e0bb6afe05.png" alt=""><figcaption>Doodle grid hecho por Martín Ron (Instagram/Martín Ron).</figcaption></figure>Conocida como doodle grid o cuadrícula de garabatos, esta técnica funciona como una especie de mapa visual sobre la pared. El artista cubre previamente la superficie con diferentes referencias, generalmente utilizando un color claro o spray, para después utilizarlas como puntos de orientación mientras reproduce el diseño a mano alzada.A diferencia de una cuadrícula geométrica tradicional, donde la pared se divide en cuadrados para mantener las proporciones, el doodle grid propone una referencia mucho más intuitiva y dinámica. Los garabatos permiten ubicar elementos, calcular proporciones y trasladar partes complejas del boceto sin necesidad de recurrir necesariamente a un proyector.Además, esta técnica resulta especialmente útil cuando se trabaja sobre superficies de gran tamaño o en espacios exteriores donde las condiciones de luz pueden dificultar el uso de proyectores. Una vez que comienza la pintura definitiva, las líneas y formas utilizadas como referencia quedan completamente cubiertas, haciendo que desaparezca ese particular “mapa” que permitió construir el mural.<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" data-instgrm-version="14"><a href="https://www.instagram.com/p/DK-pHTVRJ9w/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Ver publicación en Instagram</a></blockquote></div>De esta manera, lo que para cualquier persona puede parecer una pared llena de garabatos sin sentido funciona en realidad como una herramienta de planificación: una manera más rápida, flexible e intuitiva de conservar las proporciones y trasladar un diseño desde un boceto pequeño hasta una obra de grandes dimensiones.

Artistas_trabajando_sobre_una_cuadricula_de_garabatos_1_c744e154d8.avif

La razón por la que los muralistas hacen garabatos antes de pintar sus obras

Tonas, nahuales, madera de copal y una filosofía basada en compartir y enseñar: así es Jacobo y María Ángeles, uno de los proyectos artesanales más reconocidos de Oaxaca.<h2>Jacobo y María Ángeles: tradición zapoteca, arte y comunidad desde Oaxaca</h2>La escena artística mexicana reúne propuestas que van desde el muralismo y la customización hasta proyectos que buscan preservar técnicas, materiales y tradiciones ancestrales. Y dentro de este último universo aparece Jacobo y María Ángeles, un taller de artesanos y artesanas dedicado principalmente a la elaboración de Tonas y Nahuales tallados en madera de copal.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9327574ca0.png" alt=""><figcaption>El arte del Taller Jacobo &amp; María Ángeles en detalle (Manera Magazine).</figcaption></figure>Con sede en San Martín Tilcajete, Oaxaca, el proyecto funciona desde hace más de treinta años como una escuela de arte y oficios que busca generar oportunidades laborales, reducir la migración y fortalecer el orgullo y el arraigo de los jóvenes por su comunidad, a través de una filosofía construida alrededor de tres principios: compartir lo que tienes, enseñar lo que sabes y hacer algo por tu pueblo.Las Tonas y Nahuales son figuras vinculadas con la tradición zapoteca y constituyen el centro de la producción del taller. A partir del trabajo con la madera de copal, Jacobo y María Ángeles desarrollaron con el paso de los años un estilo propio, basado en la innovación y la reinterpretación de una práctica artesanal que forma parte de la identidad cultural de Oaxaca.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Da-4XYRNSWs/"></oembed></figure>El proyecto nació en un contexto donde la talla de madera tenía poca presencia dentro de la comunidad y la migración hacia Estados Unidos representaba una de las principales alternativas para los jóvenes. Con el crecimiento del taller, el arte se convirtió en una herramienta para generar empleo, transmitir conocimientos y fortalecer el vínculo de las nuevas generaciones con su territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5b5b70359e.png" alt=""><figcaption>Obra creada por Jacobo y María Ángeles (Jacobo y María Ángeles).</figcaption></figure>A su vez, el trabajo del espacio incorpora una fuerte preocupación por el medio ambiente y la regeneración de los recursos naturales. Desde allí, el proyecto también impulsa iniciativas vinculadas con la reforestación, el cuidado del agua, la preservación de semillas y el desarrollo de jóvenes a través del arte, el deporte y la cultura.<h2>Los cinco proyectos que forman parte de Jacobo y María Ángeles</h2>El universo de Jacobo y María Ángeles no se limita a la elaboración de tonas y nahuales. El taller desarrolló cinco proyectos que amplían su trabajo hacia la joyería, la cerámica, la conservación ambiental y la difusión del arte y el diseño local.<ul><li>Taller Jacobo y María Ángeles: espacio dedicado a la producción de tonas y nahuales tallados en madera de copal. A lo largo de su trayectoria, participó en exposiciones, conferencias y concursos en países como México, Estados Unidos, Japón, Alemania, Brasil y España.</li></ul><ul><li>Jacobo y María Ángeles Joyería: surgió en 2011 como una forma de combinar los conocimientos adquiridos en el trabajo de la madera con la incorporación de la plata como nuevo material.</li></ul><ul><li>Mogote: taller de cerámica de alta temperatura dedicado a la producción, experimentación y enseñanza del oficio. El proyecto trabaja a partir de las posibilidades del barro y del vínculo entre las personas y la materia, con especial atención al respeto por la naturaleza.</li></ul><ul><li>Palo que Habla: programa de bioconservación que desarrolla iniciativas como la reforestación anual, la cosecha de agua y la siembra de maíz nativo.</li></ul><ul><li>A Mano: galería dedicada a celebrar y difundir el arte, la artesanía y el diseño local mexicano y latinoamericano.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ed89ad3c0b.png" alt=""><figcaption>María del Carmen Mendoza y Jacobo Ángeles junto a sus trabajos (PuroMerca).</figcaption></figure>De esta manera, Jacobo y María Ángeles construyeron un proyecto que excede la producción artesanal: es también una escuela, una fuente de trabajo, un espacio de transmisión de conocimientos y una herramienta para preservar la identidad cultural y natural de su comunidad.

Maria_del_Carmen_Mendoza_y_Jacobo_Angeles_los_creadores_del_Taller_Jacobo_and_Maria_Angeles_1_05a00a9ec8.avif

El taller mexicano que mantiene viva la tradición zapoteca: Jacobo y María Ángeles

La escultura también puede nacer de aquello que queda fuera del circuito del consumo. Y en la Ciudad de México, Gastón Gallardo, conocido artísticamente como Galo Escultor, encuentra en objetos recuperados una materia prima para construir piezas que invitan a mirar el mundo desde otra perspectiva.<h2>Galo Escultor, una mirada que convierte los objetos en arte</h2>Dentro de la escena artística urbana y contemporánea de México, Gastón Gallardo, conocido en el mundo de la escultura como Galo Escultor o simplemente Galo, construyó una identidad marcada por la experimentación con materiales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2547439625.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure>Egresado de la Universidad Latinoamericana y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, el artista oriundo de la Ciudad de México combina su formación académica con una búsqueda que encuentra inspiración en aquello que muchas veces queda relegado al descarte.Su trabajo parte de la recolección de objetos en mercados y tianguis, elementos que adquieren una nueva lectura cuando pasan por sus manos. En lugar de observarlos únicamente como materiales sin utilidad, Galo los entiende como pequeñas piezas de memoria y vestigios de la vida cotidiana.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Da6geLPtUyi/?hl=es-la"></oembed></figure>A partir de ellos crea esculturas únicas e irrepetibles, en las que aparecen figuras como caballos, peces, aves, rinocerontes, gorilas y tecuanes, entre muchas otras formas.A lo largo de su trayectoria participó en exposiciones individuales y colectivas y llevó sus piezas a distintos espacios culturales de México, entre ellos aparecen el Museo de la Ciudad de México, la Academia de San Carlos, la Biblioteca Vasconcelos y la Bienal de Fotografía de Oaxaca.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_59a87a2d53.png" alt=""><figcaption>Trabajos de Galo Escultor (Galo Escultor).</figcaption></figure>Su obra también se caracteriza por combinar distintos materiales y objetos de uso cotidiano, generando piezas en las que lo encontrado deja de ser simplemente un elemento viejo para convertirse en parte de una composición artística.<h2>Arte, consumo y una segunda vida para los objetos</h2>Detrás de cada pieza existe también una reflexión sobre la manera en que la sociedad produce, consume y descarta. La recuperación de materiales funciona como una forma de cuestionar ese ciclo y demostrar que aquello que perdió su función todavía puede adquirir un nuevo significado.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_918c9ee247.png" alt=""><figcaption>Galo Escultor en pleno proceso creativo (Galo Escultor).</figcaption></figure>Así, Galo explora lo onírico, lo religioso y lo simbólico, utilizando la escultura como una herramienta para hablar sobre el ambiente y la cultura del descarte.Cada creación es, en definitiva, una nueva oportunidad para mirar aquello que normalmente pasa desapercibido: objetos cotidianos que, después de ser encontrados y transformados, pueden convertirse en piezas únicas y volver a tener una historia.

Galo_Escultor_el_artista_que_transforma_lo_descartado_en_piezas_artisticas_8b13d4007e.avif

Galo Escultor, el artista que transforma lo descartado en piezas artísticas

El graffiti mexicano tendrá representación en la novena edición de Kardo de la mano de Nehos, artista urbano nacido en Texcoco que viajará a Vladivostok para representar al país en una de las plataformas internacionales más importantes de la cultura urbana.<h2>Nehos, el artista que construyó su identidad desde el graffiti</h2>Fermín Isaac Núñez Flores, conocido en la escena del arte urbano como Nehos o Nehos One, es un artista urbano, grafitero, muralista, ilustrador y diseñador gráfico nacido en Texcoco, México.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5e57c371f6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el grafitero que dirá presente en Kardo (Nehos).</figcaption></figure>Con casi 20 años de trayectoria dentro de la cultura del graffiti y el arte urbano, encontró en las letras una forma de expresión que comenzó como una inquietud durante su juventud y que, con el paso del tiempo, terminó convirtiéndose en un estilo de vida, una profesión y una disciplina artística.Su recorrido lo llevó a desarrollar una identidad propia, marcada principalmente por el lettering, la construcción tipográfica y la exploración de distintas formas de composición visual.<h2>Letras, lettering y versatilidad: el universo artístico de Nehos</h2>El graffiti es la disciplina principal dentro de la propuesta de Nehos, con especial atención en las letras como uno de los elementos fundamentales de la identidad histórica y cultural del movimiento.Sin embargo, su universo artístico trascendió las paredes y el lettering para explorar diferentes técnicas y disciplinas vinculadas con la comunicación visual.<ul><li>Graffiti: su principal disciplina y el punto de partida de su trayectoria.</li></ul><ul><li>Lettering y tipografía: las letras ocupan un lugar central dentro de su identidad artística.</li></ul><ul><li>Muralismo: llevó su lenguaje visual a intervenciones de mayor escala.</li></ul><ul><li>Ilustración: exploró diferentes recursos gráficos y composiciones.</li></ul><ul><li>Diseño gráfico: disciplina que complementó su formación y amplió su mirada sobre la composición, el color y la comunicación visual.</li></ul><ul><li>Caligrafía: otra de las herramientas que incorporó a su universo creativo.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f7cc18af4f.png" alt=""><figcaption>Obra de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>A lo largo de su trayectoria también participó en festivales, encuentros y proyectos artísticos dentro y fuera de México, con experiencias en países como Colombia, Perú y Brasil.<h2>De las paredes a la formación: la trayectoria profesional de Nehos</h2>La formación académica también tuvo un papel importante en el desarrollo de su lenguaje artístico. Nehos estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Estado de México, una etapa que le permitió profundizar sus conocimientos sobre composición, tipografía, color, imagen y comunicación visual.Además de desarrollar su propia obra, el mexicano participó en diferentes proyectos educativos y formativos, con talleres y actividades destinados a acercar el arte urbano a nuevas generaciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f5eeb9cae4.png" alt=""><figcaption>Trabajo de Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Su recorrido también incluye la organización de experiencias vinculadas con la cultura del graffiti, entre ellas Master Minds, Style War, Letras Urbanas y Graftober, consolidando un perfil que no solo se encuentra detrás de la obra, sino también en la generación de espacios para la escena.<h2>Nehos y la bandera de México en Kardo, el desafío que lo llevará a Rusia</h2>Después de casi dos décadas dedicadas al graffiti y al arte urbano, Nehos tendrá uno de los capítulos más importantes de su carrera durante la novena edición de Kardo, una plataforma internacional que reúne diferentes disciplinas relacionadas con la cultura y los deportes urbanos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_baa35a21b6.png" alt=""><figcaption>Nehos, el mexicano que llevará el graffiti nacional a Rusia (Nehos).</figcaption></figure>El evento se celebrará durante septiembre en Vladivostok, Rusia, y contará con más de 15 disciplinas, entre ellas graffiti, breakdance, parkour, BMX, rap y DJ.Nehos será el embajador de México en la disciplina de graffiti, un reconocimiento a su trayectoria dentro de la escena nacional y una oportunidad para llevar el arte urbano mexicano a una plataforma internacional.El camino hasta Rusia comenzó con una etapa de selección online en la que artistas de diferentes países presentaron sus propuestas. Las participaciones fueron evaluadas por tres jurados internacionales encargados de definir a los representantes de cada disciplina.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f41d664bf.png" alt=""><figcaption>Intervención hecha por Nehos (Nehos).</figcaption></figure>Finalmente, Nehos fue seleccionado para representar a México y se convirtió en el único artista mexicano elegido para esta etapa de la competencia.En Vladivostok compartirá espacio con representantes de diferentes países y buscará llevar la identidad del graffiti mexicano al escenario internacional, demostrando el alcance que puede tener la cultura urbana nacida en las calles de México.

El_artista_mexicano_Nehos_en_accion_durante_una_intervencion_artistica_3ad534f049.avif

¿Quién es Nehos, el artista que representará al graffiti mexicano en Kardo?

El muralismo atraviesa fronteras y encuentra en cada país artistas capaces de convertir sus paredes en espacios de identidad y expresión, y en Jamaica, uno de esos nombres es el de Daniel Sekani.<h2>El muralismo también encuentra su lugar en Jamaica</h2>El muralismo es una disciplina que atraviesa fronteras y encuentra representantes en distintos rincones del mundo. En Jamaica, uno de ellos es Sekani Daniel, artista dedicado al muralismo y a documentar la cultura de su país a través de sus intervenciones.Su vínculo con las paredes comenzó en 2019, cuando realizó su primer mural en Frankie Music Studio. Aquel trabajo también fue su primera experiencia profesional dentro de la disciplina y terminó marcando el inicio de un camino que continúa hasta la actualidad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_20660837d8.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en Saint Andrew, Jamaica (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>“Comencé a pintar paredes en el verano de 2019. Fue la primera vez que pinté un mural y también mi primer trabajo de este tipo en Frankie Music Studio”, recuerda el muralista jamaiquino, quien tiene como objetivo principal documentar la cultura y transmitir buenas energías con sus intervenciones.Después de aquella primera experiencia, los trabajos comenzaron a llegar y Sekani decidió continuar por el camino del arte urbano. Lo que inicialmente no estaba necesariamente pensado como un proyecto de largo plazo terminó convirtiéndose en una parte central de su recorrido artístico.<h2>El corazón jamaiquino, la inspiración detrás de sus murales</h2>Con el paso del tiempo, muchos artistas encuentran en determinados temas, lugares o elementos culturales una fuente constante de inspiración. Para Sekani, esa identidad tiene un origen claro: Jamaica.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYdNQYqlnh2/"></oembed></figure>El propio muralista define su eje creativo a través de una expresión tan breve como contundente: “Jamaican heart”. Esa conexión aparece en su manera de entender el muralismo y en una producción que busca documentar la cultura y transmitir una energía positiva.Su trabajo puede tomar elementos vinculados a la identidad jamaicana y trasladarlos a paredes y espacios comunitarios, convirtiendo el mural en una herramienta para representar aquello que forma parte de su propia cultura.<h2>Pintura, comunidad y redes sociales: el trabajo de Sekani</h2>Más allá de la temática, el proceso de Sekani también está marcado por una metodología sencilla: pintura acrílica y pinceles como principales herramientas para llevar sus diseños a las paredes.Para sus trabajos, primero conversa con los clientes para entender qué necesitan y luego desarrolla un diseño que atraviesa distintas revisiones antes de llegar a la pared. En los proyectos de embellecimiento comunitario, además, busca espacios centrales y trabaja junto con los vecinos para ponerlos en marcha.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4667545e87.png" alt=""><figcaption>Obra de Sekani en las calles de Kingston (Instagram/Sekani).</figcaption></figure>Las redes sociales también ocupan un lugar importante en su recorrido. Para Sekani, fueron su principal punto de contacto con potenciales clientes, convirtiéndose en una herramienta fundamental para mostrar sus murales y conseguir nuevas oportunidades.Pero su recorrido no solo estuvo marcado por la llegada de nuevos trabajos, sino también por una evolución constante detrás del pincel. El propio artista reconoce que cuando comenzó todavía no sabía pintar realmente y que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas herramientas y perfeccionando su técnica.Hoy, esa evolución continúa en cada pared que interviene. Un mural a la vez, Sekani construye su identidad artística mientras sigue explorando las posibilidades de representar la cultura jamaicana a través del arte urbano.

El_muralismo_jamaiquino_en_las_manos_de_Sekani_1_5440971019.avif

El muralismo jamaiquino en las manos de Sekani

La nueva cancha de Clutch Basket llegó con una sorpresa en sus paredes: un gigantesco mural de Maxi Bagnasco que rinde homenaje a las principales figuras de la Generación Dorada.<h2>Maxi Bagnasco homenajeó a la Generación Dorada con un mural en la nueva cancha de Clutch Basket</h2>La nueva cancha de Clutch Basket, uno de los principales puntos de encuentro del básquet en la Ciudad de Buenos Aires, en colaboración con Duki, sumó una intervención artística que rápidamente captó la atención de los fanáticos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Db6gL4cSxw4/?hl=es-la"></oembed></figure>En una de las paredes del espacio, el muralista argentino Maxi Bagnasco plasmó los rostros de algunas de las máximas figuras de la historia del básquet argentino.La obra funciona como un homenaje a la denominada Generación Dorada, con las figuras de Pepe Sánchez, Fabricio Oberto, Luis Scola, Emanuel Ginóbili, Andrés Nocioni, Carlos Delfino y Pablo Prigioni como protagonistas de la intervención.“Así pinté Clutch x Duki, un mural para homenajear a La Generación Dorada. Gracias a la gente de Clutch por volver a confiar en mi trabajo y por dejarme llevar este proyecto a mi manera”, escribió el muralista argentino en sus redes sociales acompañado de un posteo con imágenes del proceso de la intervención.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_771e6d4bae.png" alt=""><figcaption>El primer mural de Clutch Basket hecho por Maxi Bagnasco (Instagram/Maxi Bagnasco).</figcaption></figure>La intervención también marcó una nueva colaboración entre Bagnasco y Clutch Basket. El artista ya había dejado su huella en el proyecto creado por Grego Rossello cuando realizó el mural que acompaña a la cancha central y que reúne a algunas de las figuras más importantes de la historia del básquet mundial: Kobe Bryant, Emanuel Ginóbili, Michael Jordan, LeBron James, Allen Iverson y Stephen Curry.

El_homenaje_artistico_de_Maxi_Bagnasco_a_la_Generacion_Dorada_en_Clutch_Basket_1_cad0e5d543.avif

Maxi Bagnasco llevó a la Generación Dorada a las paredes de Clutch Basket

El arte urbano volverá a tomar Cerro Polanco con la segunda edición de Barrio en Capas, un festival que reunirá a más de 30 artistas de stencil en la comuna de Valparaíso.<h2>Stencil, pintura y comunidad: así será la segunda edición de Barrio en Capas</h2>El Cerro Polanco de Valparaíso se prepara para convertirse, nuevamente, en el punto de encuentro para el arte urbano. Del jueves 3 al martes 8 de septiembre, el territorio recibirá la segunda edición del Festival Barrio en Capas, una iniciativa que nació del trabajo colaborativo entre artistas y organizaciones de distintas ciudades de Chile.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3f4b7ee462.png" alt=""><figcaption>Obra de stencil hecha durante el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure>El encuentro busca impulsar el stencil como una forma de expresión artística urbana en diálogo con la comunidad, el paisaje y el patrimonio, además de generar espacios de encuentro y formación para artistas de distintas generaciones.La segunda edición contará con 34 artistas de stencil confirmados: 15 provenientes de Chile y otros 19 llegados desde distintos países de Latinoamérica, entre ellos Argentina, Colombia, Brasil, Ecuador y México.Además de las jornadas de pintura, el festival tendrá workshops, seminarios, exposiciones gráficas, charlas y otros espacios formativos que buscarán acercar la disciplina a la comunidad y abrir nuevas posibilidades para quienes encuentran en el corte y la superposición de capas una forma de expresión.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DOtGUMAEdm5/"></oembed></figure><h3>La programación de Barrio en Capas</h3><ul><li>3 de septiembre: acto inaugural.</li></ul><ul><li>Del 4 al 6 de septiembre: jornadas de pintura stencil.</li></ul><ul><li>7 de septiembre: talleres y charlas.</li></ul><ul><li>8 de septiembre: cierre con ponencias e intercambio gráfico.</li></ul>Barrio En Capas se presenta así como un festival que emerge del muro y la comunidad para reunir a exponentes del stencil de Chile y el mundo en torno al arte urbano comunitario.<h2>Valparaíso y Cerro Polanco: el vínculo que sostiene al festival</h2>Cerro Polanco y Valparaíso fueron elegidos como escenarios naturales del festival por su vínculo con el arte urbano y por el valor patrimonial que caracteriza al territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_cf70bf9bb0.png" alt=""><figcaption>Artista dejando su huella con stencil en el Festival Barrio en Capas (Barrio en Capas).</figcaption></figure>En particular, Cerro Polanco cuenta con calles, pasajes y fachadas intervenidos de manera respetuosa con la comunidad, que hoy forman parte de un recorrido visual dedicado al stencil.En las cercanías del Ascensor Polanco, declarado Monumento Nacional, se encuentra la Galería a Cielo Abierto del Stencil, un espacio que actualmente reúne más de 40 hitos de stencil distribuidos.El cerro también cuenta con una extensa historia vinculada al arte urbano. En el año 2012 fue sede del Graffestival, una experiencia que dejó una huella internacional a través de murales y graffiti, mientras que en 2023 el festival Bajando Polacán volvió a activar rutas muralistas en el sector.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_71e55ab7a8.png" alt=""><figcaption>Artistas trabajando en las calles del Cerro Polanco (Barrio en Capas).</figcaption></figure>En este contexto, Barrio en Capas busca continuar ampliando ese legado y consolidar a Cerro Polanco como un espacio de referencia para la exhibición y el desarrollo del stencil en Chile.<h2>De las intervenciones en Cerro Polanco al nacimiento de Barrio en Capas</h2>El Festival Barrio en Capas surgió en el año 2025 a partir del trabajo mural desarrollado en Cerro Polanco y del encuentro entre distintas voluntades vinculadas al arte urbano.La iniciativa nació con la intención de reunir a destacados exponentes del stencil, generar redes de asociatividad y acercar esta disciplina a la comunidad del cerro.Desde entonces, el festival propone mucho más que jornadas de pintura: busca generar instancias de colaboración, formación e intercambio entre artistas, organizaciones y vecinos, utilizando el stencil como punto de encuentro.La segunda edición continuará ese camino con la participación de artistas chilenos e internacionales y una programación que combinará intervenciones, talleres, exposiciones, charlas y espacios de intercambio gráfico.

Stencil_como_protagonista_de_Barrio_En_Capas_1_04a159bbfb.avif

Valparaíso vuelve a ser escenario del stencil con la segunda edición de Barrio en Capas

Desde su primera edición en Bogotá hasta su desembarco internacional en Quito, Cuestión de Carácter Fest construyó una historia marcada por artistas, personajes y muros colectivos.<h2>¿Qué es Cuestión de Carácter Fest, el festival que convirtió los caracteres en protagonistas?</h2>Cuestión de Carácter Fest se convirtió no solo en uno de los festivales de arte urbano más importantes de Bogotá, ciudad donde nació, sino también en una propuesta que dejó su huella a lo largo y ancho de Colombia y en distintos puntos de Latinoamérica.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e4188f9f7d.png" alt=""><figcaption>Los primeros trazos de Cuestión de Carácter Fest (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure>Liderado por los artistas colombianos Lady Rayo y Franco, el festival reúne a cientos de creadores nacionales e internacionales bajo una misma premisa: levantar un muro colectivo repleto de los caracteres más representativos de la región. De esta manera, se consolidó como uno de los encuentros artísticos más destacados del calendario urbano de Bogotá.<h2>La historia de Cuestión de Carácter Fest, edición por edición</h2><h3>El comienzo en Bogotá</h3>La historia de Cuestión de Carácter Fest comenzó en diciembre del año 2022, cuando su primera edición llegó al centro de Bogotá. Artistas locales, colaboradores e invitados internacionales intervinieron una obra sobre una culata compuesta por una colección de caracteres icónicos a todo color y una pared paralela con los mismos personajes bajo una temática en blanco y negro. Ambas intervenciones se convirtieron en un espacio referente de la ciudad y marcaron el nacimiento del festival.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DS43SdujgrB/"></oembed></figure><h3>Más de 250 artistas en el Parque de los Novios</h3>Tres años después, Cuestión de Carácter Fest tuvo su segunda edición en el Parque de los Novios. La jornada reunió a más de 250 muralistas, ilustradores y creadores provenientes de distintos puntos de la región, quienes dejaron su huella en la ciudad a través de una nueva construcción colectiva de personajes y estilos.<h3>Fiesta de Personajes: una celebración en tres momentos</h3>Entre las producciones especiales del festival apareció “Fiesta de Personajes”, una propuesta dividida en tres momentos: fiesta, concierto y after party. La intervención se construyó alrededor del concepto del llamado del muro, con espacios libres en los que cada personaje podía acomodarse a la situación que eligiera, jugando con la identidad de los caracteres y el contexto en el que eran representados.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_2d8e2e5427.png" alt=""><figcaption>Muro de Bogotá repleto de caracteres (Cuestión de Carácter Fest).</figcaption></figure><h3>La Última Farra: una reinterpretación de La Última Cena</h3>Otra de las producciones especiales fue La Última Farra, una reinterpretación de “La Última Cena” llevada al contexto actual. En esta versión, la mesa se convirtió en el escenario central y estuvo acompañada por objetos y elementos cotidianos que ayudaron a construir una representación cargada de identidad y complicidad.<h3>Cuestión de Carácter llegó a Barranquilla</h3>La quinta edición, celebrada en mayo de 2026, marcó un nuevo capítulo para el festival al salir de Bogotá y aterrizar en Barranquilla. La jornada reunió a grafiteros, ilustradores y creadores de personajes de Barranquilla, Cartagena, Santa Marta y distintos puntos de la costa, mientras que los caracteres plasmados en el muro incorporaron elementos propios de la escena caribeña, como palmeras, tiburones y gafas oscuras.<h3>El festival cruzó las fronteras de Colombia y aterrizó en Quito</h3>En junio de 2026, Cuestión de Carácter Fest dio uno de sus pasos más importantes al realizar su primera edición internacional en Quito, Ecuador. El desembarco significó un desafío para el festival al salir de su zona de confort y trasladar su concepto a un nuevo territorio, donde más de 50 artistas invitados llevaron la idea del muro lleno de caracteres a la capital ecuatoriana. Además de la intervención colectiva, la propuesta contó con una exposición de serigrafías y lienzos, batalla de caracteres y jornadas de estampado, entre otras actividades.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZklELBOuSi/"></oembed></figure>

El_primer_muro_colectivo_de_Cuestion_de_Caracter_Fest_1_9762682337.avif

De Bogotá a Latinoamérica: la historia de Cuestión de Carácter Fest

Toda escena artística tiene figuras que encuentran su identidad en una disciplina, pero también existen quienes deciden explorar distintos lenguajes, y en la Ciudad de México, Rodrigo Roji construyó una propuesta donde el tatuaje, el arte y el diseño conviven bajo una misma identidad.<h2>Rodrigo Roji y una identidad que cruza distintas disciplinas</h2>Nacido en 1990 y oriundo de Ciudad de México, Rodrigo Roji es un artista visual especializado en tatuaje de línea fina que también desarrolló trabajos vinculados a la pintura y la escultura, bajo una propuesta que se expande más allá de la piel y encuentra diferentes espacios dentro de la escena artística mexicana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8ca3326281.png" alt=""><figcaption>Rodrigo Roji, el talentoso artista de Ciudad de México (Instagram/Rodrigo Roji).</figcaption></figure>Su recorrido lo llevó a ser invitado a tatuar en Bang Bang, uno de los estudios más reconocidos de Nueva York, además de colaborar con compañías mundialmente populares de la talla Apple, adidas, Nike, Corona y New Era.<h2>RARR, el universo de coleccionables de Rodrigo Roji</h2>Uno de los proyectos que amplió el universo creativo de Roji es RARR, una propuesta de juguetes coleccionables que combina diseño, cultura popular y arte urbano. Las piezas están realizadas en vinilo y, en muchos casos, son ediciones limitadas, con diseños toman referencias de diferentes mundos.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DJHiMZrNKY2/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure><ul><li>Arte urbano y cultura popular.</li></ul><ul><li>Lucha libre.</li></ul><ul><li>Deporte y básquet.</li></ul><ul><li>Streetwear y diseño contemporáneo.</li></ul>El proyecto también permitió colaboraciones con nombres como Los Diablos Rojos, NBA y Adidas Originals, consolidando el vínculo del artista con diferentes espacios de la cultura urbana.<h2>Del tatuaje al streetwear: la expansión del universo de Rodrigo Roji</h2>La exploración de Roji también llegó a la moda con Sad Boy, una línea de ropa y streetwear que reúne prendas y elementos vinculados a su universo visual. Si bien figura temporalmente cerrado en sus canales oficiales, el proyecto también forma parte del recorrido que demuestra la amplitud de su propuesta artística.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_dd8be02d98.png" alt=""><figcaption>La colaboración entre Rodrigo Roji y New Era (New Era).</figcaption></figure>Roji es además el creador de Not a Gallery, un estudio de tatuaje y galería de arte que funciona como punto de encuentro entre distintas disciplinas.Entre tatuajes, esculturas, pinturas, coleccionables y diseño, Rodrigo Roji construyó una identidad que evita quedar encerrada en una única disciplina y conecta diferentes expresiones de la cultura contemporánea.

Rodrigo_Roji_un_artista_entre_tatuajes_pintura_y_escultura_dc95f6d10e.avif

Rodrigo Roji, un artista entre tatuajes, pintura y escultura

No todas las obras requieren las mismas herramientas de trabajo. El tamaño, la superficie y el estilo del mural pueden determinar si conviene utilizar aerosol, rodillo o pincel, y desde Street Art Latam te acercamos una guía para conocer cuál es la indicada para cada obra.<h2>Aerosol: precisión, color y libertad para crear</h2>El aerosol es una de las herramientas más asociadas al arte urbano y resulta especialmente útil cuando se buscan líneas definidas, degradados, detalles y una mayor libertad para trabajar sobre grandes superficies. El hecho de utilizar aerosol también permite superponer colores y crear diferentes efectos según el tipo de boquilla utilizada.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_41498d6a95.png" alt=""><figcaption>Persona utilizando un spray como herramienta de trabajo (Felicity Tai).</figcaption></figure>Para murales de estética urbana, graffiti o composiciones que requieren precisión y variedad de trazos, el aerosol suele ser una de las opciones más versátiles y elegidas.<h2>Rodillo: la mejor opción para cubrir grandes superficies</h2>El rodillo es una herramienta ideal para cubrir grandes superficies de manera rápida y uniforme. A diferencia del aerosol o el pincel, la principal ventaja del rodillo está en la cantidad de pintura que permite aplicar en poco tiempo, por lo que suele utilizarse para fondos, bases de color y zonas amplias del mural.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8605ed7d25.png" alt=""><figcaption>Rodillo, herramienta ideal para cubrir grandes superficies (Tima Miroshnichenko).</figcaption></figure>Además, puede combinarse con otras herramientas: por ejemplo, utilizar un rodillo para construir el fondo y después recurrir al aerosol o al pincel para sumar detalles, contornos y elementos más pequeños.<h2>Pincel: el aliado para los detalles y las terminaciones</h2>El pincel permite trabajar con mayor precisión y control, por lo que resulta especialmente útil para detalles, líneas finas, terminaciones y pequeñas zonas que requieren una aplicación más cuidadosa de la pintura.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_995c5660d9.png" alt=""><figcaption>Detalles hechos con pincel en un mural (K).</figcaption></figure>También puede ser una buena opción cuando el mural incorpora técnicas más cercanas a la pintura tradicional o cuando se busca trabajar con diferentes texturas y grosores de trazo. Al igual que el rodillo, puede combinarse con aerosol para conseguir diferentes acabados dentro de una misma obra.<h2>¿Aerosol, rodillo o pincel: cuál es mejor para pintar un mural?</h2>No existe una única herramienta ideal: la elección depende del tamaño del mural, la superficie, el tipo de pintura y el resultado que se busca conseguir.<ul><li>Aerosol: muy bueno para líneas, detalles, degradados, contornos y estética ligada al graffiti.</li></ul><ul><li>Rodillo: excelente para cubrir superficies grandes y aplicar fondos o bases de manera rápida y pareja.</li></ul><ul><li>Pincel: más indicado para detalles, terminaciones, líneas precisas y trabajos que requieren mayor control.</li></ul>En muchos casos, además, las tres herramientas pueden utilizarse dentro de una misma obra para aprovechar las ventajas de cada una.

Pincel_una_de_las_herramientas_claves_para_la_realizacion_de_un_mural_518becfa47.avif

Aerosol, rodillo o pincel: ¿qué herramienta usar para pintar un mural?

Óscar Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más reconocidos de Latinoamérica gracias a un estilo completamente fuera de lo convencional: crear murales utilizando tapitas de botellas recicladas.<h2>Óscar Olivares, el venezolano que transformó el reciclaje en arte</h2>Dentro de la escena del arte urbano latinoamericano existen artistas que, con el paso del tiempo, terminan especializándose en un tipo de obra capaz de marcar su estilo y distinguirlos del resto. Desde Mode Orozco, el muralista mexicano que inmortaliza a ídolos del deporte latinoamericano, pasando por Luis Morales, el artista peruano vinculado a la cultura pop y la figura del león, hasta decenas de casos más repartidos a lo largo y ancho del continente que han logrado adueñarse de un estilo y convertirlo en propio, distinguiéndose y marcando tendencia por sobre el resto.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_d01d8d64e8.png" alt=""><figcaption>El arte de Óscar Olivares en acción (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Y en Venezuela existe un artista que logró marcar tendencia con una manera de crear arte completamente fuera de lo convencional, dejando de lado la pintura tradicional para transformar residuos plásticos en auténticas obras monumentales.Ese es el caso de Óscar Olivares, el venezolano que conquistó el mundo a través de intervenciones creadas con tapitas de botellas recicladas.Nacido en Caracas, Olivares se convirtió en uno de los artistas visuales más populares del territorio venezolano gracias a un estilo marcado por la creación de murales y obras utilizando tapas plásticas como principal herramienta artística. Con huella en más de veinte países, el venezolano realizó intervenciones en gran parte de Venezuela y también en destinos internacionales de la talla de Miami, Houston, Denver, Madrid, Santo Domingo y Kuala Lumpur, construyendo una propuesta artística que logró trascender fronteras gracias a la combinación entre muralismo y reciclaje.Con un vínculo relacionado al arte desde la adolescencia —cuando con apenas 14 años comenzó a dibujar a figuras del fútbol venezolano—, el caraqueño fue construyendo una carrera que no solo lo posicionó como un emblema del arte urbano en Venezuela, sino también como uno de los máximos exponentes del muralismo ecológico a nivel continental. A lo largo de su trayectoria realizó exposiciones locales e internacionales, recibió distintos reconocimientos y dejó murales tanto en Venezuela como en Estados Unidos, donde incluso cuenta con una obra en Hollywood considerada como el primer mural venezolano de la zona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c3d0a47cae.png" alt=""><figcaption>Óscar Olivares y la Gioconda latinoamericana, una de sus obras más reconocidas (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Con el correr de los años, el venezolano terminó ampliando un currículum artístico que hoy lo tiene convertido en uno de los grandes referentes internacionales del arte con material reciclado, llevando su sello basado en tapitas de botellas a distintos rincones del planeta y fusionando muralismo, conciencia ecológica y participación comunitaria en una misma obra.<h2>El olimpo artístico de Óscar Olivares</h2>Todo artista cuenta con una especie de Olimpo de obras seleccionadas, no solo por haber marcado un antes y un después dentro de su carrera, sino también por la relevancia, la magnitud y el impacto que alcanzaron dentro de su currículum artístico. Y, por supuesto, Óscar Olivares también posee dicha sección dentro de su repertorio creativo.<ul><li>L’Italia a casa nostra: mural realizado con más de 180.000 tapas de botellas recicladas en la Casa D’Italia de Maracaibo, Venezuela, inspirado en la arquitectura italiana del Coliseo y en esculturas emblemáticas como La Piedad y el David de Miguel Ángel.</li></ul><ul><li><a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/la-nueva-gioconda-hecha-con-100-000-tapas-en-el-salvador/1796">La Gioconda latinoamericana</a>: obra creada utilizando más de 100.000 tapas de plástico recicladas en el barrio de Zacamil, El Salvador, que representa a una mujer de rasgos latinos, cabello negro, vestido colorido, pendientes dorados y una mirada penetrante que remite a la icónica expresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.</li></ul><ul><li>Noche estrellada de Plástico: pieza artística realizada con 1.500 tapas recicladas y expuesta en el Carrousel du Louvre de París, reinterpretando la clásica obra de Vincent van Gogh desde una mirada ecológica y contemporánea.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_6ded3aa8e8.png" alt=""><figcaption>Noche estrellada de Plástico de Óscar Olivares (Instagram/Óscar Olivares).</figcaption></figure>Más allá de la magnitud visual de cada mural, el trabajo del venezolano logró convertir residuos cotidianos en obras capaces de recorrer el mundo y generar conciencia ambiental desde el arte urbano. Un sello artístico que terminó posicionando a Óscar Olivares como uno de los máximos referentes internacionales del muralismo ecológico contemporáneo.

Tapas_de_botellas_como_elemento_clave_en_el_arte_de_Oscar_Olivares_1_d81665c9a0.avif

El artista que transforma tapitas de botellas en increíbles murales

El legado del Indio Solari sumó un nuevo capítulo en el universo del muralismo con la inauguración del mural más grande dedicado al histórico músico argentino. Ubicada en el municipio de Almirante Brown, provincia de Buenos Aires, la intervención reúne referencias a sus discos más emblemáticos y a toda su carrera artística, desde su etapa como solista hasta el éxito al mando de Los Redondos.<h2>El monumental homenaje al Indio Solari en las calles de Almirante Brown</h2>A poco más de un mes de la partida de Indio Solari, el legado del histórico cantante argentino continúa expandiéndose a través del arte urbano con homenajes que repasan no solo su figura, sino también algunas de las obras más importantes de su carrera.Y una de las intervenciones más destacadas fue inaugurada frente al Polideportivo de Ministro Rivadavia, en la intersección de 25 de Mayo y Quiroga, en el municipio de Almirante Brown, donde quedó plasmado el mural más grande realizado hasta el momento en honor al exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_9e9a0b9e0d.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure>Con una superficie de 530 metros cuadrados, la intervención fue realizada por los artistas Heber Martínez, Gabo Luna, Eki Besada y Gustavo Alderete, con la colaboración de Roger Oner y del equipo integrado por Sebastián, Cocco, Karina y Cristina, bajo la coordinación de TiN y la dirección artística de Nicolás Vicente. La obra propone un recorrido visual por distintas etapas de la trayectoria del músico, convirtiéndose en un verdadero homenaje a una de las figuras más influyentes de la historia del rock argentino.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/guido-palmadessa-la-mirada-de-un-artista-argentino-en-alemania/1677">Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania</a><ul><li>“Oktubre”</li></ul><ul><li>“Luzbelito”</li></ul><ul><li>“Lobo Suelto, Cordero Atado”</li></ul><ul><li>“Último Bondi a Finisterre”</li></ul><ul><li>“¡Bang! ¡Bang!... Estás Liquidado”</li></ul><ul><li>“Un baion para el ojo idiota”</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaaWPvtR0RV/?hl=es-la"></oembed></figure>El homenaje no se limita únicamente a su etapa junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La intervención también repasa su carrera como solista mediante referencias a discos como “Porco Rex”, “El perfume de la tempestad y Pajaritos” y “Bravos muchachitos”, entre otras obras, reflejando las distintas etapas que marcaron el recorrido artístico del músico.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_56cfd48d52.png" alt=""><figcaption>Parte del mural en homenaje al Indio Solari en Almirante Brown (Instagram/TiN).</figcaption></figure>El punto central de la obra está protagonizado por un imponente retrato del propio Indio Solari durante uno de sus conciertos. Allí aparece con los brazos abiertos, en una pose que remite a una figura casi religiosa, acompañado por sus inconfundibles gafas oscuras, una camisa verde y la inscripción &quot;Indio&quot; en grandes letras negras detrás de su figura. Una imagen que sintetiza el vínculo entre el artista y miles de seguidores, transformando el mural en un nuevo punto de encuentro para fanáticos, vecinos y amantes del arte urbano.

El_monumental_homenaje_al_Indio_Solari_en_las_calles_de_Almirante_Brown_1_d1ccb878a5.avif

El mural más grande dedicado al Indio Solari ya puede visitarse en Almirante Brown

Con casi dos décadas dedicadas al arte urbano, Adry del Rocío logró construir una identidad propia a través de murales hiperrealistas y composiciones en 3D que trascendieron las fronteras de México y la consolidaron en un emblema nacional.<h2>Murales monumentales, ilusiones ópticas y una gloriosa trayectoria: el universo artístico de Adry del Rocio</h2>En el movimiento artístico mexicano existe un sinfín de propuestas que llenan de color, identidad y creatividad los espacios públicos a lo largo y ancho del país. Desde artistas que encuentran en el deporte su principal fuente de inspiración hasta aquellos que convierten las luchas sociales y los derechos humanos en el eje de sus obras, el arte urbano de México se ha consolidado como uno de los más diversos y vibrantes de la región.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0f8493557e.png" alt=""><figcaption>Adry del Rocío participando en una de sus intervenciones artísticas (Adry del Rocío).</figcaption></figure>Y en ese universo de estilos y expresiones aparece una propuesta capaz de desafiar la percepción del espectador. Se trata de <a href="https://www.instagram.com/adrydelrocio/?hl=es">Adry del Rocío</a>, una artista mexicana que, gracias a su dominio del arte urbano hiperrealista y las intervenciones en 3D, logró posicionarse como una de las principales referentes del muralismo contemporáneo tanto a nivel nacional como internacional.Con una trayectoria respaldada por premios locales, nacionales e internacionales, exposiciones en ciudades de México, Estados Unidos, Cuba y España, además de colaboraciones con marcas como Disney, Adidas y Nike, la artista ha dejado su huella en distintos rincones del mundo. Sus obras pueden encontrarse en países como Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Brasil, Alemania, Dinamarca e Israel, consolidando una carrera que la convirtió en una de las máximas exponentes mexicanas del arte 3D.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_5cfbf29f6a.png" alt=""><figcaption>La obra “Sembrando paz” de Adry del Rocío (Street Art Cities).</figcaption></figure>Su sello distintivo son los murales hiperrealistas realizados bajo una técnica que genera monumentales ilusiones ópticas en dos y tres dimensiones, creando composiciones que interactúan con el entorno y cobran vida desde determinados ángulos de observación.Te podría interesar: <a href="https://app.asana.com/1/1207780990286869/project/1207781072078469/calendar/1207781407573130">El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua</a>Nacida en Guadalajara, Jalisco, Adry del Rocío comenzó su formación artística desde muy pequeña. A los diez años inició sus estudios formales de arte y, seis años más tarde, obtuvo su diplomado en Artes Plásticas. Y el año 2008 dio sus primeros pasos en el mundo del arte urbano, disciplina en la que lleva casi dos décadas de trayectoria y que la ha llevado a intervenir espacios públicos y privados en distintos países, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas de la escena mexicana.<h2>El arte de Adry del Rocío y una trayectoria que recorrió distintos países</h2>Hablar de la trayectoria de Adry del Rocío implica recorrer decenas de proyectos, murales y colaboraciones alrededor del mundo. Con casi dos décadas de carrera y una producción artística que atraviesa distintos países y culturas, resulta difícil elegir una obra que represente su legado. Sin embargo, una de las piezas que más repercusión ha generado en los últimos años es “Vuelo Sororo”, un mural ubicado en las calles de la Ciudad de México.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_131d13536a.png" alt=""><figcaption>“Vuelo Sororo”, uno de los tantos murales de Adry del Rocío en la Ciudad de México (Street Art Cities).</figcaption></figure>La intervención destaca por su monumentalidad y por el sello artístico que caracteriza a la muralista mexicana. La obra presenta dos figuras femeninas rodeadas por una vibrante paleta de tonos violetas, rosas y naranjas, acompañadas por mariposas y una serie de manos que aportan profundidad y dinamismo a la composición. El resultado es una pieza que dialoga con el espacio urbano y que refleja la capacidad de Adry del Rocío para combinar el hiperrealismo con elementos simbólicos y juegos de perspectiva.Aunque “Vuelo Sororo” se convirtió en una de las obras más reconocidas de su repertorio reciente, lo cierto es que representa apenas una parte de una carrera artística construida a través de intervenciones en distintos rincones del mundo. A lo largo de los años, la muralista ha dejado su huella en países como:<ul><li>México.</li></ul><ul><li>Estados Unidos.</li></ul><ul><li>Canadá.</li></ul><ul><li>Colombia.</li></ul><ul><li>Brasil.</li></ul><ul><li>Alemania.</li></ul><ul><li>Italia.</li></ul><ul><li>Suecia.</li></ul><ul><li>Emiratos Árabes Unidos.</li></ul><ul><li>Inglaterra.</li></ul><ul><li>Letonia.</li></ul>Una trayectoria internacional que, sumada a sus exposiciones, reconocimientos y colaboraciones con importantes marcas, la posiciona como una de las grandes referentes del arte urbano mexicano contemporáneo y una artista con un currículum a la altura de las figuras más destacadas de la escena latinoamericana.

El_arte_tridimensional_de_Adry_del_Rocio_1_5f604f1c06.avif

Adry del Rocío, la artista que llevó el muralismo 3D a las calles del mundo

Para Lidia Gómez, el arte no siempre necesita un marco o un museo cerrado. Su incursión en el arte efímero, que incluye dibujos gigantes en la arena y esculturas de agua, responde a una conexión espiritual con el entorno de San Antonio Oeste, Río Negro. Aunque la marea borre sus trazos, la tecnología se encarga de que el impacto permanezca en la memoria colectiva a través de la fotografía y el video.&quot;Mi obra es algo versátil que te emociona para siempre&quot;, define. Esta práctica funciona como una ofrenda a la naturaleza donde el desapego es parte del proceso creativo. Ella prioriza la vivencia y el mensaje ecológico por sobre la comercialización del objeto artístico tradicional.<h3>De la Patagonia al mundo</h3>Uno de los hitos más recientes en su carrera es la nominación de su mural &quot;Polen del Futuro&quot; al ranking mundial de la plataforma Street Art Cities. La obra muestra a una abeja con una máscara antigás, lo que representa una crítica directa al uso de los agroquímicos. En julio del año pasado, esta pieza logró posicionarse entre las 10 mejores del planeta.&quot;Esa obra marcó un antes y un después por su repercusión significativa&quot;, afirma Lidia sobre el reconocimiento. Para ella, el muralismo es un lenguaje complejo que narra historias y requiere una planificación técnica que va mucho más allá de un simple dibujo en la pared.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_27b394946f.png" alt=""><figcaption>&quot;Polen del Futuro&quot;.</figcaption></figure><h3>La mentoría francesa que rompió el bastidor</h3>La artista pintaba cuadros pequeños hasta que un gestor cultural del Museo de Aquitania en Burdeos descubrió su trabajo en las redes sociales. Este encuentro cambió su perspectiva de la escala. El desafío de pintar los barcos pesqueros en formatos monumentales la empujó a salir del taller y conquistar la vía pública.&quot;El gran formato impacta al espectador porque la obra es gigante&quot;, explica la autora sobre su transición al muralismo. Esta etapa le permitió realizar residencias artísticas en Europa y sumarse al Movimiento Internacional de Muralistas Italo-Graci, lo cual conectó su identidad patagónica con los circuitos internacionales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_46b589d777.png" alt=""><figcaption>Crear desde el territorio y dialogar con el mundo.</figcaption></figure><h3>Esculturas bajo el agua y fe de cemento</h3>El hecho de ser versátil la llevó a crear la Virgen Stella Maris, una escultura de casi una tonelada que descansa en el fondo del mar en Las Grutas. El desafío técnico fue extremo, ya que utilizó cemento de pH neutro para no dañar el ecosistema marino y diseñó una estructura capaz de resistir las mareas patagónicas más violentas.&quot;Me consagré como escultora el día que pasó la primera tormenta y la obra siguió ahí&quot;, recuerda con orgullo. Esta pieza no solo es un icono religioso, sino un arrecife artificial que interactúa con la fauna local, lo que logra fusionar el arte con la biología.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DTqoqGmAWw_/?hl=es-la"></oembed></figure><h3>El artista como científico y albañil</h3>Lidia defiende una visión de la profesión como un trabajo multifacético. En un entorno con escasez de materiales, ella aprendió a ser su propia gestora cultural y a dominar herramientas que van desde la motosierra hasta el software de edición. Su formación técnica le otorga una mirada pragmática sobre la producción de la obra.&quot;Los artistas somos un poco científicos, electricistas y albañiles&quot;, sostiene para describir la complejidad de su oficio. Para ella, el arte urbano en Latinoamérica hoy se equipara con el resto del mundo gracias a esta capacidad de adaptación y a una identidad visual muy marcada por el paisaje del sur.<h3>La nueva galería global</h3>La tecnología no es un accesorio, sino una herramienta central en su labor diaria. Sus dibujos de Lionel Messi y el Papa Francisco durante el Mundial de Qatar se volvieron virales y transformó sus intervenciones en la playa en un clásico esperado por la comunidad digital.&quot;Las redes influyen y a veces direccionan todo el trabajo artístico&quot;, reflexiona sobre la visibilidad que ofrecen las pantallas. Lidia entiende que el impacto hoy es doble, se busca emocionar al vecino que camina por la calle y al espectador que observa desde un celular en cualquier parte del mundo.TAGSENTREVISTAARGENTINAARTE EFÍMERO

medium_escultura_subacuatica_virgen_stella_maris_rio_negro_jpg_7493f32686.jpg

small_escultura_subacuatica_virgen_stella_maris_rio_negro_jpg_7493f32686.jpg

thumbnail_escultura_subacuatica_virgen_stella_maris_rio_negro_jpg_7493f32686.jpg

escultura_subacuatica_virgen_stella_maris_rio_negro_jpg_7493f32686.jpg

Muralismo y esculturas submarinas, por Lidia Gómez

Luego de la conquista del Mundial de Qatar, cientos de murales comenzaron a aparecer en distintos puntos de Argentina como homenaje a la tercera estrella. Entre ellos sobresalen los realizados por Maic Bruera, autor de las emblemáticas obras dedicadas a Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez (esquina Gorriti y Pasaje Atalcalco) y Lionel Scaloni (Gorriti 5347).En diálogo con Street Art Latam, el artista repasó el origen de esas creaciones, el impacto de la Scaloneta en el muralismo y cómo el fútbol puede transformarse en arte.<h2>El motivo de la elección del “Dibu” Martínez y Lionel Scaloni como protagonistas de las obras</h2>Luego de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar, el muralismo argentino atravesó una verdadera &quot;escalonetización&quot;. A lo largo y ancho del país, cientos de paredes se transformaron en homenajes a los protagonistas de la tercera estrella, con Lionel Messi como la figura más retratada. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el foco estuvo puesto en dos nombres distintos: Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez y Lionel Scaloni, una elección que combinó el fanatismo de su hijo por el arquero y la admiración del artista por la faceta más humana del entrenador.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_092d33b017.png" alt=""><figcaption>El quiebre de Lionel Scaloni convertido en mural por Maic Bruera en Palermo (Maic Bruera).</figcaption></figure>“Creo que fue un descarte más que nada. Messi ya estaba tan hecho que no daba para hacerlo de vuelta, y después fue muy obvio. Dibu era como una figura por el personaje que se convirtió en ese Mundial y por la atajada, y después le sumó también que mi hijo se hizo re fanático del Dibu y estaban todos los nenes como que querian ser arqueros, con la remera que se hizo medio icónica, estabe re hypeado. Estaba la foto del chabón en una pose muy copada, no hubo mucha vuelta: la foto está buena, el personaje es un copado, a mi hijo le cabe, está todo más que bien”, cuenta Maic sobre la elección del “Dibu” Martínez.En el caso de Lionel Scaloni, la inspiración pasó por otro lado. Más allá de los resultados deportivos, Bruera encontró en el entrenador una figura serena, auténtica y profundamente humana. Esa personalidad, sumada a los gestos que dejó durante el Mundial, terminó convirtiéndolo en el segundo gran protagonista de sus murales: Scaloni ya fue otra cosa. Era un poquito más de sentirse más representado, había una movida de que el chaboncito estaba como “el tipo que ordenó a la Selección y encontró cómo hacerlo jugar bien a Messi”. Y también estaba la personalidad. Hoy lo ves en el Mundial y el flaco no te grita un gol. Es muy especial y, en un momento, se da la situación de la cámara cuando se quiebra y que lo transforma en ese chabón humano. Son quiebres emocionales que están buenísimo y justo lo agarraron con esa cara de meme”.<h2>De los memes del Mundial al arte urbano</h2>A la hora de retratar un hecho deportivo, muchos artistas urbanos buscan inmortalizar la emoción de un instante para que quien observe la obra vuelva a sentir lo que ocurrió aquel día. Sin embargo, en el caso de Maic Bruera, el enfoque fue diferente. Más que transmitir la carga emocional de una jugada, el muralista argentino apostó por capturar esas imágenes que, además de quedar grabadas en la memoria colectiva, también se transformaron en verdaderos memes durante la Copa del Mundo.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CoNwE7xgXxv/"></oembed></figure>“De mi lado fue más el momento meme. Después al ser tan icónico te lleva directamente a lo que vos sentiste en ese momento, pero no buscaba tratar de hacer sentir a la gente un momento especial, sino riamonos y emocionamos un poco. Tratar de ser lo más fotográfico en el sentido de la postal. En el de Scaloni es más difícil, pero en el del Dibu se entiende más: el pasto no es textura pasto, es una línea verde. Te ubica en situación y el personaje en pose. Es la postal de lo que pasó en ese momento”, expresa Maic.<h2>El muralismo como puente entre generaciones</h2>Más allá de intervenir un muro, muchas obras de arte urbano terminan convirtiéndose en verdaderos registros de momentos que marcaron una época. Con el paso de los años, esos murales funcionan como un puente entre distintas generaciones, permitiendo que quienes los observen vuelvan a conectarse con hechos que quedaron grabados en la memoria colectiva. Las representaciones de la atajada del Dibu Martínez y el abrazo de Lionel Scaloni realizadas por Maic Bruera son un claro ejemplo de ello: “Si, porque no sabes cuanto va a durar el mural. Se rompe la pared, pintan arriba, el muralismo es efímero. No importa qué personaje sea. Pero lo que tiene es que por más que se termine rompiendo o quede un poquito de la expresión del mural, te va a venir rápidamente la imagen real. Por ahí es una especie de disparador, ya no se ve o está medio escrachado, pero el recuerdo que te genera es viajar directamente a la final. Esa función la va a seguir cumpliendo”.<h2>Los murales que podrían llegar tras otra estrella</h2>Con el duelo de cuartos de final ante Suiza a la vuelta de la esquina, la Selección argentina quedó a solo tres partidos de conquistar una nueva Copa del Mundo. Y así como la consagración en Qatar inspiró a Maic Bruera a llevar al “Dibu” Martínez y a Lionel Scaloni a distintos muros, el artista ya imagina la posibilidad de volver a tomar los pinceles si la Albiceleste logra escribir un nuevo capítulo en su historia.“Hay situaciones, imagenes que vos las ves. Podes ir por el lado emocional o por el gracioso. Por ahí no de los mismos personajes (Dibu y Scaloni). Pero no voy a estar pintando hasta que no termine este Mundial. Faltan tres partidos y Argentina es una manga de enfermos que siempre aparece una situación que no podes creerla: el cabezazo de Enzo Fernández o la última jugada de Lautaro Martínez gambeteando y haciendo tiempo, que termina pechandose cara a cara. Seguramente alguna imagen va a aparecer y algo vamos a pintar”, dice Maic sobre las ideas acerca de una posible intervención en caso de que la Selección argentina salga campeona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_3583cea2da.png" alt=""><figcaption>La atajada del Dibu Martínez inmortalizada en los muros de Palermo por Maic Bruera (Maic Bruera).</figcaption></figure><h2>El orgullo de retratar a una generación histórica</h2>No hay dudas de que la Scaloneta marcó un antes y un después en la historia del fútbol argentino. La conquista de la tercera estrella, los gestos de sus protagonistas y las imágenes que dejó el Mundial de Qatar ya forman parte de la memoria colectiva y serán recordadas por generaciones. En ese camino, artistas como Maic Bruera también aportaron su granito de arena, inmortalizando algunos de esos momentos en murales que hoy funcionan como homenaje y testimonio de una de las etapas más importantes del deporte argentino.“Está bueno que tengamos algo de la Selección. A mi me pasa que fueron muchos años de putearme con la Selección, y de golpe te amigaste de vuelta y sino ganas o si hacen cualquier cosa, ya está. Me da esa sensación de poder pintar algo que está buena y le genera recuerdos a la gente que lo ve. Por más de que se intente ponerlos en una postura política a los personajes, son los jugadores de la Selección y uno lo que quiere es que salgan campeón cada cuatro años. Los murales son una parte positiva del recuerdo”.<h2>Cómo Qatar revolucionó el muralismo argentino</h2>El impacto de la consagración de la Selección argentina en el Mundial de Qatar trascendió el fútbol y también encontró un fuerte eco en el arte urbano. Desde Tierra del Fuego hasta Jujuy, los muros de ciudades y pueblos se transformaron en homenajes a figuras como Lionel Messi, Lionel Scaloni, Emiliano &quot;Dibu&quot; Martínez, Ángel Di María y otros protagonistas de la tercera estrella, dando lugar a uno de los movimientos muralistas vinculados al deporte más importantes de los últimos años.Un fenómeno que no solo fue percibido por quienes forman parte del ambiente artístico, sino también por el público en general y por los propios medios de comunicación.“El muralismo en Argentina se pone muy de moda entre 2010 y 2014, y empieza a crecer. Arranca a ser aceptado por la sociedad, los vecinos, los espacios, pero no te daba nunca una excusa copada para pintar. No ibas a pintar a Sampaoli, no tiene mística, nada. Después tiene momentos tristísimos. Si hubieramos salido campeones en Brasil, el rodillazo de Neuer a Higuaín hubiera sido genial. Pero al mismo tiempo no hay nada muy positivo para recordar, como para pintar un momento. Ya Messi venía muy arriba, ya había muchos murales: lo que le dio salir campeón del mundo fue que todo estaba lleno de murales de él. Le hizo muy bien, creo que las dos cosas se potenciaron: el Mundial con el muralismo y el muralismo con el Mundial”.

Maic_Bruera_el_artista_que_convirtio_al_Dibu_Martinez_y_a_Scaloni_en_murales_iconicos_adb9800bec.avif

Maic Bruera, el artista que convirtió al Dibu Martínez y a Scaloni en murales icónicos

Desde la intimidad del óleo en el taller hasta la monumentalidad del mural en las calles de Europa y Latinoamérica, Guido Palmadessa construyó un cuerpo de obra que indaga en la condición humana. Formado en la Universidad Nacional de Arte (UNA) y radicado en Berlín, este artista visual transita una búsqueda estética que equilibra la tradición figurativa argentina con las dinámicas del arte público contemporáneo.<h3>Del entorno familiar a los muros globales</h3>El vínculo de Palmadessa con la creación visual no fue casual. Creció rodeado de estímulos en un entorno donde sus tíos artistas plásticos y las pinturas de su tía funcionaron como referencia temprana. Este interés, profesionalizado en la academia, dio un giro decisivo al entrar en contacto con grafiteros y muralistas que lo invitaron a cambiar la soledad del estudio por la adrenalina de la calle.La identidad latinoamericana y la Nueva Figuración de los años 60 cimentaron su base teórica, enriquecida por disciplinas como la danza y el cine. &quot;Ese cruce terminó de definir mi camino&quot;, rememoró el artista.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e9b5e366fb.png" alt=""><figcaption>Gelsenkirchen, Germany.</figcaption></figure>Esta base conceptual sostiene una visión donde la identidad individual es inseparable de la experiencia compartida. Para Palmadessa, las raíces y los viajes por la región configuran una identidad colectiva que guarda problemáticas comunes reflejadas en el arte. &quot;La propia se constituye a partir de la colectiva&quot;, reflexionó.<h3>La tensión creativa: entre el óleo y el aerosol</h3>El proceso creativo del artista se divide en dos soportes que, aunque nacen del mismo impulso, obedecen a tiempos distintos. En el espacio público, utiliza acrílicos al agua y herramientas industriales para resolver grandes superficies bajo la presión del tiempo. Mientras que en el taller, el óleo sobre lienzo le permite el error, el borrado y la introspección. Esta dualidad técnica derivó en una evolución estilística que pasó de una simbología ligada a culturas originarias hacia una pintura donde la materia y la textura son protagonistas.Obras clave como Mate en el tren Urquiza (2017) marcaron un punto de inflexión hacia una pincelada más suelta, donde lo inacabado cobra sentido. &quot;Me interesa esa tensión entre una mancha inicial y una figura que intenta aparecer sin borrar del todo el gesto previo,&quot; explicó.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_82ae270cc0.png" alt=""><figcaption>La intimidad del proceso.</figcaption></figure><h3>El espacio público como hecho político</h3>Intervenir la trama urbana implica para el artista asumir una responsabilidad que trasciende lo estético. Lejos de ver una frontera entre la decisión formal y el impacto social, Palmadessa entiende que pintar una pared requiere organización, consenso y una lectura atenta del contexto. Ya sea en proyectos de arte público o festivales, busca generar entornos empáticos donde la obra despierte reflexiones latentes.Sin embargo, trabajar en la calle conlleva aceptar la efimeridad. El deterioro o la desaparición de la obra son parte de las reglas del juego en el arte urbano, lo que obliga a practicar el desapego y entender los muros como una capa más de la naturaleza de la ciudad. &quot;Prefiero pensar las paredes como una capa más de la naturaleza urbana, aunque trato de evitar proyectos pensados para desaparecer rápidamente,&quot; aclaró.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_df45ebc2dc.png" alt=""><figcaption>Between Freedom and Balance - Wuppertal, Germany 2023.</figcaption></figure><h3>La ternura y la memoria como ejes temáticos</h3>Si bien en sus inicios abordó tópicos como la migración y el trabajo, su producción reciente se concentra en las relaciones humanas y el contacto afectivo. Tiene como objetivo reivindicar la empatía en el espacio público, con composiciones que funcionan de manera similar a la memoria: fragmentarias y abiertas a múltiples lecturas. La improvisación se convierte así en una herramienta lúdica, mientras que el concepto de &quot;contacto&quot; actúa como forma de resistencia. &quot;La ternura humana atraviesa todo mi trabajo,&quot; aseguró el muralista.<h3>Resiliencia y comunidad en el arte actual</h3>Palmadessa destaca la importancia de las redes de colaboración frente a un contexto mundial complejo y políticas culturales desiguales. Para él, el arte urbano en Latinoamérica se define por su potencia y diversidad, sostenido por una comunidad que resiste y crea pese a las dificultades. En este escenario, las plataformas digitales sirven como difusión, pero el artista insiste en que la experiencia física de la pintura es insustituible.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ce562cdc25.png" alt=""><figcaption>Guido Palmadessa en acción.</figcaption></figure>Con una trayectoria que une continentes, su consejo para las nuevas generaciones se basa en la paciencia, el trabajo colectivo y la comprensión de los ciclos productivos. &quot;Creo que lo importante es ser coherente con la obra, y saber entender los ciclos productivos,&quot; concluyó Palmadessa.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/Ck6g3bjoVxe/?hl=es-la"></oembed></figure>TAGSARGENTINAENTREVISTAMURALISMO

large_obra_estudio_guido_palmadessa_oleo_sobre_lienzo_jpg_dcb647a141.jpg

medium_obra_estudio_guido_palmadessa_oleo_sobre_lienzo_jpg_dcb647a141.jpg

small_obra_estudio_guido_palmadessa_oleo_sobre_lienzo_jpg_dcb647a141.jpg

thumbnail_obra_estudio_guido_palmadessa_oleo_sobre_lienzo_jpg_dcb647a141.jpg

obra_estudio_guido_palmadessa_oleo_sobre_lienzo_jpg_dcb647a141.jpg

Guido Palmadessa, la mirada de un artista argentino en Alemania

La fiebre por el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá también se trasladó al arte urbano en Brasil. En ciudades como San Pablo y Porto Alegre, figuras como Neymar, Vinicius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho fueron homenajeadas artísticamente con murales gigantes creados por artistas locales y pensados como una celebración visual del presente y la historia del combinado pentacampeón del mundo.<h2>El Mundial también se pintó en las calles de Brasil</h2>La llegada de una nueva edición de la Copa del Mundo no solo paralizó a la población futbolera de todo el mundo, sino que también volvió a desbordar los límites del juego para instalarse en otros universos como la gastronomía, los videojuegos, la moda y, en este caso, el arte urbano.Y en Brasil, el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá encontró su lugar en la escena del muralismo con una serie de intervenciones gigantescas que comenzaron a captar la atención tanto del circuito local como del continental.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZ5YVGJxqmV/"></oembed></figure>En ciudades y municipios del país, como Porto Alegre y San Pablo, distintos muralistas brasileños trasladaron la pasión mundialista al espacio público con obras de gran formato dedicadas a figuras del actual plantel de la selección brasileña y a leyendas que marcaron la historia del Scratch.<h2>Neymar, Vinícius Júnior, Alisson, Endrick y Ronaldinho, las figuras homenajeadas en las calles brasileñasa</h2>Entre los nombres detrás de estas intervenciones aparecen artistas como Rafael Jung, Nosg, Bart, Chimia, Joca y Jefferson, quienes sorprendieron con obras de casi 200 metros de longitud pensadas para convertir el espacio público en una referencia visual del entusiasmo que despierta el Mundial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f1e6466bc5.png" alt=""><figcaption>El muralista Joacaz Art realizando uno de los murales mundialistas en las calles de Brasil (Instagram/Joacaz Art).</figcaption></figure>A lo largo de los murales se pueden ver distintas figuras vinculadas al seleccionado brasileño, con escenas que recuperan tanto el presente como la historia del equipo.Las obras incluyen imágenes de Neymar dominando la pelota, Vinícius Júnior en pleno festejo de gol, Alisson con la mirada fija al frente y Endrick retratado en distintas acciones de juego. A ese repertorio también se suma Ronaldinho, homenajeado con la Copa del Mundo conseguida por Brasil en Corea-Japón 2002, en una intervención que conecta a la generación actual con uno de los íconos más recordados de la historia del fútbol brasileño.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZc0vtfx6hG/"></oembed></figure>En un contexto en el que el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá desborda lo estrictamente futbolístico para instalarse en la moda, la música y el arte urbano, estas intervenciones brasileñas también funcionan como una muestra del lugar que ocupa la Copa del Mundo en el imaginario popular. A través de murales de gran escala dedicados a figuras del presente y del pasado del scratch, el muralismo local volvió a convertir el espacio público en una postal de la pasión mundialista.

El_mural_en_homenaje_a_Alisson_en_las_calles_de_Porto_Alegre_1_1_c7b59487c0.avif

Los gigantescos murales mundialistas de Neymar, Ronaldinho y Vinícius que decoran las calles de Brasil

La huella de Cucho Hernández ya no solo se siente dentro de la cancha. En pleno Mundial de México, Estados Unidos y Canadá, la ciudad de Pereira presentó una intervención artística dedicada al delantero colombiano con una obra que combina fútbol, identidad y arte urbano.<h2>Así es el mural de Cucho Hernández que ya se convirtió en un nuevo ícono de Pereira</h2>El Mundial de México, Estados Unidos y Canadá no solo conquistó escenarios como el deporte, la moda o las redes sociales, sino que también dejó su huella en el universo del arte urbano. A lo largo de la competencia, distintos murales comenzaron a aparecer en ciudades de los países participantes para homenajear a futbolistas, selecciones y momentos históricos de la competencia más importante a nivel de combinados nacionales.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a437cf9db5.png" alt=""><figcaption>El detalle del mural en homenaje a Cucho Hernández en Pereira (La Ferro).</figcaption></figure>Y en Colombia –uno de los sietes países latinoamericanos que consiguieron su boleto para la Copa del Mundo– la ciudad de Pereira, epicentro del arte urbano nacional a lo largo y ancho del territorio, sumó una nueva obra dedicada a uno de sus máximos referentes deportivos: Cucho Hernández, delantero del Real Betis e integrante de la convocatoria de la Selección colombiana para el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá.Realizado por Artista Trujillo, el mural retrata al atacante vistiendo la camiseta de la Selección colombiana mientras sostiene el escudo nacional con una de sus manos, acompañado por una gran bandera de Colombia como fondo. La intervención busca rendir homenaje al futbolista surgido en Pereira, que hoy representa a la ciudad en la máxima cita del fútbol de selecciones nacionales.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZ-onA_tE9i/"></oembed></figure>Con esta intervención, Pereira vuelve a consolidar su identidad como una ciudad profundamente vinculada al arte urbano. El mural de Cucho Hernández ya se convirtió en un nuevo punto de encuentro para hinchas, vecinos y turistas que recorren la capital risaraldense durante la Copa del Mundo.

El_mural_que_celebra_la_huella_de_Cucho_Hernandez_en_el_Mundial_1_1_27c3561137.avif

El mural que celebra la huella de Cucho Hernández en el Mundial

La galería Hollywood in Cambodia comunicó a través de sus redes sociales la desaparición de una obra realizada por el artista argentino El Marian en homenaje a La Raulito.<h2>La pintura de La Raulito que desapareció de una galería porteña</h2>El arte urbano argentino sufrió una importante pérdida durante los últimos días luego de que se conociera el robo de una de las obras del artista El Marian, nombre artístico del pintor argentino Mariano Antedomenico. Se trata de un óleo sobre madera inspirado en La Raulito, una de las hinchas más emblemáticas de la historia de Boca Juniors, que fue sustraído de la galería Hollywood in Cambodia, ubicada sobre la calle Thames 1085.A través de un comunicado publicado en sus redes sociales, el espacio confirmó que la pieza desapareció el pasado sábado 27 de junio, mientras se disputaba el encuentro entre Argentina y Jordania por el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá. Desde la galería calificaron el episodio como &quot;un acto de maldad, crueldad y cobardía absoluta&quot; y solicitaron la colaboración del público para intentar recuperar la obra.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DaQ2KWllhdO/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>La pintura retrata a María Esther Duffau, popularmente conocida como La Raulito, con la camiseta de Boca Juniors mientras enfrenta a efectivos policiales en una de las escenas que marcaron su historia como una de las simpatizantes más reconocidas del fútbol argentino. A lo largo de los años, su figura trascendió el deporte para convertirse en un verdadero símbolo de la cultura popular porteña, motivo por el cual la obra adquirió un fuerte valor tanto artístico como histórico.En el mismo comunicado, los responsables de la galería aseguraron que la pieza &quot;debe volver a donde pertenece&quot; y remarcaron que quien hoy la tenga &quot;no la merece&quot;, además de expresar su preocupación por el impacto que la pérdida representa tanto para el artista como para un espacio que desde hace más de dos décadas impulsa y difunde distintas expresiones del arte urbano argentino.Mientras continúa la búsqueda de la pintura, el episodio volvió a poner sobre la mesa el valor patrimonial de las obras vinculadas a la cultura popular y al fútbol argentino, especialmente aquellas que, como esta creación de El Marian, mantienen viva la memoria de personajes que dejaron una huella imborrable más allá de las tribunas.

La_pintura_de_La_Raulito_hecha_por_El_Marian_1_cf750376e5.avif

La obra de El Marian inspirada en La Raulito desapareció de una galería de Buenos Aires

Luis Rincón, uno de los principales referentes del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, fue homenajeado con un mural en el Parque Fontanar del Río de Bogotá. Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra une deporte, arte y espacio público para celebrar la trayectoria del rider bogotano en las calles de la capital.<h2>Luis Rincón ya tiene su mural en Bogotá: así es el homenaje al rider colombiano</h2>No hay dudas de que, en los últimos años, Latinoamérica se consolidó como una de las regiones protagonistas del BMX freestyle a nivel internacional. Figuras como José Torres Gil de Argentina y Macarena Pérez de Chile ayudaron a impulsar el crecimiento de la disciplina, mientras que Colombia encontró en nombres como las hermanas Villegas, Queen Saray y, por supuesto, Luis Rincón, algunos de sus máximos exponentes.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_910aecd2ab.png" alt=""><figcaption>Vista del mural hecho por RYTMO en homenaje a Luis Rincón (IDRD Bogotá).</figcaption></figure>Y en los últimos días, el rider bogotano volvió a ser noticia gracias a la inauguración de un mural homenaje en el Parque Fontanar del Río, una intervención que une deporte, arte urbano y espacio público en una de las zonas más representativas de la capital colombiana.Realizada por el artista urbano RYTMO, la obra busca reconocer la trayectoria deportiva de Luis Rincón a través de tres imágenes que retratan algunos de los momentos más importantes de su carrera:<ul><li>Luis Rincón montado sobre su bicicleta, en la imagen central del mural.</li></ul><ul><li>El rider en pleno vuelo, ejecutando uno de sus característicos trucos.</li></ul><ul><li>El deportista celebrando el título obtenido en el Brussels Urban Sessions, sosteniendo el trofeo de campeón.</li></ul>Impulsado por el Instituto Distrital de Recreación y Deporte (IDRD), el proyecto busca destacar el aporte del BMX freestyle al deporte bogotano y reconocer a uno de sus máximos referentes contemporáneos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_0875770b36.png" alt=""><figcaption>Luis Rincón firmando con aerosol su homenaje en Bogotá (IDRD Bogotá).</figcaption></figure>La inauguración del mural también contó con una exhibición de BMX freestyle junto a niñas, niños y jóvenes, promoviendo el deporte urbano entre las nuevas generaciones. Incluso, el propio Luis Rincón visitó la obra y dejó su firma con aerosol sobre el mural, convirtiéndose en parte del homenaje que celebra su carrera.Más allá de transformarse en una nueva intervención dentro del paisaje urbano de Bogotá, el mural de RyTMO también se consolida como un reconocimiento al impacto de Luis Rincón dentro del BMX freestyle colombiano y latinoamericano, inmortalizando su legado en una de las paredes más emblemáticas de la ciudad.<h2>¿Quién es RYTMO, el artista detrás del mural de Luis Rincón?</h2>Más allá de ser el responsable del reciente homenaje a Luis Rincón en el Parque Fontanar del Río, RYTMO es uno de los grandes referentes del muralismo contemporáneo en Bogotá, con intervenciones que lograron transformar distintos espacios públicos de la capital colombiana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_99f87889ab.png" alt=""><figcaption>El mural de RYTMO en homenaje a Gabriel García Márquez en las calles de Bogotá (RYTMO).</figcaption></figure>Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra un imponente mural de más de 400 metros cuadrados dedicado a Gabriel García Márquez, realizado a diez años del fallecimiento del escritor colombiano. Ubicada en la emblemática intersección de la Calle 13 con Carrera Décima, la obra explora el universo literario del Premio Nobel y se convirtió en uno de los murales más representativos de la ciudad.Integrante del colectivo “Fuego en el 23”, RYTMO desarrolló un estilo que combina el realismo con el arte urbano contemporáneo, llevando sus creaciones a distintos puntos de Bogotá y consolidándose como una de las figuras más importantes del muralismo colombiano actual.

El_homenaje_artistico_a_Luis_Rincon_en_las_calles_de_Bogota_f97671009d.avif

Bogotá homenajeó a Luis Rincón con un mural gigante dedicado al BMX Freestyle

Dozergirl es una de las artistas gráficas más reconocidas de México y una referente del universo de los pósters musicales: con más de una década de trayectoria, trabajó junto a bandas nacionales e internacionales y convirtió sus ilustraciones en auténticas piezas de colección.<h2>Dozergirl, la artista mexicana que plasma el rock y los conciertos en pósters</h2>El arte urbano es un universo prácticamente infinito. Desde artistas que dejan su huella en murales de gran escala, pasando por esculturas, instalaciones y distintas intervenciones del espacio público hasta disciplinas más ligadas al diseño gráfico, existen múltiples maneras de transformar el arte en una experiencia visual.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_40e3b1ecc0.png" alt=""><figcaption>El universo artístico de Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure>Y dentro de este último universo, los pósters encontraron un lugar propio como una forma de expresión artística, capaces de convertir una imagen en una pieza de colección y de inmortalizar momentos, movimientos culturales y grandes acontecimientos.En México, uno de los nombres más destacados de esta escena es el de Dozergirl, artista e ilustradora con más de una década de trayectoria que logró convertir el diseño de pósters en su sello personal. A través de un estilo propio que combina ilustración, cultura pop y distintas influencias del arte contemporáneo, la mexicana construyó una sólida carrera que la posicionó como una de las principales referentes latinoamericanas dentro de esta disciplina.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYOGqAwMYde/?hl=es-la"></oembed></figure>Y es que el currículum de Dozergirl habla por sí solo. A lo largo de su carrera, trabajó junto a artistas y bandas nacionales e internacionales, que consolidan su figura como emblema de la materia.<ul><li>Deftones</li></ul><ul><li>Red Hot Chili Peppers</li></ul><ul><li>The Offspring</li></ul><ul><li>Linkin Park</li></ul><ul><li>Austin TV</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f40f66dc85.png" alt=""><figcaption>Póster hecho por Dozergirl (Instagram/Dozergirl).</figcaption></figure>Sus trabajos no solo funcionan como piezas gráficas promocionales, sino también como pósters conmemorativos que acompañan giras, conciertos y eventos especiales, convirtiéndose en objetos de colección para miles de fanáticos y consolidando a Dozergirl como una de las grandes exponentes del arte gráfico musical en México.

Dozergirl_la_artista_mexicana_que_conquisto_el_universo_de_los_posters_musicales_1_3fd416b4f5.avif

¿Quién es Dozergirl, la artista mexicana que conquistó el universo de los pósters musicales?

El inicio de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá ha puesto a Lionel Messi en los ojos de todo el mundo, una vez más: hat-trick en el debut ante Argelia, doblete frente a Austria y la consagración como máximo goleador histórico de la competición. Pero el fenómeno trascendió el verde césped, y el capitán de la Selección argentina se convirtió en la cara de murales en Kansas City y Dallas.<h2>La obra que lleva la figura de Messi al corazón de Kansas City</h2>El debut de la Selección argentina en la Copa del Mundo de Estados Unidos, México y Canadá, que acabó con victoria tres a cero a favor del combinado latinoamericano con un hat-trick de Lionel Messi, no solo colmó la ciudad de Kansas de aficionados argentinos, sino que también conquistó la escena artística de la zona.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_4e067a8623.png" alt=""><figcaption>Primer plano del mural en homenaje a Lionel Messi en las calles de Kansas City (Instagram/Mister Alek).</figcaption></figure>En la esquina de Main Street y West 20th Street, en pleno corazón de Kansas City, el muralista Mister Alek –artista nacido en Ecuador y criado en la ciudad de Los Ángeles, el rostro de Lionel Messi dejó su marca en una de las paredes exteriores del restaurante mexicano Señorita Margarita. La intervención representa un primer plano del máximo goleador en la historia de los Mundiales mirando hacia adelante con la camiseta de la Selección argentina puesta sobre un fondo de color azulado.Pero más allá de la intervención realizada en homenaje al capitán de la Selección argentina, el muralista ecuatoriano, reconocido por retratar celebridades de la talla de Salvador Dalí, Frida Khalo, Kobe Bryant y César Chávez, también plasmó en los muros de la ciudad de Kansas a Willian Pacho, emblema de La Tri y bicampeón de la UEFA Champions League con PSG.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/los-murales-de-messi-que-conquistan-las-calles-argentinas-rumbo-al-mundial/2003">Los murales de Messi que conquistan las calles argentinas rumbo al Mundial</a>Una pieza que no solo se convirtió en un tributo artístico a dos de los grandes futbolistas latinoamericanos, sino que también transformó uno de los muros de la ciudad estadounidense a través de la cultura futbolera del continente.<h2>El homenaje a Messi que apareció en las calles de Dallas</h2>Y en paralelo, la ciudad de Dallas, metrópoli donde la Selección argentina se impuso ante Austria en el segundo partido de la fase de grupos del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá con otras dos anotaciones de su capitán, también inmortalizó artísticamente la figura de Lionel Messi.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZ0A6NFOgY0/"></oembed></figure>Y es que sobre las calles Elm Street y Crowdus Street, a poco más de veinte minutos del AT&amp;T Stadium, el rostro del futbolista de Inter Miami conquistó una de las paredes del espacio público. Realizado por el artista Joe Skilz –muralista local con más de dos décadas de trayectoria en la escena del arte urbano– a pedido de la Deep Ellum Foundation, la obra muestra al delantero argentino de perfil, acompañado del Sol de Mayo, el escudo de la Selección argentina y la frase “con toda la fuerza”, en una paleta de colores donde el azul, el amarillo y el blanco toman gran parte del protagonismo de la intervención.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_eeeb7d32ee.png" alt=""><figcaption>El mural de Lionel Messi hecho por Joe Skilz en Dallas (Instagram/Joe Skilz).</figcaption></figure>Entre otros elementos que conforman la pieza artística, el muralista dalista también añadió una pelota de fútbol, la bandera argentina y la inscripción “Vamos Argentina”.La obra no fue realizada en uno de los muros de la ciudad y ya. La presentación contó con la presencia de una multitud de aficionados argentinos que aprovecharon su viaje para alentar a la Scaloneta en el duelo ante Austria y copar la intervención con banderas y redoblantes para ponerle color y ritmo al nuevo mural en tierras texanas.

Los_murales_de_Messi_que_transforman_las_calles_de_Estados_Unidos_1_63c5a7c52e.avif

Los murales de Messi que transforman las calles de Estados Unidos

Juan Pablo (JP) es un artista de la Región de Valparaíso que transforma los muros grises en portales hacia lo sagrado. Con una trayectoria que inició a los 26 años tras abandonar la oficina de arquitectura, hoy combina la creación de murales urbanos con la educación artística en escuelas y talleres particulares.<h3>El arte como un portal hacia la locura y el misterio</h3>Para JP, el espacio público es el escenario ideal para una búsqueda personal que intenta alcanzar un punto medio entre el autor y el espectador. En su visión entiende la creación como un vehículo de experiencias sensibles donde el lenguaje humano funciona como un puente entre lo material y lo espiritual.Busca generar un éxtasis similar al de la poesía. &quot;El arte es un rasgo de la locura, una antena que te conecta con el misterio de la existencia&quot;, afirma. Bajo esta premisa, la razón y la intuición se funden en una certeza corporal que todos los seres humanos pueden compartir y resonar.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_834235b844.png" alt=""><figcaption>Bonneuil-sur-Marne, París, septiembre de 2025. Intervención realizada para un festival, retratando a los trabajadores del puerto en su entorno natural a orillas del río Marne.</figcaption></figure><h3>Símbolos en la ruta latinoamericana</h3>La temática de sus piezas no es azarosa. Existe un hilo conductor que une el sincretismo religioso, la figuración simbólica y el misticismo. El haber viajado como mochilero por el continente fue la llave para entender una raíz común basada en la resiliencia y la camaradería colectiva. Este sentimiento atraviesa toda su obra. &quot;Hay un sentimiento latinoamericano que atraviesa todo mi trabajo&quot;, reconoce.En su paleta técnica, el uso de pintura acrílica, rodillos y pigmentos metálicos define su estilo, donde el color cobre es su herramienta favorita para dinamizar los brillos de la obra.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_705270ac9a.png" alt=""><figcaption>Intervención en Metro Estación Hospital, Viña del Mar.</figcaption></figure><h3>El proceso creativo</h3>A diferencia de otros autores, JP utiliza la poesía y la literatura como los cimientos de sus imágenes. Tiene una metodología equilibrada y delicada. Prepara una base sólida mediante collages y referencias fotográficas, pero deja un margen amplio para que la obra respire y cambie durante la ejecución.Por otro lado, JP valora la incertidumbre del proceso.&quot;Disfruto más el trabajo cuando hago exploración en el mural mientras proyecto los resultados&quot;, explica. Esta flexibilidad le permite que el boceto inicial mute significativamente, de manera que un 30% del resultado final queda a merced de lo que ocurra en el momento frente a la pared.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-arte-que-conecta-con-la-realidad-by-nandy-mondragon/771">El arte que conecta con la realidad by Nandy Mondragón</a><h3>La comunidad como el soporte principal</h3>Aunque factores como el clima y la lluvia en lugares como Gran Bretaña condicionan su planificación, el artista prioriza el vínculo social sobre cualquier obstáculo técnico. La calle es su soporte principal porque requiere una sensibilidad especial hacia los lugares y permite ejercitar lazos comunitarios genuinos.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_17633944cf.png" alt=""><figcaption>“A la tierra”, mural para el pueblo de Vimioso, Portugal.</figcaption></figure>JP comulga con la filosofía de Violeta Parra “los vecinos en el centro de la experiencia”. &quot;Me quedo con la gente, porque el contexto social es un ingrediente relevante en la obra&quot;, sostiene. Para él, ser un agente dentro de una red de personas es lo que da sentido a la cultura en el espacio público.<h3>Identidad y rechazo a las fórmulas repetitivas</h3>El trabajo de JP está en constante metamorfosis. El artista integra paulatinamente la abstracción para ampliar su capacidad expresiva sin perder la figuración como vehículo de comunicación básico.A pesar de la presión actual por la presencia digital, prefiere gestionar su carrera mediante contactos directos y correos electrónicos. Tiene una postura firme frente a la tecnología: &quot;Quiero ser pintor, no un creador de contenido para las redes sociales&quot;, sentencia.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DHtdztrocRH/"></oembed></figure>TAGSENTREVISTAMURALISMOCHILE

large_69764478_392254518059708_6133002367524414872_n_1016330bcd.jpg

medium_69764478_392254518059708_6133002367524414872_n_1016330bcd.jpg

small_69764478_392254518059708_6133002367524414872_n_1016330bcd.jpg

thumbnail_69764478_392254518059708_6133002367524414872_n_1016330bcd.jpg

69764478_392254518059708_6133002367524414872_n_1016330bcd.jpg

JP, el arquitecto que dejó la oficina para intervenir las calles

Seguramente te cruzaste en TikTok, Instagram o YouTube con un artista que parecía hacer aparecer ilustraciones por arte de magia cada vez que tocaba un lienzo. Detrás de esos videos virales está Matt Chessco, el creador de origen canadiense que transformó el proceso creativo de sus intervenciones en un fenómeno digital.<h2>Cuando una pincelada se convierte en espectáculo: la fórmula de Matt Chessco</h2>Si bien el espacio público continúa siendo el principal escenario de exposición para el arte urbano a nivel internacional —no solo por ser el lugar donde nació gran parte del movimiento, sino también porque sigue siendo el soporte elegido por miles de artistas alrededor del mundo—, las redes sociales se han convertido en una nueva vitrina capaz de llevar una obra a millones de personas en cuestión de horas.Y alguien que entendió a la perfección esa transformación es el canadiense Matt Chessco.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DWoVucegJ7o/?hl=es"></oembed></figure>Aunque no mantiene un vínculo directo con la escena latinoamericana, Chessco se consolidó como uno de los creadores de contenido artístico más populares del ecosistema digital a nivel internacional. Con más de cinco millones de seguidores en sus redes y miles de millones de reproducciones acumuladas, el artista logró trabajar para compañías de alcance global como Microsoft, Disney, Google, Netflix, Fortnite, BMW, Samsung y Sony, además de llevar sus obras a las colecciones personales de celebridades como Post Malone y Bella Poarch.Sin embargo, más allá de su talento como ilustrador, existe un elemento que lo distingue del resto de los artistas digitales, y es que Matt Chessco convirtió el propio proceso creativo en parte de la obra.A través de videos grabados sobre lienzos y bastidores, el canadiense desarrolló un estilo visual donde cada golpe, toque o movimiento sobre la superficie parece activar una nueva capa de pintura. Gracias a una cuidada edición, el espectador ve cómo la ilustración se construye de manera progresiva, casi como si apareciera por arte de magia frente a sus ojos. Un recurso simple, pero extremadamente efectivo, que terminó convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad dentro de plataformas como TikTok, Instagram y YouTube.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DXzBEdagJZ1/?hl=es"></oembed></figure>Nacido en Toronto y criado en Montreal, Chessco trabajó durante años como diseñador industrial e ingeniero mecánico antes de abandonar su carrera profesional para perseguir el sueño de convertirse en artista a tiempo completo. Una decisión que terminó cambiando su vida y que hoy se refleja en millones de seguidores, colaboraciones con algunas de las marcas más importantes del mundo y una huella cada vez más fuerte dentro del arte digital contemporáneo.

Matt_Chessco_el_artista_que_convierte_cada_pincelada_en_un_truco_de_magia_digital_1_5c7089bf4b.avif

El artista que convierte cada pincelada en un truco de magia digital

¿Sabías que en la ciudad de Cali existe un lugar donde la impresión artesanal sigue siendo protagonista? Su nombre es La Linterna, un histórico taller tipográfico fundado hace más de noventa años que, a pesar del avance de las herramientas digitales y la inteligencia artificial, continúa manteniendo vivo uno de los oficios gráficos más tradicionales de Latinoamérica.<h2>La imprenta que sobrevivió al paso del tiempo: conocé La Linterna</h2>En una era donde lo digital parece haber conquistado todos los sectores posibles, el universo artístico no ha sido la excepción. La irrupción de programas como Photoshop e Illustrator primero, y más recientemente el crecimiento de herramientas impulsadas por inteligencia artificial, transformó la manera en que se crean imágenes, diseños y piezas gráficas, abriendo debates sobre el futuro de numerosos oficios creativos.Sin embargo, mientras la tecnología avanza a pasos agigantados, todavía existen rincones del mundo donde la tradición, el trabajo manual y los procesos artesanales continúan siendo el corazón de la creación artística.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_7758cd4fa6.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure>Uno de esos lugares se encuentra en la ciudad de Cali. Allí funciona La Linterna, un taller de impresión tipográfica dedicado desde hace más de 90 años al oficio artesanal de la producción de carteles mediante técnicas tradicionales como el grabado en linóleo y el uso de tipos móviles. Fundado en 1934, el espacio se convirtió con el paso del tiempo en un referente de la gráfica popular colombiana, desarrollando una amplia trayectoria en la elaboración de cartel mural para eventos culturales, sociales y comunitarios, así como también piezas concebidas como obras artísticas.Gracias a ese recorrido, La Linterna logró consolidarse como uno de los grandes emblemas culturales de Cali, preservando técnicas centenarias de impresión en una época dominada por las pantallas y los procesos digitales. Sin embargo, su historia estuvo cerca de llegar a su fin. En el año 2016, el taller atravesó una profunda crisis económica que puso en riesgo su continuidad y amenazó con provocar el cierre definitivo del espacio y la desaparición de gran parte del conocimiento asociado a este oficio tradicional.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reels/DS-qBUeAaLz/"></oembed></figure>Lejos de resignarse, un año más tarde un grupo de gestores culturales, diseñadores y artistas gráficos impulsó una estrategia destinada a acercar el legado tipográfico a nuevas generaciones. El proyecto articuló los conocimientos históricos de la impresión artesanal con las expresiones contemporáneas del diseño y las artes gráficas, permitiendo que La Linterna encontrara una nueva vida. Además, frente a las normativas ambientales que limitaron la fijación de carteles en distintos sectores de la ciudad, el taller comenzó a transformarse también en una galería y espacio cultural donde los carteles y las impresiones pasaron a ocupar un rol protagónico como piezas de exhibición.Con figuras como Olmedo Franco Romero, Jaime Enrique García y Héctor Otálvaro como algunos de los grandes guardianes del oficio, La Linterna logró trascender su condición de imprenta para convertirse en un verdadero símbolo cultural de Cali. Lo que alguna vez fue un taller dedicado exclusivamente a la producción de carteles hoy funciona también como un espacio de encuentro entre generaciones, donde conviven técnicas centenarias de impresión con nuevas expresiones del diseño gráfico contemporáneo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c103b4148c.png" alt=""><figcaption>La belleza artística de La Linterna en Cali (La Linterna).</figcaption></figure>A casi un siglo de su fundación, el lugar continúa demostrando que, incluso en tiempos dominados por las pantallas, la inteligencia artificial y las herramientas digitales, todavía existen rincones donde el trabajo manual, la tinta, el papel y los tipos móviles conservan su valor original. Más que una imprenta, La Linterna es un testimonio vivo de la historia gráfica colombiana, un punto de interés para visitantes y amantes del arte que llegan a Cali desde distintas partes del mundo y un refugio para quienes entienden el arte como un oficio que también se transmite de mano en mano.

Olmedo_Franco_Romero_Jaime_Enrique_Garcia_y_Hector_Otalvaro_los_pilares_de_La_Linterna_1_ab7c57547b.avif

El rincón de Cali donde la imprenta se niega a desaparecer

El Mundial todavía tiene mucho por delante, pero Guadalajara ya comenzó a respirar fútbol. En el corazón de Zapopan, una monumental obra tejida homenajea a las selecciones que dejarán su huella en la ciudad durante la Copa del Mundo.<h2>Guadalajara y el Mundial, unidos a través del arte tejido</h2>Junto a Ciudad de México y Monterrey, Guadalajara será una de las tres sedes mexicanas de la actual Copa del Mundo, albergando cuatro encuentros y recibiendo a selecciones como México, España, Uruguay y Colombia. Pero más allá del aspecto futbolístico y de convertirse por momentos en el centro de la acción deportiva, el espíritu mundialista ya comenzó a sentirse en la ciudad mucho antes del pitazo inicial.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c6d12e30ef.png" alt=""><figcaption>Vista aérea del monumental tejido mundialista en el corazón de Zapopan (Cielo Tejido).</figcaption></figure>Y es que, en el corazón de Zapopan, cientos de mujeres dieron vida a una monumental intervención artística inspirada en los países que tendrán actividad en Guadalajara durante el Mundial de México, Estados Unidos y Canadá. A través de cientos de hexágonos tejidos que cubren el cielo, la iniciativa realizada por el colectivo Cielo Tejido –organización nacida en Jalisco y fundada por Lorena Ron junto a su madre, Paloma Sciordia– convirtió a la ciudad mexicana no solo en una sede del torneo más importante del fútbol de selecciones, sino también en uno de sus espacios culturales más representativos, fusionando arte, identidad y pasión futbolera.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DZD9vgEOOqi/?hl=es"></oembed></figure>El gigantesco cielo tejido, instalado sobre el andador 20 de Noviembre, una de las arterias peatonales más transitadas del centro histórico, cuenta con 220 metros de largo y más de ocho metros de ancho. Elaborada por más de 250 mujeres, la obra rinde homenaje a los combinados que disputarán partidos de la Copa del Mundo en la ciudad de Guadalajara y conecta los Arcos de Zapopan con la Plaza de las Américas y la Basílica de Zapopan, dos de los puntos más emblemáticos de la metrópoli.<h2>El significado del diseño: los países y la cultura detrás de la obra</h2>Los colores y las formas de los hexágonos tejidos no fueron elegidos al azar. La monumental intervención mezcla el espíritu mundialista que dejará Guadalajara durante la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá con un profundo guiño a las raíces y tradiciones de la cultura azteca, convirtiendo la obra en un puente entre el deporte, la identidad local y las distintas culturas que llegarán a la ciudad.Y es que cada uno de los sectores del gigantesco cielo tejido rinde homenaje a las selecciones que disputarán encuentros en Guadalajara durante la cita mundialista:<ul><li>México</li></ul><ul><li>Corea del Sur</li></ul><ul><li>República Checa</li></ul><ul><li>Colombia</li></ul><ul><li>República Democrática del Congo</li></ul><ul><li>Uruguay</li></ul><ul><li>España</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_57d5d14fb4.png" alt=""><figcaption>El diseño de México en el monumental tejido hecho por Cielo Tejido en Zapopan (Cielo Tejido).</figcaption></figure>La instalación está inspirada en la figura de una gran serpiente, uno de los símbolos más representativos de las culturas prehispánicas mexicanas, que parece desplazarse entre los árboles y edificios del paseo. A medida que avanza el recorrido, el tejido cambia de tonalidades, patrones y diseños para representar elementos característicos de cada uno de los países participantes.Desde el Taegeuk, símbolo central de la bandera de Corea del Sur y representación del equilibrio y la armonía, hasta el tradicional sombrero vueltiao colombiano, pasando por una trama inspirada en la Piedra del Sol como homenaje a México y motivos florales vinculados al flamenco español, la obra transforma el recorrido por Zapopan en un viaje cultural que une a las naciones a través del arte y el fútbol.<h2>Cielo Tejido, el arte detrás del homenaje mundialista</h2>Detrás del proyecto artístico que envuelve a las selecciones que dejarán su huella en Guadalajara durante la actual Copa del Mundo se encuentra Cielo Tejido, una organización nacida en Etzatlán y fundada por Lorena Ron junto a su madre, Paloma Sciordia. Con más de 200 tejedoras que mantienen viva la tradición artesanal mexicana, el colectivo se convirtió en un movimiento artístico reconocido a nivel internacional y en uno de los grandes exponentes del arte textil urbano.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_1a84fe8d40.png" alt=""><figcaption>El talento de Cielo Tejido en la fachada de Casa de México en Madrid (Cielo Tejido).</figcaption></figure>A lo largo de los años, Cielo Tejido llevó sus creaciones mucho más allá de las calles de Jalisco. Uno de sus trabajos más emblemáticos fue un gigantesco pabellón tejido de 2.850 metros cuadrados que cubrió cuatro calles del centro de Etzatlán, una intervención que incluso obtuvo un récord Guinness. Su arte también llegó a ciudades como Bruselas, Miami y Nevada, además de formar parte de la Expo 2020 Dubai, consolidando un proyecto que combina tradición, identidad y participación comunitaria.Con el cielo mundialista de Guadalajara, el colectivo vuelve a demostrar que el tejido puede transformarse en una herramienta de encuentro cultural, capaz de unir deporte, arte y patrimonio local en una misma obra, dejando una de las postales más llamativas de la Copa del Mundo de México, Estados Unidos y Canadá.

El_gigantesco_cielo_tejido_que_homenajea_al_Mundial_en_Guadalajara_1_175f8e3ed4.avif

El gigantesco cielo tejido que homenajea al Mundial en Guadalajara

Existe un tipo de arte urbano que convive directamente con las mareas: obras que aparecen cuando el agua baja y desaparecen cuando vuelve a subir. Y uno de los máximos referentes internacionales de este formato es el artista hawaiano Hula.<h2>Hula, el artista que convirtió las mareas en parte de su obra</h2>Si hacemos una recorrida por los distintos referentes del muralismo, no solo a nivel latinoamericano sino también internacional, es imposible no encontrarse con un universo de estilos, estéticas y técnicas completamente distintas entre sí. Existen artistas que únicamente toman intervenciones de gran escala, otros que llenan de color sus obras con una identidad explosiva, algunos que apuestan por corrientes como el hiperrealismo y también quienes deciden transformar materiales poco convencionales en arte, desde arena y basura hasta comida u objetos reciclados.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f6b165d2ac.png" alt=""><figcaption>El arte de Hula (Instagram/Hula).</figcaption></figure>Y dentro de ese inmenso abanico creativo aparece un tipo de obra todavía más particular: aquellas que aparecen y desaparecen con el agua. Sí, tal cual como se lee. Existen artistas que realizan intervenciones sobre superficies atravesadas por las mareas y que, dependiendo del movimiento del agua, dejan ver la totalidad de la pieza o apenas una pequeña parte de ella.Y uno de los grandes referentes internacionales de este formato es el artista hawaiano Sean Yoro, conocido en el mundo del arte bajo el pseudónimo de Hula.Muy probablemente te hayas cruzado en redes sociales con algún clip o fotografía donde un artista aparece sobre una tabla de paddle surf pintando enormes retratos mientras flota en el agua: detrás de gran parte de esas obras se encuentra justamente el nombre de Hula.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/B2o5g4mhss7/"></oembed></figure>Inspirado profundamente por sus raíces hawaianas y por la conexión con el océano, el artista comenzó su camino realizando murales sobre paredes marinas en la ciudad de Nueva York mientras mantenía el equilibrio sobre una tabla. Desde entonces expandió su trabajo a distintas partes del mundo, llevando sus intervenciones desde bosques y fondos marinos hasta cascadas, glaciares e icebergs, consolidándose como uno de los nombres más originales y reconocibles del arte contemporáneo vinculado al agua y la naturaleza.Su trabajo logró captar la atención de medios internacionales de la talla de CNN, Forbes, The New York Times y The Guardian, además de colaborar con marcas como Facebook, Instagram, The North Face, Vans y Volvo. Todo esto acompañado de una identidad artística muy marcada: “Mi obra explora la conexión entre nosotros y nuestro entorno a través de un lente surrealista de distorsión del agua”.Con obras que parecen surgir desde las profundidades y desaparecer nuevamente con el movimiento de las mareas, Hula convirtió el agua no solo en escenario, sino también en parte fundamental de cada intervención, dejando su huella en distintos rincones del planeta a través de un estilo tan efímero como inolvidable.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_bd07d56ef8.png" alt=""><figcaption>Una tabla, pinturas por doquier y la marea como aliado: los pilares del arte de Hula (Instagram/Hula).</figcaption></figure>Más allá de la complejidad técnica que implica pintar sobre superficies atravesadas por el agua y el movimiento constante de las mareas, gran parte del impacto del trabajo de Hula también reside en el carácter efímero de sus obras. A diferencia del muralismo tradicional, donde las piezas permanecen visibles de manera permanente sobre una pared, en el caso del artista hawaiano el entorno natural se convierte en parte activa de cada intervención. El océano decide cuándo mostrar la obra y cuándo ocultarla, generando una experiencia visual completamente distinta dependiendo del momento del día, el clima y el comportamiento del agua.Esa relación entre arte y naturaleza terminó convirtiéndose en una de las marcas registradas de Hula. Sus obras no buscan imponerse sobre el paisaje, sino convivir con él. Y quizás ahí radica gran parte de su originalidad: crear piezas que no solamente se contemplan, sino que también cambian, respiran y desaparecen junto al movimiento natural del entorno donde fueron realizadas.

Hula_el_muralista_hawaiano_que_obras_que_aparecen_cuando_el_agua_baja_y_desaparecen_cuando_vuelve_a_1_46e08a6bea.avif

El artista que crea murales que aparecen y desaparecen con el agua

<a href="https://www.instagram.com/landofjulia/reels/?hl=es-la">Júlia Mota Albuquerque</a> es una artista visual oriunda de Belo Horizonte y actualmente radicada en Berlín. Desde hace varios años se dedica a transformar el espacio público internacional. Transita entre la ilustración digital y los murales de gran escala, donde combina su pasado como tenista profesional con una agenda social centrada en la diversidad, la inclusión y el empoderamiento femenino en el deporte.<h2>Un puente creativo entre Brasil y Alemania</h2>La trayectoria de Júlia no siguió un camino lineal, su reencuentro con el dibujo ocurrió en el ámbito universitario estadounidense gracias a una beca deportiva. &quot;Mi primer contacto con el arte después de la infancia fue en la universidad. Jugué al tenis en el circuito juvenil y con eso gané una beca para estudiar en EE.UU. Tuve una clase de dibujo en mi primer semestre y me enamoré&quot;, relata.Esa dualidad entre la disciplina atlética y la libertad creativa define su identidad actual. Como nómada digital, divide su tiempo entre continentes, aunque su base operativa se encuentre en la capital alemana. &quot;Me gusta dividir mi tiempo entre Europa y Brasil, pero siempre estoy viajando por trabajo y ocio y nunca me quedo en un solo lugar&quot;, afirma.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DJ2YAKjAtW_/?hl=es-la"></oembed></figure><h2>El muralismo como herramienta de democratización urbana</h2>Para ella, el urbanismo es un campo de análisis constante. Tal es así que cambió el formato pequeño por la vastedad de los muros, basado en su interés por cómo las grandes ciudades interactúan con sus habitantes.La artista sostiene una postura firme sobre el rol social de su intervención urbana: &quot;Este es el tipo de arte que llega a todos, en cualquier momento del día. Es el tipo de arte que democratiza y acoge, totalmente lo contrario al arte que se encuentra en un museo o galería, que tiende a tener un carácter más elitista&quot;.Esta búsqueda de impacto visual la llevó a intervenir fachadas en:<ul><li>Francia y Bélgica.</li></ul><ul><li>Alemania y República Checa.</li></ul><ul><li>Croacia, Rumania y Brasil.</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_64e6d1e7c2.png" alt=""><figcaption>Mural ubicado en Frankfurt, Alemania. La primera experiencia colaborativa de la artista.</figcaption></figure><h2>Mujeres y deporte</h2>Un tema central en su portafolio es la representación de las mujeres deportistas. Esta elección nace de una vivencia personal de soledad competitiva durante su juventud.&quot;Crecí jugando al tenis sin tener muchas chicas de mi edad con quienes jugar y la mayoría de mis amigas, incluso ahora de adultas, todavía se sienten intimidadas cuando se trata de practicar ejercicio físico. Por eso, me encanta tener esta pequeña misión de pintar mujeres practicando deportes en paredes grandes&quot;, explica. A través de colores vibrantes y una estética energética, busca otorgar visibilidad a la presencia femenina en el entorno atlético.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_c067382be9.png" alt=""><figcaption>La artista aplica técnicas de precisión como el &quot;Doodle Grid&quot; para transformar muros grises en intervenciones de gran escala.</figcaption></figure><h2>El &quot;Doodle Grid&quot;</h2>Pintar superficies que superan los 200 metros cuadrados exige una metodología técnica rigurosa. Júlia utiliza un sistema contemporáneo para trasladar sus bocetos digitales a la mampostería. &quot;Para transferir el arte a la pared, uso una técnica llamada &#x27;doodle grid&#x27;. Primero haces garabatos en la pared, tipo &#x27;doodles&#x27; o marcas con números. Luego tomás una foto de la pared marcada y colocas el rascunho (boceto) encima&quot;, detalla sobre su proceso creativo. De esta forma, puede mantener la proporción exacta en proyectos monumentales, como los realizados para el museo Urban Nation en Berlín.Leé también: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-universo-creativo-de-henrique-montanari/794">El universo creativo de Henrique Montanari</a><h2>Desafíos en el espacio público</h2>Trabajar en la vía pública implica una exposición constante al clima y al juicio social. Mientras que en Europa la gestión es institucional, en Brasil la dinámica es más comunitaria. &quot;El mayor desafío es trabajar &#x27;expuesta&#x27;. En Alemania tuve varias experiencias de personas que amenazaron con llamar a la policía y tuve que prácticamente mostrar mi contrato para demostrar que todo era hecho de manera legal&quot;, confiesa la muralista. Respecto a la naturaleza efímera de su trabajo, muestra una filosofía desapegada: &quot;No me importa mucho sobre ella ser apagada y gusto de la idea de que un nuevo mural puede ser pintado por encima&quot;, concluye.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/CV-xrqLM2N1/?hl=es-la"></oembed></figure>TAGSBRASILMURALISMOENTREVISTA

medium_610629060_18557493955037960_6490960484851208485_n_2_eed1e39b1d.jpg

small_610629060_18557493955037960_6490960484851208485_n_2_eed1e39b1d.jpg

thumbnail_610629060_18557493955037960_6490960484851208485_n_2_eed1e39b1d.jpg

610629060_18557493955037960_6490960484851208485_n_2_eed1e39b1d.jpg

Murales, deporte y libertad, la apuesta visual de Júlia Mota Albuquerque

Lo que comenzó como un oficio tradicional terminó convirtiéndose en un verdadero fenómeno digital. A través de videos donde prepara elotes y raspados desde las calles de California, Elotero MX conquistó a millones de personas en plataformas como Instagram y YouTube y llevó la gastronomía callejera mexicana a las redes sociales.<h2>¿Quién es Elotero MX y por qué se convirtió en un fenómeno de las redes sociales?</h2>Desde hace ya varios años, las redes sociales dejaron de ser únicamente un espacio de entretenimiento para convertirse también en una fuente inagotable de trabajo y en una vidriera capaz de llevar oficios tradicionales a millones de personas alrededor del mundo.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_e43661e159.png" alt=""><figcaption>Elotero MX junto a su carrito de elotes en las calles de California (Elotero MX).</figcaption></figure>Y es que más allá de los creadores de contenido vinculados al turismo, los videojuegos o el deporte, también hay quienes encontraron en su trabajo cotidiano la receta perfecta para conquistar internet.Y México tiene uno de los ejemplos más curiosos: Elotero MX, el mexicano que se transformó en una verdadera sensación digital gracias a un oficio tan tradicional como preparar elotes, raspados y distintos snacks desde su carrito instalado en las calles de California.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DZiTVjSvtWs/?hl=es"></oembed></figure>Lejos de limitarse a mostrar el producto final, el creador comparte desde su propia perspectiva cómo transcurre cada jornada de trabajo. En sus videos aparecen niños, adolescentes, familias y vecinos que se acercan a comprar un elote o un raspado, mientras él registra el paso a paso de cada preparación y las conversaciones espontáneas que surgen con cada cliente. Una combinación entre gastronomía callejera, cercanía y naturalidad que terminó convirtiéndose en el sello que distingue a su contenido.A través de esos pequeños momentos cotidianos, Elotero MX también funciona como una ventana hacia la cultura mexicana, mostrando uno de sus platillos más tradicionales y la calidez que suele rodear a este tipo de puestos callejeros. Esa fórmula le permitió reunir cientos de miles de seguidores tanto en Instagram como en YouTube, además de acumular millones de reproducciones en sus publicaciones.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_8cd25b5395.png" alt=""><figcaption>La zona de trabajo de Elotero MX (Elotero MX).</figcaption></figure>En una época en la que muchas veces se asocia el éxito en redes sociales con grandes producciones y presupuestos millonarios, la historia de Elotero MX demuestra exactamente lo contrario. En ocasiones, una cámara, un carrito de elotes y la autenticidad suficiente para compartir el día a día alcanzan para transformar un oficio tradicional en un fenómeno capaz de conquistar a millones de personas alrededor del mundo.

Elotero_MX_el_creador_que_convirtio_la_venta_de_elotes_en_un_fenomeno_de_las_redes_sociales_1_d33c0d6057.avif

El creador que convirtió la venta de elotes en un fenómeno de las redes sociales

La música popular argentina encontró una nueva vidriera en el universo del streaming. Conducido por Hernán Fabián y Claudio Leandro Sosa, La Junta de los Artistas se consolidó como uno de los proyectos más importantes del género gracias a un formato donde las canciones, las zapadas y los artistas invitados ocupan el centro de la escena.<h2>La Junta de los Artistas: el streaming que puso a la música popular en el centro de la escena</h2>En los últimos años, el streaming dejó de ser únicamente una plataforma de entretenimiento para convertirse también en uno de los grandes escenarios de la música. Y en ese nuevo ecosistema, donde los shows en vivo, las entrevistas y las colaboraciones encontraron una nueva ventana de difusión, Argentina también desarrolló sus propios espacios de referencia.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_a0a10b410f.png" alt=""><figcaption>La actuación de Uriel Lozano en el show de La Juntada de los Artistas en el Complejo C Art Media (Instagram/La Juntada de los Artistas).</figcaption></figure>Uno de ellos es La Junta de los Artistas, un streaming nacido en el país que transformó la música popular en el eje de cada emisión. Conducido por Hernán Fabián y Claudio Leandro Sosa, el proyecto reúne a algunos de los principales exponentes de la cumbia, el cuarteto y otros géneros populares en un formato donde las canciones en vivo, las colaboraciones y las charlas espontáneas conviven en una misma mesa.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DYGXynTOUTA/?hl=es"></oembed></figure>Con más de dos millones de seguidores en redes sociales y cientos de miles de reproducciones en sus distintos contenidos, La Junta de los Artistas se consolidó como uno de los fenómenos del streaming musical argentino. Lejos de la entrevista tradicional, cada episodio propone un encuentro donde la música ocupa el centro de la escena, con zapadas, improvisaciones y cruces entre artistas que reflejan el presente de la industria nacional.Figuras como G Sony, Candu Domínguez, Damaris, Uriel Lozano, La Premier y decenas de referentes más ya formaron parte del proyecto, convirtiéndolo en uno de los espacios más buscados tanto por los músicos como por el público.<h2>Uriel Lozano, Palo y Cumbia Rocha: las figuras que pasaron por La Junta de los Artistas</h2>La esencia de La Junta de los Artistas se encuentra en su capacidad para reunir a referentes históricos de la música popular argentina con nuevas figuras que atraviesan uno de los mejores momentos de sus carreras.<ul><li>G Sony</li></ul><ul><li>Damaris</li></ul><ul><li>Uriel Lozano</li></ul><ul><li>La Premier</li></ul><ul><li>BM</li></ul><ul><li>Cumbia Rocha</li></ul><ul><li>El Pepo</li></ul><ul><li>Callejero Fino</li></ul><ul><li>Palo</li></ul><ul><li>Flor Álvarez</li></ul><ul><li>Agrupación Marilyn</li></ul><ul><li>DesaKTa2</li></ul><ul><li>Banda XXI</li></ul><ul><li>The La Planta</li></ul><ul><li>Onda Sabanera</li></ul><ul><li>Antonio Ríos</li></ul><ul><li>Salastkbron</li></ul><ul><li>Peipper</li></ul><figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_312193eb1c.png" alt=""><figcaption>La huella de G Sony en La Juntada de los Artistas (Instagram/La Juntada de los Artistas).</figcaption></figure>Ese abanico de invitados refleja el espíritu de La Junta de los Artistas: un espacio donde conviven íconos de la música tropical, referentes del cuarteto y artistas que hoy marcan tendencia dentro de la escena popular. Con cada nuevo episodio, el streaming continúa ampliando su catálogo de invitados y consolidándose como una de las grandes vidrieras digitales para la música argentina.

The_La_Plata_uno_de_los_artistas_invitados_en_La_Juntada_de_los_Artistas_1_7e0416c000.avif

¿Qué es La Junta de los Artistas, el streaming que revolucionó la música popular argentina?

Las calles de Buenos Aires no solo son el hogar de millones de personas, sino también el escenario de personajes que terminan formando parte de la identidad de la ciudad, y entre ellos sobresale el “Joker Argentino”, una figura viral que conquistó las redes sociales y se convirtió en un verdadero emblema urbano.<h2>El hombre que llevó al Joker a las calles argentinas</h2>Muchas veces, las calles de las grandes ciudades están pobladas por personajes que terminan convirtiéndose en parte de su identidad. Figuras extravagantes, artistas callejeros o simples vecinos que, por distintos motivos, logran ganarse un lugar en la memoria colectiva y transformarse en verdaderos emblemas urbanos. Y estoy seguro de que, mientras leés estas líneas, ya estás pensando en alguno de esos personajes que existen en tu propia ciudad.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_b101df2c6c.png" alt=""><figcaption>El “Joker Argentino” en medio de una manifestación en Buenos Aires (Telam).</figcaption></figure>En el caso de Buenos Aires, uno de los nombres que logró conquistar las calles y las redes sociales en los últimos años fue el del llamado “Joker Argentino&quot;. Seguramente te hayas cruzado con algún video suyo votando en las elecciones presidenciales, protagonizando un enfrentamiento viral con un Spider-Man en el Puente de la Mujer de Puerto Madero o participando en distintas manifestaciones frente al Congreso de la Nación. Detrás de todas esas imágenes aparece la figura de Darío Daniel Sirvent, un argentino que encontró en la interpretación del Joker una forma completamente nueva de reinventar su vida.La historia comenzó hace ya más de seis años. Tras más de dos décadas trabajando en una productora, Darío perdió su empleo en medio de una serie de despidos y tercerizaciones. Fue justamente en ese contexto cuando llegó a los cines “Joker”, la película protagonizada por Joaquin Phoenix y dirigida por Todd Phillips. Como ocurrió con millones de espectadores alrededor del mundo, el argentino encontró una fuerte conexión con la historia de Arthur Fleck y con la sensación de sentirse desplazado por el sistema.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@yelmarcial/video/7420893161293171974?lang=es&amp;q=Joker%20argentino&amp;t=1783390642134"></oembed></figure>Y lejos de quedarse únicamente con la admiración por el personaje, decidió llevar esa identificación un paso más allá. Así nació el “Joker Argentino”: una interpretación minuciosa que reproduce cada detalle del personaje, desde el traje rosa, la camisa verde y el chaleco mostaza hasta el maquillaje, el peinado y los gestos característicos que popularizó la película. Una versión completamente argentina de uno de los personajes más icónicos de la cultura popular.<h2>¿Por qué el Joker Argentino se volvió viral en las redes sociales?</h2>Parte de la popularidad del “Joker Argentino” también radica en un detalle tan simple como efectivo: la naturalidad con la que el personaje se mezcla en la vida cotidiana.Lejos de aparecer únicamente en eventos o producciones especiales para redes sociales, es habitual verlo realizando actividades comunes como cualquier vecino. Desde hacer las compras en un supermercado o esperar el colectivo en una parada, hasta caminar por el centro porteño, participar de manifestaciones o recorrer distintos barrios de la ciudad, la imagen del icónico villano de Gotham irrumpiendo en escenarios completamente normales genera un contraste tan absurdo como fascinante. Esa mezcla entre ficción y realidad terminó convirtiéndose en una de las marcas registradas del personaje y en uno de los principales motivos detrás de su viralidad.<h2>Del personaje callejero al fenómeno digital</h2>Lo que comenzó como una caracterización terminó convirtiéndose en un verdadero fenómeno digital. Con más de 250.000 seguidores en redes sociales y publicaciones que acumulan cientos de miles de reproducciones e interacciones, Darío logró construir una comunidad propia y transformar su personaje en una de las figuras callejeras más reconocibles del país. Entre apariciones espontáneas, eventos públicos y videos virales, el “Joker Argentino” pasó de ser una curiosidad urbana a convertirse en uno de los personajes más populares y reconocidos de las calles argentinas.

El_Joker_Argentino_en_medio_de_una_manifestacion_en_Buenos_Aires_1_bb85ecd1fa.avif

De perder su trabajo a convertirse en el Joker más famoso de Argentina

Si alguna vez tuviste la oportunidad de conocer la noche argentina, es muy probable que hayas escuchado alguna canción de Doble P, Callejero Fino, Salastkbron o Elaggume, las caras protagonistas del RKT, el movimiento que se adueñó de los parlantes de los boliches en Argentina.<h2>El ritmo que manda en la noche argentina: RKT</h2>La noche argentina siempre tuvo una banda sonora propia: desde el cuarteto, con Córdoba como faro y una identidad bien definida, pasando por la cumbia que dominó bailes y boliches de la mano de figuras como Pablo Lescano, Karina o El Polaco, hasta el reguetón que marcó una era con clásicos de Daddy Yankee y Don Omar. Pero desde hace ya varios años, hay un movimiento urbano que se apoderó de los parlantes y se transformó en el sonido por excelencia de los boliches en Argentina: el RKT, un ritmo nacido en el under urbano que hoy define cómo se baila y se vive la noche a lo largo y ancho del territorio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_f13ab1db9f.png" alt=""><figcaption>Doble P, exponente del RKT, en los escenarios del Lollapalooza Argentina (Instagram/Doble P).</figcaption></figure>Con figuras como Callejero Fino, DJ Tao, Peipper, Doble P, Lauty Gram, La Joaqui y otros nombres que emergieron desde la escena urbana, el RKT se consolidó como uno de los fenómenos musicales más fuertes de las noches argentinas. Un género surgido de la fusión entre el reguetón tradicional, la cumbia villera y el trap que encontró su expansión definitiva en las redes sociales, donde fragmentos de canciones se viralizan y funcionan como puerta de entrada para nuevos públicos.Popularizado principalmente entre la juventud argentina, el RKT se distingue por su tempo acelerado, el uso de sintetizadores y bajos pesados característicos del trap, acompañado de letras que retratan la vida en los barrios, las fiestas, el deseo y las experiencias cotidianas de la juventud urbana con un vocabulario propio y directo.Más que un simple ritmo, el RKT se convirtió en un movimiento cultural que refleja una época y una forma particular de habitar la noche en Argentina desde hace años.<h2>Una discoteca, cinco DJs y un nuevo sonido</h2>Más allá de que hoy en día algunos artistas sean las caras más visibles del movimiento, el origen del RKT en Argentina no tuvo como protagonistas a nombres como L-Gante, La Joaqui, Lauty Gram o Kaleb Di Masi.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=SacHyFb_j1o&amp;list=RDSacHyFb_j1o&amp;start_radio=1"></oembed></figure>Si bien existen versiones que indican que el sonido comenzó a escucharse primero en México, el nacimiento del RKT en Argentina se atribuye a un grupo de DJs integrado por DJ Kbz, DJ Pity, DJ Toty Stylee, Negro DUB y DJ Pirata, quienes musicalizaban las noches de Rescate Bailable, una discoteca ubicada sobre la Avenida Ricardo Balbín, en la ciudad de San Martín. A partir de la abreviación del nombre del boliche, el sonido que hacían sonar terminó bautizándose como RKT, dando identidad a un ritmo que empezaba a tomar forma propia en las pistas.Con el paso del tiempo, y a medida que la popularidad de Rescate Bailable fue disminuyendo, el RKT perdió presencia en la noche y quedó relegado a un segundo plano. Sin embargo, años más tarde, el género volvió a cobrar fuerza de la mano de L-Gante, quien hoy en día es considerado como uno de los estandartes del movimiento tanto a nivel nacional como internacional. El lanzamiento de “L-Gante RKT” marcó un punto de inflexión: la canción se convirtió en un éxito y funcionó como catalizador para la reaparición del sonido, posicionándose como uno de los temas más emblemáticos del movimiento y acercándolo a un público mucho más amplio.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_afc198482a.png" alt=""><figcaption>Callejero Fino, una de las caras líderes del movimiento RKT (Instagram/Callejero Fino).</figcaption></figure>En paralelo, otros artistas comenzaron a ganar visibilidad y a acompañar este resurgir. Nombres como El Noba —quien falleció en el auge de su carrera—, Callejero Fino o Perro Primo se sumaron a la expansión del RKT, aportando nuevas voces y consolidando al género dentro de la escena urbana nacional.Un dato clave en este proceso fue la aparición del primer disco asociado directamente al género. El álbum “Hagan Caso” de Callejero Fino marcó un hito al convertirse en el primer trabajo discográfico conceptual del RKT: compuesto por siete canciones, el proyecto estuvo acompañado por un documental homónimo que registra el proceso de grabación y ofrece una mirada íntima sobre la construcción del disco y del movimiento.<h2>La actualidad del RKT en Argentina</h2>En la actualidad y desde hace ya un puñado de años, el RKT atraviesa su etapa de mayor visibilidad y consolidación, instalado como uno de los géneros más escuchados en la noche argentina y con presencia constante tanto en los boliches como en los barrios del país. Con el sonido ya plenamente popularizado, artistas como Salastkbron, La Joaqui, Doble P, Ponte Perro, Alejo Isaak, Elaggume, Lolo OG y Kaleb Di Masi representan el momento de mayor expansión del movimiento: son quienes hoy llevan la bandera del género, lo mantienen vigente y empujan un sonido que alcanzó su punto más alto de alcance y reconocimiento.Dentro de este presente, los DJs continúan ocupando un lugar central en la identidad del RKT, tal como ocurrió en sus orígenes. Aunque no se desempeñan como cantantes, Alan Gómez (Mission), Gusty DJ (Session en el Barrio) y DJ Tao (Turreo Sessions) se consolidaron como pilares fundamentales del movimiento. Inspirados en el formato de las “BZRP Music Sessions” de Bizarrap, lograron trasladar esa lógica al universo del RKT, funcionando como plataforma de difusión para nuevos artistas y colaboraciones, y ampliando el impacto del género dentro y fuera de la escena urbana.<figure class="image"><img src="https://streetartlatam.s3.amazonaws.com/production/image_ddf8c699f4.png" alt=""><figcaption>El show de Peipper (Instagram/Peipper).</figcaption></figure>El crecimiento del RKT no se limita únicamente a la música y las plataformas digitales, sino que también se trasladó al territorio de la noche. La explosión del género dio lugar a la creación de fiestas exclusivas dedicadas al movimiento, espacios se transformaron en puntos de encuentro para artistas, DJs y público, reforzando el carácter colectivo y cultural del género. A su vez, el sonido ha traspasado la barrera de conquistar los parlantes de las discotecas en Argentina y cosechar millones de reproducciones en las plataformas, sino que también comenzó a formar parte de las carteleras de los festivales más importantes del calendario como el Lollapalooza, llevando el género a los grandes escenarios de la escena.

L_Gante_pionero_del_RKT_en_Argentina_d286839971.avif

El sonido que se adueñó de las discotecas en Argentina

La gastronomía peruana encontró en las redes sociales una nueva forma de llegar al público y Vicente Visla es uno de sus principales exponentes. Con millones de seguidores, el creador de contenido convirtió la cocina en el eje central de una de las comunidades gastronómicas más importantes de Latinoamérica.<h2>¿Quién es Vicente Visla, la estrella digital del contenido gastronómico peruano?</h2>Perú no solo es reconocido como uno de los grandes polos gastronómicos de Latinoamérica, sino también como una de las cocinas más prestigiosas del mundo. Y ese enorme patrimonio culinario también encontró su lugar dentro de las redes sociales, donde distintos creadores comenzaron a acercar platos, recetas y restaurantes a millones de personas.Y uno de los principales exponentes de ese fenómeno es Vicente Visla, quien logró consolidarse como uno de los referentes gastronómicos más importantes del continente.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=EUW3zpTUB_U"></oembed></figure>Con una comunidad de más de dos millones de seguidores entre TikTok, Instagram y YouTube, el peruano construyó un contenido que abarca prácticamente todas las aristas del universo culinario. Desde recorridos por restaurantes y reseñas de platos hasta comparativas, desafíos virales y recomendaciones, Visla logró convertir la comida en el eje central de una propuesta que hoy reúne a millones de usuarios.En YouTube, por ejemplo, desarrolla algunos de sus formatos más populares. Allí visita restaurantes de distintas ciudades, prueba platillos virales de redes sociales, compara menús económicos contra propuestas de alta cocina, explora supermercados, rankea hamburgueserías, descubre locales con bajas calificaciones y hasta pone a prueba la comida peruana en distintos países, además de recorrer puestos callejeros y restaurantes abiertos durante la madrugada.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/C3f4DawLZVn/?hl=es"></oembed></figure>Pero su trabajo no termina allí. En Instagram también desarrolló una faceta enfocada en la cocina, donde él mismo prepara recetas tradicionales de distintas partes del mundo y explica el paso a paso para realizarlas, acercando también sabores de distintos rincones del planeta a su comunidad.<ul><li>Galinhada de Brasil</li></ul><ul><li>Arroz congrí de Puerto Rico</li></ul><ul><li>Sopa de huevo de China</li></ul><ul><li>Papa rellena de Perú</li></ul><ul><li>Llapingacho de Ecuador</li></ul><ul><li>Porotos con riendas de Chile</li></ul><ul><li>Huevos rotos de España</li></ul><ul><li>Arepa de huevo de Colombia</li></ul>Más allá de las reseñas, los desafíos virales y las recetas, Vicente Visla logró posicionarse como una de las principales caras de la creación de contenido gastronómico en Perú. Su capacidad para combinar entretenimiento, turismo y cocina lo convirtió en un referente para quienes buscan descubrir nuevos sabores, conocer restaurantes o animarse a preparar platos tradicionales desde sus propias casas.

Vicente_Visla_el_influencer_que_recorre_la_gastronomia_de_Peru_y_el_mundo_46901a1b93.avif

Conocé a Vicente Visla, el influencer que recorre la gastronomía de Perú y el mundo

Improvisar frente a artistas internacionales no parece una tarea sencilla. Sin embargo, Kevincito transformó esa idea en uno de los contenidos musicales más virales de Latinoamérica, reuniendo millones de reproducciones gracias a encuentros espontáneos con figuras de la talla de Myke Towers, Arcángel, Ozuna y Daddy Yankee.<h2>¿Quién es Kevincito, el cantante callejero que conquistó las redes sociales?</h2>Seguramente, durante alguno de tus recorridos por Instagram o TikTok, te cruzaste con un joven colombiano improvisando frente a figuras de la talla de Arcángel, Lil Baby o Myke Towers. Detrás de ese fenómeno que combina música, humor, improvisación y encuentros espontáneos con celebridades se encuentra Kevin Way, más conocido en redes sociales también bajo el apodo de “Kevincito”.<figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7639976199095209219?lang=es"></oembed></figure>Con más de medio millón de seguidores en sus plataformas y millones de reproducciones acumuladas, el creador colombiano se convirtió en uno de los fenómenos virales del contenido musical. Su sello es tan simple como efectivo: acercarse a artistas, futbolistas y otras personalidades en la vía pública —ya sea a la salida de un restaurante, una discoteca, un hotel o mientras se dirigen a un evento— para sorprenderlos con una improvisación inspirada en su carrera, su personalidad o incluso en la ropa que llevan puesta.Te podría interesar: <a href="https://www.streetartlatam.com/articulo/el-santuario-artistico-del-genero-urbano-esta-en-colombia/1651">El santuario artístico del género urbano está en Colombia</a>Lejos de tratarse de encuentros preparados, gran parte del atractivo de sus videos radica en la espontaneidad. En muchos casos, los propios protagonistas se detienen para escucharlo, reaccionan con sorpresa, se ríen, lo felicitan e incluso terminan cantando o improvisando junto a él, transformando cada video en un momento único.<ul><li>Arcángel</li></ul><ul><li>Lunay</li></ul><ul><li>Lil Baby</li></ul><ul><li>Jordan 23</li></ul><ul><li>Luar La L</li></ul><ul><li>Morad</li></ul><ul><li>Myke Towers</li></ul><ul><li>El Alfa</li></ul><ul><li>Lamine Yamal</li></ul><ul><li>Miky Woodz</li></ul><ul><li>Anuel AA</li></ul><ul><li>Eladio Carrión</li></ul><ul><li>Ozuna</li></ul><ul><li>Beéle</li></ul><ul><li>Blessd</li></ul><ul><li>Daddy Yankee</li></ul><ul><li>Ilia Topuria</li></ul><figure class="media"><oembed url="https://www.tiktok.com/@kevincitooficial11/video/7655587954831789334?lang=es"></oembed></figure>Gracias a un formato que mezcla improvisación, humor y encuentros inesperados con algunas de las mayores figuras de la música y el deporte, Kevincito logró construir una identidad propia dentro de las redes sociales. Hoy, cada uno de sus videos reúne millones de visualizaciones y confirma que una idea original puede convertirse en uno de los fenómenos digitales más llamativos del panorama latinoamericano.

Mostrando 161 resultados para: ARTE CALLEJERO

Noticias